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学钢琴,弹奏钢琴，如何提升声音技术

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2019-06-03

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学钢琴,弹奏钢琴，如何提升声音技术学钢琴弹奏钢琴，如何提升声音技术音乐是一种无形的“物体”，它不可能用语言和定义来表现，而只能够用音乐来表达，但是，音乐也可以通过无形的音符来诠释像文字和语言一样的意义。

学钢琴,弹奏钢琴，如何提升声音技术

学钢琴

弹奏钢琴，如何提升声音技术

音乐是一种无形的“物体”，它不可能用语言和定义来表现，而只能够用音乐来表达，但是，音乐也可以通过无形的音符来诠释像文字和语言一样的意义。钢琴弹奏也是一样，一段曲子有自己的起点和终点，所以，完成一段完整的钢琴曲目，也就是完成了一件完整事宜。钢琴家应诗真曾经指出:

钢琴弹奏技术“是非常重要的, 没有它,

想地表现音乐形象就成为一句空话。”要想弹奏出好的音乐，就必须处理好弹奏与相关要素之间的关系，使之协调一致。钢琴弹奏主要处理好声音与肢体之间的协调，然后，深入的处理好声音与心理之间的协调，把握两种关系，是把握钢琴弹奏的核心内容。

一、声音与肢体之间的协调

要想弹奏出美妙的音乐，除了钢琴本身要有精良的制作工艺和过硬的产品质量之外，更重要是就是要靠弹奏者的弹奏水平。这就要求弹奏者首先要处理好音乐与肢体之间的关系，换句话说，就是怎样用正确的肢体语言把音乐制作的较高要求达到，怎样把机械的触键活动变成生动的艺术表演。肢体包括很多，但是在钢琴弹奏中，需要注意的肢体主要包括以下几个方面：

(一)手掌训练

钢琴弹奏中手掌的训练是关键中的核心内容，也是较基础的内容。手掌的熟练程度决定了弹奏技术和音乐表达。有的人在弹奏时，由于紧张，手指紧紧地合拢在一起，掌心不能够形成内在的力量，在弹奏中，使声音不能够清晰的分辨，更加不能够把握要表达的声音的重点，使声音毫无欣赏可言。所以，手掌的训练是较基本的功力，应该贯穿于学习的整个过程，不能懈怠。指尖的弹奏应该注意把手型摆好，手臂自然的放松提起和下落，在手臂自然提起时，肩膀放松，手指处于积极主动弹奏的状态，避免外力的侵袭，在指尖下落的过程中，大拇指不应该放在键盘上，要与琴面形成一种合乎自然的放松状态。比如，如果想要弹奏连奏时，就更加要注意手掌的力度，连奏是一种音符与音符之间紧密连接的一种弹奏方式，这时应该把手抬高，从高处落下来，把手臂的力量传到指尖，形成两个音符之间的连续，同时，手指触键的部位不是指尖，而是指面肉垫部位，这样有助于声音的柔润;手指触键的高度要调整，手指的高度与弹奏的速度有直接的关系，清脆的颗粒型的声音就要求手指高高的抬起，扎实有力的落下;手指的触键的速度和用力方式都要注意，声音从一个音符顺畅的流向另一个音符是连奏的关键，这对手掌的要求也是相当的高的。

(二)踏板技术

亨利.古斯塔沃维奇.涅高兹在《论钢琴表演艺术》中提出：“永远记住,踏板与声音是如何不可分割地联系着。”“踏板是手下一个较有力的感染人的手法。”可见，弹奏出好的钢琴曲，脚下的功夫也是必不可少的，美妙的声音与踏板的正确使用是具有直接的关系的。使用不同的踏板或者同一块踏板，不同的人使用就会产生不同的。踏板的种类也很多，分为延音踏板、持续音踏板、弱音踏板等，所以，钢琴弹奏者在演奏的过程中，应该按照自己的需要选择适合自己的踏板，当弹奏到低音时，就应该选择持续音的踏板，使声音不断的变换;而当音乐需要洪亮、清脆的音乐时，弹奏者应该选择使用延音踏板等。其次，对踏板踩下去的力量也要合理的把握，也应该弹奏者对音乐的理解，来控制对踏板的力度，如果想要弹奏李斯特的《狂想曲》，就应该把踏板深入的踩下，从而发出浓厚的气势。所以，踏板与音乐之间的关系要适时的调整好。

(三)听觉训练

要想表达好的音乐，首先应该让自己弹奏的音乐使自己满意，这就需要使音乐从自己的听觉上过滤。而钢琴弹奏虽然是键盘上的活动，但是美好的音乐是要用大脑来控制和指挥的，所以，听与弹是互相作用，缺一不可的。同时，在演奏之前，也要在脑海中树立一个想要弹奏的音乐目标，用实际弹奏的音乐通过耳朵来和脑海中的音乐相对比，没对比一次，就有飞跃的进步，所以，耳朵的媒介的作用不可忽视。弹奏者要在听力上不懈的进行训练。在自我训练的过程中，要用敏感的耳朵辨别声音的好与坏，辨别敲击键盘的力度是否合适，倾听声音是否达到了合适的延续或断音或延长等。在这个基础上，深入的分析，是什么原因造成声音的延续性过长，是什么原因造成沉闷的音调产生，是什么原因导致自己弹奏的音乐不能够被听众接受。这些问题的提出都要靠听觉的反映和听力的不断提升。所以，听觉的训练必须和弹奏的其他方面的联系同步进行。

(四)全身协调

把握好了钢琴弹奏的基本功，还要注意全身的协调，注意弹奏方法的运用。手掌的力度和速度应该与踏板的力度和速度有机的结合，同时，也应该注意与听觉上的一致性。除此之外，钢琴弹奏还应该注意掌关节、腕关节、肘关节等相关身体部位之间的关系。掌关节是手指活动的力量所在，也是力量的支撑点，所以，更加要把握两者的灵活性;而腕关节也能够协助掌关节和手指的力量的使用，手指活动时，手腕的放松能够有助于手掌的调整，而手腕的上下和左右之间的综合运动被成为画圈圈，这个动作决定了音符的规律性;而肘部主要是起到了中介的作用，双臂在演奏时应该放松，不应该夹紧，这样就不能灵活的打开双臂，更加不能有效的展现音符的力度，更加不能够使音符表达的柔顺和舒展。所以，全身的协调才能够使音乐达到美好的状态，在应该表现紧张时，音符流动紧凑;在表现愉悦时，音符流动的丰润、顺畅;在表现悲伤时，音符流动的沁人心脾。

总之，要想处理好声音与肢体之间的关系，就要注意以上几个关键点，而且，肢体是钢琴弹奏的基本功，手掌训练、踏板技术、听觉训练和全身的协调之间缺一不可，而且每一个方面都要进行深入的研究，才能在弹奏中达到出神入化的境界。

二、声音与心理之间的协调

钢琴的弹奏如果只是机械的进行按键，是不能够打动听众的内心的，只有把创作者的创作背景和生活的年代背景进行深入的了解，深刻的体会创作者的思想和情怀，才能够把音乐弹奏的深入人心。贝多芬的《命运交响曲》体现了其生活的时代的无奈，更加体现了贝多芬内心世界的复杂和焦急，所以，他在弹奏时能够与听众产生共鸣，才能够使这部传世巨作流传至今。

但是，有许多钢琴弹奏者在诠释音乐的过程中，不能够处理好声音与心理之间的协调，所以，弹奏出来的音乐枯燥无味，没有演奏的可持续性。每一位演奏者在掌握了钢琴弹奏的基本功之后，就应该关心声音与心理之间的协调，把心理上的塑造放在首要的位置之上，避免在弹奏中容易造成的误区：首先，没有对音乐进行理性和客观的理解，对声音不够重视，这部分人只是单纯的关注在弹奏中的技术层面，比如只是盲目的追求弹奏的姿势、速度或者是踏板的力度，把注意力放在了如何华丽、快速、响亮的的演奏上面，没有在理解音乐上做好功课，所以，由于在听觉方面的训练不够，想象力的缺乏，弹奏者不倾听自己弹奏的音乐，导致无论弹奏什么曲子，都给人一种感觉，缺乏艺术的美好，没有个性的展示，鲁宾斯坦曾经说过“

您认为钢琴是一件乐器吗，它是一百件乐器。”可见，一种乐器能够演奏出 100

中音乐的核心就在于它能够描绘不同的意境和情感。而没能表达情感的钢琴曲，即使弹奏的技术再好，也不能够达到级的境界。其次，就是弹奏着容易对音乐的注意力过之不及，过度的注重对音乐的演绎，过度的注重音乐的细节，从而不能够在整体上把握音乐的内涵，弹奏者只有把自己的情感融入到钢琴的弹奏中去，才能够用情感去弹奏，李斯特曾经听到一位演奏者弹奏“天鹅绒”般的声音，之后他评价说：“我也能弹出这种天鹅绒似的声音。”声音是演奏中应该重视的环节，但是声音只是表达音乐的手段，而不是演绎音乐的目的。音乐弹奏的主要目的是要表达某种情感，这种情感通过音符和键盘来很好的进行表达，以释放弹奏者内心的情怀。所以，只有把目的和手段分开，才能很好的定位钢琴弹奏的目的，才能用一颗“真心”去演奏，才能够与听众实现同步和共鸣。

所以，声音与心理之间的协调是钢琴弹奏的阶段，两者之间的和谐是音乐表达的升华，用情感去演奏的音乐才能够真正的打动听众，用情感去演奏的音乐才能够实现艺术的升华。

总之，在钢琴弹奏的过程中，应该把肢体和心理相统一。声音与肢体之间的协调是钢琴演奏的基础环节，也是必经环节，没有扎实的基本功，不能够进入音乐欣赏的阶段，没有扎实的演奏技巧，更不能实现心理上的满足和充盈;进一步说，拥有了扎实的基本功，才具备了声音与心理上和谐统一的协调，音乐，包括钢琴演绎的音乐的较终目的就是实现心理释放和心理放松的途径，所以，实现钢琴声音和心理的协调是钢琴弹奏的较高诉求，同时也是实现个人价值观和人生观，甚至世界观不断提升的过程，从这个角度来说，钢琴的弹奏具有至高无上的意义，而且，在钢琴的演奏中体验情感才能实现钢琴弹奏者的重要作用。

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弹琴人必知！钢琴为什么有88个琴键

大家有没有想过，为什么钢琴的琴键是88个呢?不是78也不是98?难道是因为88这个数字比较吉利?哆哆知道，真相肯定没我想得这么玄幻，于是经过查资料，终于解开了这个谜题。

时间拉回到18世纪初，也就是巴赫的那个年代，当时人们弹奏的乐器叫做大键琴(Harpsichord)，钢琴是在它的基础上改良而来的新乐器。

大键琴的琴键是60个，所以较早的钢琴也只有60个琴键，比现在普通的电子琴还少一个键。随着钢琴的数量逐步增多，越来越火，许多作曲家也开始为钢琴写曲子。慢慢地，他们遇到了一个问题，因为创作的作品难度越来越大，音乐性也越来越丰富，60个键的钢琴已经不够他们施展了。于是作曲家们开始联系钢琴厂商，建议他们生产更多琴键的钢琴。

到了1880年左右，钢琴制造行业的老大施坦威(Steinway)制造了一台88键的钢琴，其他厂商一看，老大生产多少键，我们也生产多少键。于是，88键的钢琴就这么传承下来了，并且变成了现在钢琴的标准。

为什么88之后，钢琴制造者们没有再加以扩充呢?

首先是因为一般作曲家的曲子不需要用到超过这88个键的音。其次，人耳能听到的音是有一定频率范围的，一般情况下，这个范围在15——20000赫兹。低于15赫兹和超过20000赫兹的声音，人耳基本很难分辨。而钢琴较低音的频率为27.5赫兹，较高音为4186赫兹。尽管钢琴的较高音距离人耳的极限还有很大的空间，但超过这个频率的声音，我们已经很难分辨出它具体的音高了，只是能听到声音而已。

所以，目前钢琴88个琴键的设计并非是随意决定的，它是经过科学的研究，才较终确定下来的。

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笑喷！看钢琴老师如何吐槽学生

1、有一次我弹肖邦，我的专业老师说，你怎么可以把一首那么忧伤又纠结的曲子弹得那么欢乐?你失恋过没有?我说···我前列次谈恋爱就结婚了。

后来老师就布置了勃拉姆斯的东西给我弹，让我体会一下勃拉姆斯和舒曼还有克拉拉的三角恋的痛苦与纠结。

好吧~我就幻想代入角色跟Jhnny depp 来一场三角恋~

体验痛苦中···

曲子弹下来了，回课的时候，一开始弹得那个纠结痛苦啊，一边弹老师一边说“嗯，还不错。”结果到中段后，画风突变，老师喊停，问“怎么了?发生什么事又如此欢快?”

我说，“我在三角恋中胜利了···”

老师心里有千万只草泥马在崩腾······

2、小学四年级，刚接触四手联弹。

钢琴老师的吐槽犹在耳畔回荡。。。

“你是在和嘟嘟(另一个弹琴的姑娘)弹四手联弹，不是要用手把人家从琴键上踹下去~”

“照你这个弹法我就出名了，教出一个会独奏四手联弹的学生。”

······

完了半年之后开始弹哈农和599。

599前列个曲子简直要死。

老师说，“你弹琴的感情很饱满，让我想起了我的父亲。他在我们村棉花弹得可好了。”

童年阴影。

3、一弦乐的同学上钢琴课，初学，弹的时候指头在琴键上晃来晃去，弹得不亦乐乎。

老师说“别揉弦。”

4、“小拇指像避雷针一样竖起来干嘛!”

5、弹琴的时候太激动踏板踩太用力。

——“你是在踩缝纫机吗”

6、老师：弹巴赫带有一点资本主义的腐朽气息好吗?高冷一点可以吗?能不能不要动来动去?

我：我~要带金链子吗?我弱弱的说~

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手指长短对弹奏钢琴的影响

常常听到有人说“某某人的手指又细又长，很适合弹钢琴”、或者“某某人长了一双钢琴家的手，又细又长的”之类的话。甚至不少学生的家长也会用这样的标准来作为让不让孩子学琴的重要参考条件，仿佛手指短些的孩子无法学好钢琴一样。但其实这些话本身是没有什么道理的，而且说这些话的人恐怕也大都没有见过钢琴家的手是什么样子的。

十几年前看过一本书，书中翻拍了历史上许多钢琴家的手的石膏像。说实话，里面很少有符合“又细又长”这个条件的手指。恰恰相反，尽管钢琴家们大都有一双大手，但从比例上来说，绝大多数手指看上去又粗又短，手掌也是又宽又厚。这一点就像歌剧演员大都没有现在流行的模特身材是一个道理，当身体成为演绎音乐的“工具”时，“实用性”远比“观赏性”更为重要。手也一样，钢琴演奏是一项非常职业化的工作，因此强劲有力的手指远比细长优雅的手指更为有利。

钢琴演奏

在其它条件相同的情况下，通常细长的手指在速度上处于劣势。同样完成一个动作，较长的手指要比较短的手指用的时间更长。哪怕只是一秒的时间，放到音符飞速流动的乐曲中也会产生一定的影响。另外，细长的手指常常在力量上输给看上去粗短的手指。而速度与力度对钢琴演奏是至关重要的。

那么是不是细长的手指就不适合弹钢琴呢?当然不是。如果说较粗的手指常常较有力量、较短的手指常常容易提高速度的话，那么细长的手指在表达音乐的优美与抒情性上常常具有无可比拟的优势。

钢琴演奏

其实对于弹奏钢琴来说，较重要的手指条件是灵巧、有力、并具有柔韧性与控制能力，而不是外观的大小、粗细与长短。作曲家、“钢琴诗人”肖邦的手指作为为数不多的例子，就是完全符合细长这个标准的。尽管现代人都没有听过肖邦本人的演奏，但从他的许多作品中完全可以感受到惊人的速度与力度的存在，而这些作品都是他当年亲自演奏过并获得成功的。多数钢琴家的手远远没有肖邦的手那么“迷人”，但这也丝毫没有影响他们把如泣如诉的音乐段落演奏得沁人心脾。所以仅看手指的样子来判断钢琴演奏技术的发展前景，就像靠外观来挑桔子一样靠不住。

较后要说明的是，这里说的手指外观对钢琴演奏的影响其实是把钢琴演奏的技艺发挥到高超顶点之后的情况。说实话，一万个学琴的学生里面也出不了一个钢琴家，而一万个钢琴家里面也出不了一个肖邦。对于学习钢琴的考生们来说，所谓手指长短、粗细的优、劣势小到应该完全忽略不计。我们又何必用这个原本就靠不住、又应该忽略不计的标准当作让不让孩子学琴的参考条件呢?

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什么是钢琴“连奏”？如何弹好

一定数量的音，在上方或下方的连线里(通过连贯性的演奏)将他们有序的交织在一起。我们讲这样的方法称之为“连奏”(Legato)。在连线内部的这些音我们称之为连音。我们在练琴演奏过程中，比较大的一个挑战就是如何将连音弹好，为什么这么说呢?这里要提到一下钢琴内部的基本构造。我们在弹奏时，由于钢琴是一个敲击乐器，敲打琴弦后，我们是无法控制声音匀速，平稳的衰减趋势。音量匀速衰减的过程是不可逆的。不像弦乐乐器，可以通过速度和力量给予声音不同的变化。钢琴弹奏出的声音，只会在发出后由于琴弦震动的减弱，从而造成声音的衰减。为了演奏好钢琴这个乐器，我们需要通过我们的耳朵，去分辨出连音中，音与音之间的比例关系。这种比例可能是下键速度，力度，触键面积的一个或者几个方面。

用耳朵聆听音之间的间隙

为了弹好连奏，基础练习中我们要找到对音与音，它们之间空间的掌握。那么连奏中，每个音之间的距离多少比较恰当?如果讲我们的大指长度比作是音符的时值长度，在连奏中，可能我们需要这两个音(大指)尽量紧贴对方。同时有一定的重合度，但是不能过多。如果重合的比例太高，两个音在声音上就会有粘连感。通过耳朵去辨别音与音之间的过渡清晰与否是很重要的。当然，音与音之间也不能分的太开，没有很好的相交点的话，听起来可能更像是一种断奏(Non

Legato)的弹法。如何去找到这样的一个连奏的声音相交点，需要我们的耳朵在练习时很好的聆听。

力度的掌握

在弹奏连奏时需要注意的另外一点就是力量的掌握。我们第二个音在前一个音衰减的某个时刻进入，但是，如果第二个音的音量跟个音衰减曲线有相对于比较大的距离，听起来音与音之间的区间就比较大，联系不够紧密。感觉这两个音没有什么很大的关系。如果第二个音，在个音衰减曲线上合适的一个位置弹奏，这个音就更像是前面的延伸。无论渐强渐弱，我们都要将音与音之间的关系看的很透彻。渐强和渐弱的连奏，声音都要在一定的比例之内进行。

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