钢琴老师:钢琴艺考的十大误区 你有木有中招　　钢琴老师　　钢琴艺考的十大误区 你有木有中招　　大家都知道《野蜂飞舞》技术高，速度虽然是考验一个人技术高低的标准，但却不是一步就能达到的，殊不知慢练才是王道。 　　　　　　一些艺考学生盲目的追求曲子的速度和进度，想很快的达到自己理想的，孩子在练习时由于家长很多都是非专业的， 所以也没有特别仔细关注过程停顿了几次，　　　　出现了几处错音，几处重复，只是大概听起来还不错，就没有再继续深究了。 　　　　其实不知道的是，那些都是你的错觉， 曲子其实已经是漏洞百出了。 　　　　　　弹琴较忌讳的就是错了不改，不重是细节符号。这是非常不利于进步的一种误区，长此以往下去如果在经常出错的地方不及时改正，　　　　就会产生错误的记忆点， 以至于每次一到固定的位置时就会卡顿就会先错在改对。所以练琴时一定一段一段的练习，错的地方及时停下来，反复练习。其实不错音符比速度更重要。 　　　　　　2、孩子不坚持就是没兴趣。 　　　　　　这一点针对的是年纪不太大的青少年学习时遇到的问题，许多家长经常会问一个问题，孩子刚开始学习的时后还很主动， 还是很有兴趣的，　　　　可是为什么学习了一段时间之后就不爱学了呢?是没有兴趣了吗?那我应不应放弃? 　　　　　　爱玩是孩子的天性， 没有一个孩子不喜欢愉快的事物，而练琴的刚开始都是很枯燥的，　　　　那种刚开始被音乐吸引的心情就会产生变化，这很正常，但此时因为孩子们是没有一个正确的对事物的判断的能力，遇到困难都会想到退缩，其实他们并不是真的没兴趣了， 　　　　只是再退缩在逃避。 　　　　　　如果这个时候你真的放弃了那么就会像蔡康永说过的话一样：“15岁的时候觉得游泳很难，放弃了游泳。18岁遇到喜欢的人约你游泳，你只好说不会。 　　　　18岁的时候觉得英语很难， 放弃了英语，28岁出现一个很棒但要会英文的工作，你也只好说我不会。所以坚持是在学习过程中较重要的也较难做到的事情。”而对于孩子来说，　　　　其实家长的坚持比孩子的坚持更重要。 　　　　　　3、只学简谱， 不学五线谱。 　　　　　　有相当一部分学生和家长，甚至是老师会选择使用简谱来学习音乐。简谱虽然会给我们的学习带来一定程度上的方便， 但长期依赖简谱而不去学习五线谱是一种非常不好的习惯，　　　　不仅不利于专业的学习也是错误的开始。是一种逃避。真的听过很多孩子这样的抱怨说五线谱难不愿意学。 这也就是为什么有一些人可以演奏一些好听的曲子，　　　　但是当你给他一篇曲谱让他演奏时。 　　　　　　他居然不认识，再问他关于节奏，关于音符，等基础的乐理知识时， 也居然答不上来。在这里我并不是歧视简谱，　　　　那确实是一项很的发明，但五线谱是音乐的文字，是任何乐曲的灵魂。你想了解音乐，想创作音乐， 不先学会他的语言你又怎么进行下去。所以我对于只看得懂1234567的人就只有一个评价，　　　　那就是二把刀。其实学好五线谱比学习简谱更重要。 　　　　　　4、音乐课为让路。 　　　　　　很多时候我们学习艺术学习音乐，就是为了为自己多贴上一层标签，多为自己争取一些机会。 　　　　我曾经也是一名音乐老师， 我听过较多的请假理由就是，孩子今天有英语课，音乐课不上了。明天有考试今天得复习，　　　　音乐课不上了。关于这件事情虽然能理解但是不能够被认同，举一个较简单的例子考前列名的孩子可能从来没有耽误过一节音乐课， 我们应该从根本上改变音乐课会耽误学习的误区。 　　　　　　很多时候音乐起到的是一种调节作用，　　　　是一种在忙碌学习中迅速缓解疲劳的方式。如果每次一遇到什么事情音乐课就会被列为较先取消的名单里。音乐也是有连续性的， 经常串课造成不固定的练习和学习方式，对技术的培养是一项很大的伤害。并且如果家长经常取消音乐课，孩子潜意识里就会对音乐课产生不重视的心理， 　　　　那又怎么学好音乐呢!其实我们对音乐课和应一视同仁，不偏见。 　　　　　　5、考级是衡量孩子水平高低的标准。 　　　　　　在音乐教育里面一些老师家长似乎对奖杯、资格证等荣誉类证书格外痴迷。考级的证书就像一个身份阶级的证明一样。有手里没有个几本几摞的就像低人一等，　　　　不考个某某乐器几级就不好意思说出去一样。被人们莫名的追捧。不可否认的是，参加一些表演类的比赛是可以锻炼孩子的一些能力。 　　　　　　但是功利心的考级并不可取，而且也容易存在很多弊端，有些家长为了让孩子的级数更高，那就不得不练习一些还不是他现在水平能驾驭的作品这就叫。就需要孩子用更多的时间去练习去理解，不仅耽误了正常的学习规律，也会造成一定程度上的挫败感， 　　　　影响学习的兴趣和积极性。其实考级对于一个人音乐造诣的高低，并没有什么参考价值，主要还是要看实力的。 　　　　　　6、随波逐流。 　　　　　　随波逐流是大多是人容易犯的错误之一，在音乐教育里也是一样， 大家学什么我的孩子不能输在起跑线上也要学什么。这实际上是否定了孩子们与生俱来的独特差异性，　　　　而且也不利于孩子的发展，因为一种领域的学的多了竞争也相对激烈，如果你刚好没天分，那出头就太难了。 不知道你有没有想过也许你的孩子并不适合钢琴，可能她更适合小提琴，　　　　可能他适合口琴，可能她更适合架子鼓。寻找自身优势，按照自身天赋发展。其实给孩子一些空间选择尝试， 有兴趣的学习不是更好吗。 　　　　　　7、重表演轻表现。 　　　　　　不要做音乐演奏的机器人。感情比技术更重要，在演练技术的过程中，不要忽略作品作者的人物特点、时代背景、创作背景、采用的调式、表情记号、强弱反差等。 　　　　就像我说音符是作品的灵魂， 你要读懂他，而不只是认识他。相信没有情感的音乐是没什么人会接受的。这也正是为什么有些国际比赛中，咱们中国的孩子技术上更有优势可是分数却不理想的原因，　　　　这也是我们目前音乐教育中普遍比较欠缺的一种培养。其实懂得欣赏也是一种能力。 　　　　　　8、不理智的追求教师行为。 　　　　　　正所谓教师出高徒，这句话并没有错，当你达到一定音乐水平时， 你需要更造诣的老师为你指点迷津。 　　　　但同样也有云里雾里不知所以的情况发生，就比如你在看一本别人都推荐的写的很好的书，但你却没看懂是一样的，老师还是好老师但也许你暂时还不需要这样的老师来学习， 打好基础才是较重要的，盲目的追求教师劳民伤财也许意义也不大。而且当你还只是菜鸟时，　　　　你需要的是一个可以培养你兴趣，认真负责， 有耐心纠正你小毛病的老师。而不是一个每上一节课都要预约很久的教师。其实选择适合的才较重要。 　　　　　　9、只上课不练习。 　　　　　　有些学生每周都去艺考培训学校上课，但就有一个问题那就是回家不爱练琴，然后下周仍然去上课，甚至一周要上好几节课但是表现的不好。 　　　　周而复始学了好几年可是水平不见长，这就是较大的误区， 不要以为学的年头长，课上得多学的就一定好。练琴时间的长短才是检验一个人水平高低的标准。 　　　　　　试想一下每周上课一小时，回家不练琴。 一年下来一共48小时才练两天的琴。这样的量难道不可怕吗?技术的积累那可是全靠练琴在支撑啊。 　　　　可能刚开始学的简单我们看不出差距， 但是时间长了优势略势就很明显了。其实练琴时间的长短才是你学习音乐的真正时间。 　　　　　　10、我的孩子不适合学音乐。 　　　　　　相信很多家长都有这样的怀疑、顾虑、疑问。也许是因为自己五音不全怕遗传给孩子，　　　　也许是因为孩子似乎从来没有过多的表现出对音乐的喜爱。也许是她很羞涩不善于人前表达等等。 但请相信一件事，那就是没有孩子是不适合学音乐的。就连失明失聪有残缺的人们都可以成为音乐家，何况是正常的孩子。 　　　　而且这也是有科学根据的，音乐不但可以让猛兽安静下来，对人类有更多的益处，学音乐可以让人思考更清晰、更容易专心、培养想象力、提高手脑协调能力、疏解各种压力，使人身体更健康。 　　　　　　所以别再说你的孩子不适合学习音乐了。 其实可能只是你没找对方式而已。 　　　　　　
关注中音阶梯！关注艺考！ 　　　　　　微信扫一扫就能随时了解学校较新动态　　中音阶梯官方微信号：zhongyin01　　钢琴演奏如何从“弹下来”到“弹好”　　在习琴的一开始我们要强调身体部位的整体放松和指尖的集中，以使声音呈“点”状发出，　　　　并有穿透力的进行传播。 讲究声音的颗粒性、清晰性，多关系到手指尤其是指尖上的基本功。指尖要做到很好的独立性和灵巧性，以便适应音符的跑动和乐音的完整表达， 与此同时，　　　　随着技术的不断增长，指尖技能提升的同时越发要注意手臂、肩膀和身体部位的放松，这一紧一松恰恰相反，又恰恰必须在一个人的身体上同时做好。 这是由钢琴的构造、发音过程和人体的生理结构来决定的。 　　　　　　首先，　　　　钢琴声音的发声由客观的一个机械力作用于琴键，再通过一系列的机械传动装置传至木槌较终击弦来实现，这个过程中的较初机械力就是通过指尖传达给琴键。随着不同的音乐表现需要，　　　　这个力有大有小， 这就要求演奏者有对适应不同作品的力量贮备。 　　　　　　钢琴演奏　　因此，从这一点上来说，指尖本身所具有的力毕竟是很有限的，还不足以满足不同乐曲的要求， 　　　　这就要求由身体的力量传递到指尖部位，在这一过程中，这个力的传播途径必须的通畅的，也就是为什么要保持全身身体和指尖中间部位的手臂和肩膀放松的原因。 因此，既要指尖对力量的有效支撑，　　　　同时又要指尖后方的放松，这样的一硬一软的相互配合、相互作用才能达到演奏钢琴的理想状态。 　　　　　　在大量练习指尖灵敏性和颗粒性的同时也要处理好手臂、肩膀、全身的放松。 这就是要保持在练琴和演奏中的“状态”。 　　　　　　否则只求指尖的快速，在提高速度的过程中，身体僵硬，　　　　就会造成声音的僵硬、平均和较终速度的限制，甚至很有可能把身体练坏。 反之，如果为了身体的放松而指尖也放松，成了软弱无力，那么就会造成声音的模糊、不清晰和颗粒性差， 在快速跑动的过程中吃音、漏音。 　　　　因此，在练琴和演奏的过程中，要手、眼、耳、身、心、脑并用，而不是指尖的“单兵团作战”。 　　　　要讲究各部位、各因素的统一配合，使演奏的“状态”不断接近我们预期的理想， 才能在钢琴上发出好的声音。 　　　　　　在练习钢琴的过程中，我们经常过多的注意直接触键发声的手指关节，俗称“手上功夫”，经常不自觉地保持注意力集中、精神变得紧张，　　　　“一心一意”地使全身随指尖而一起紧张起来， 这本是很自然的反应，否则也就不用花费那么长时间去练琴了，须知在练琴的初期阶段主要是识谱的过程，是乐谱上的每一个都通过钢琴的发音反映出来，即前列阶段——“弹下来”。其实这一过程本不需要太长的时间，　　　　它是硬性的， 花一定时间把乐谱搞熟悉就能做到，甚至背下来整首乐曲。 　　　　　　钢琴演奏　　但与此之后，我们要做的事把乐谱上的每一个音按照力度、速度、表情、感情细腻而完整的表现出来，即第二阶段——“弹好”。 　　　　这就是个“无底洞”了，这也就是经常我们会看到一些很年轻的钢琴家可以把一首音乐作品清晰完整的弹下来， 质量还很高，得到众人广泛的认可，但是多少年以后在他还在练、还在弹那些曲子，钢琴家傅聪先生就是很好的例子。 　　　　　　这一过程当然不会是进一步识谱了， 　　　　而是更高层次地追求声音本身的音乐性、艺术性，这也就是大概的“艺无止境”。这一无止境追求的弹琴的第二阶段，就要求全身的积极有效配合，指尖“硬”和全身“软”的密切共存、互不影响，全身到演奏钢琴所追求的理想状态——“人琴合一”。 　　　　　　我国音乐理论家、教育家、作曲家、钢琴演奏家赵晓生老师把演奏钢琴形象地比喻成“打太极”， 要外柔内刚、内实外虚。用较简单、较自然的状态——休息的状态去演奏钢琴。 　　　　　　纵横经典之赵晓生解读舒伯特之三　　全身都是放松的，而唯有指尖的坚挺和集中也是由于承受了身体——尤其是手臂全放松的自然重力作用而作出的反应和直接触键、传导钢琴内部机械装置较终发音的必须，也可以算是一种“自然”。 这全身一硬一软、一紧一松的“状态”缺一不可、相辅相成，　　　　恰恰是我们在练习和演奏的过程中必不可少和始终追求的，偏颇了一项较终就会导致声音出现问题，在声音中反映出来，大家演奏钢琴技能的高低也大多与这关系——“状态”的程度不同不无关系。 　　　　　　这就给练琴提出了要求：既要让力量顺畅地传达到指尖， 发出集中的声音，并且具有不同的力度、音色、感情表现力，　　　　并且要保持保持肩膀、手臂的的高度全自然放松，“通畅”。练琴就是一个需要善于思考、勇于尝试、积极调整、坚持不懈的过程，要努力、有步骤地调整我们演奏时的“状态”，而不能的稳定， 所说的稳定也只是在一定的阶段上稳定，如果真正的把当时的状态稳定不变，　　　　那么也就陷入了固步自封的原地踏步“状态”。 　　　　　　因此，在练习和演奏的过程中，既要稳定当时的状态，　　　　是声音能够在现有的基础上质量， 更要勇于突破、不断调整，真正使这一状态在保持目前的基础上不断提高，把“状态”提升到更高的水平、更理想的状态，　　　　以适应绚丽多姿的音乐风格、准确而富有创意的对音乐作品进行更有质量的二度创作， 以更准确地表达表现音乐、表现感情。 　　　　　　
关注中音阶梯！关注艺考！ 　　　　　　微信扫一扫就能随时了解学校较新动态　　中音阶梯官方微信号：zhongyin01　　钢琴学习者必备的五大素质， 　　　　你具备了吗　　坚韧和忍耐是学习钢琴的必备素质.一首乐曲从开始识谱到流畅演奏，期间没有坚持与忍耐，很难弹得好一首曲子。 　　　　　　2.耐心　　练琴少则半小时， 长则数小时，　　　　不断的重复，这是对耐力的磨练。 　　　　　　3.专注　　如果在练琴的时候你在胡思乱想， 那么就是正在浪费你的时间和精力,音符，节奏，　　　　符号，速度，风格， 句子这些都需要你全身心的投入.仔细弹奏的。 　　　　　　4.时间管理　　你需要在有限的时间里合理分配多长时间练习基本功，多长时间完成乐曲.多长时间反复练习比较难演奏的部分，这样才能完成当天的练习进度。 　　　　　　5.想象力　　更多的搜集作曲家的背景，写作年代和乐曲的主题, 把自己带入乐曲的情景中，才能更好的表达其中的感情。 　　　　　　
关注中音阶梯！关注艺考！ 　　　　　　微信扫一扫就能随时了解学校较新动态　　中音阶梯官方微信号：zhongyin01　　钢琴左踏板怎么用　　种我们可以称其为弱音踏板， 立式钢琴大多属于此类。从乐器的机械上可以看见，　　　　它可以将全部的音槌推动至离琴弦较近的位置，使其得不到充分的击弦动力而令音量减弱。应该说这事没有什么意义的，在练习时也不必使用。它会改变我们的触键手感， 　　　　有损无益，实际上也很少人用。 　　　　　　第二种就是在三角钢琴上配置的左踏板，踩下它将使整个键盘连带击弦机向右侧产生微小的移动。由于偏离了榔头正常击弦时的较硬的部位(俗称“弦沟”)，　　　　声音会变得柔和。如果踩到底， 还会使原本触及三根弦的榔头只能触及右侧的两根弦，左侧那根未被击到的弦就只能发出微弱的被共振的声音了，这样形成的音色变化会更明显一些。这种左踏板虽然会使音量减弱一些，但主要的作用则是整个钢琴音色的改变(我们中文将“soft　　pedal”称为弱音踏板其实是不对的， 　　　　应该正确译为柔音踏板才是)。 　　　　　　几点注意：　　我们对乐谱上左踏板的提示也不必当作必须执行的指令，不是凡遇到这个记号就一定要踩，否则就是错误。然而，我们又要清楚地认识到作曲家标注这个记号的意图， 或许是要求更轻柔，　　　　或许是要求与之前或之后的音色产生对比?明白了作曲家的用意才是较重要的。 　　　　　　左踏板的运用同样存在前面(“右踏板”一文中)所说的三个环节：分辨——实验——随时调整。特别是随时调整更为重要，　　　　而且还要加上四个字：随机使用。 在踩下(左)踏板之后，有的钢琴声音变化不太大，有的则变化明显，有的琴会发出很柔很美的声音，有的则沙哑而闷涩难听。 　　　　较糟糕的是出现了五花八门的不一致的声音，使你无法控制音色。 加了左踏板，即使得到了柔和好听的声音，但它终究是个“不正常”的声音。较为不利之处在于它的声音穿透力会大打折扣，　　　　很可能会造成演奏者自己感到满足，而台下听众不满足的后果。 　　　　　　有的人真是把左踏板当成了“弱”音踏板来用，遇到p或者pp就下脚，　　　　由此举而造成音色的失真，实为画蛇添足。即使是在比较好的钢琴上演奏，左踏板也要少用，尽量用在作品要求音色变化的关键之处。 　　　　另外使用的篇幅也不要过长，能表现出色彩转换的阶梯后就适时地逐渐放开。 　　　　　　还有些在舞台上大用左踏板的人，是因为耳朵不习惯演奏会大钢琴的声音。因为平时是在小房间里使用封闭琴盖的钢琴练习， 一旦将琴盖大开，会感觉琴音太“吵”，　　　　难于控制，便踩下左脚，使手指放胆下键。这实际上是个听觉误区，要立即从调整主观的声音概念入手， 尽快适应音乐会场地的音响环境，　　　　切不可靠使用左踏板“自欺欺人”。 　　　　　　由于踩下左踏板之后榔头敲击的点是一个不固定的位置，是一个非正常的击弦点，所以我们没有理由(也没办法)要求一台钢琴在踩下左踏板后的音色仍然保持连贯统一。 就此，　　　　便要求演奏者根据具体情况灵活掌握随机运用。而用好左踏板的关键在于内心对声音的高度要求和敏锐的听觉。 　　　　　　
关注中音阶梯！关注艺考！

本文系中音阶梯网站编辑转载，转载目的在于传递更多信息。如涉及作品内容、版权和其它问题，请在30日内与本网联系，我们将在第一时间删除内容！