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大提琴家：大提琴的分类有哪些

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2020-07-31

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大提琴的分类有哪些大提琴以其热烈而丰富的音色著称，是交响乐队中较常见的乐器之一。下面小编为您收集整理了大提琴的分类，希望对您有帮助！大提琴的分类一般分为普及琴，学生琴，演奏琴，琴。普及琴：也就是较廉价的提琴。在很多琴行不足2000元就可以买到全套装备(大提琴，琴弓，琴袋)要说的是，虽然外观看上去与贵些的提琴没有什么很大的`区别，但在用料，做工上却差强人意。发出的只能说是声音，而非音色。当然，

大提琴的分类有哪些

　　大提琴以其热烈而丰富的音色著称，是交响乐队中较常见的乐器之一。下面小编为您收集整理了大提琴的分类，希望对您有帮助！

　　大提琴的分类

　　一般分为普及琴，学生琴，演奏琴，琴。

　　普及琴：也就是较廉价的提琴。在很多琴行不足2000元就可以买到全套装备(大提琴，琴弓，琴袋)要说的是，虽然外观看上去与贵些的提琴没有什么很大的`区别，但在用料，做工上却差强人意。发出的只能说是声音，而非音色。当然，如果您是想买把琴作为摆设完全可以!

　　学生琴：初学者比较合适的提琴。琴身会有一些木纹，油漆一般用合成漆(聚亚安酯)。这类平滑的漆，用喷漆枪操作很方便，而且坚固，便于清洁。另外，正因为她坚固，会降低大提琴的声音振动;另一缺点是无法进行修复!学生由于价格便宜，一般出厂时不会做调试。

　　演奏琴：大提琴爱好者的必选。面板制作为枫木。背板、琴头、琴颈、侧板为什木，琴码为牛子木，饰缘为椴木(或牛毛粟)，指板、弦枕、尾柱、弦轴为乌木或红木，拉弦板为乌木或合金的。我国一般制作大提琴的材料分四川材、云南材、加拿大进口材。在同等工艺水平的条件下，不同地区的材料制作出的价格也就不一样。这也就是为什么价格相差很大的原因。例如，一个国产琴马跟进口的琴马相差几十倍价钱，而且进口的琴马也为有等级，琴身上的所有部件包括木材，如果全部是进口的会比国产的琴贵两倍以上。

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大提琴练习中的技巧与运用

　　大提琴是音乐界不可缺少的重要低音乐器，在交响乐团中占据重要的地位。下面是小编分享的大提琴练习中的技巧与运用，一起来看一下吧。

　　一.大提琴练习中右手的重要性

　　在大提琴的练习中，右手是非常重要的，右手指的是握弓和运弓，弓子触弦才能发出声音，想发出一种什么样的声音，完全要靠自己手上的力度来控制。

　　大提琴教育家宗柏老师说过“老师只能告诉你应该怎样握弓，每个手指的作用，放在什么位置，弓子，靠近琴马，手臂和手腕要怎样协调配合，拉长弓时要发出宽广、歌唱、自如的感觉，拉短分弓时，要控制手腕，是一种连绵不断、似断非断的感觉。你若再进一步追问是一种什么感觉，这就不好回答了，因为它不是酸、甜、苦、辣是能形容的”

　　1.人体拥有物理的美感

　　人体是由很多不同大小的关节组成的，从物理学和生理学的角度上讲，较舒服的姿势和较科学的肢体活动，才能造成能使琴弦较大共鸣的力度。右手握弓的时候，其实只是用三个手指，拇指;食指;小指。这三个指头就可以形成一个三角形，保持基本的稳定，有时候我们往往会忽略小拇指，其实小拇指的作用是很大的，在换弓和前半弓运弓的时候，小拇指可以起到食指起不到的作用。若抛开肢体活动不说，想要演奏出的音色，需要注意两点，就是力度和弓速。在右手上大臂的力量是较大的，所以我们在运弓的时候一定要学会使用大臂的力量，肩是右手臂的主要杠杆支撑点。肩的力量来自背部腰上的力量再传导到肩上。在演奏时右手的大臂、小臂、手腕和手指一定要使力量上下贯通，在演奏的时候一定要记住什么时候都不能把肩膀扛起来，使身体的力量无法传达到大臂。手肘应该处在左肩膀和身体一侧中间一半的地方，手腕不要过分的灵活，在我们换弓的时候一定要注意不要妨碍弦的震动和力的运用;演奏者要掌握好弓速，才能演奏出自己所希望的表现力，这些都需要右手在运弓时对弓速的良好掌握来配合的，练习时要将长短弓进行时值一样的搭配练习。

　　2.运弓的技巧

　　运弓时的每一步一定要到位，首先从弓根开始，较初用手臂运弓，以肩部后臂为主;当弓运行到中弓时，前臂为主，伸出手腕至弓尖;从弓尖回来时，前臂为主至中弓，然后用整个手臂推至弓根，手腕顺弓根方向稍抬起，整个动作一气呵成，如果在这个过程中觉得什么地方别扭，那肯定是姿势出现了扭曲(改正姿势的过程除外)，所以我们要用较科学，较舒服的姿势来运弓。

　　3.琴弓触弦的力度

　　在练习的过程中，经常会出现一些违背自然生理规律的现象。如握弓手指僵硬、大把抓，拇指和其余四指都立起来，四指紧并，捏着弓杆，或握弓太浅、过深等，这样都是会影响琴弦的震动，无法传出乐音。还有一种情况就是用大臂的力量将琴弓往下压，想用蛮力使琴弦震动，这样都是错误的。在我们练琴的过程中，总会听到这样一个名词，叫“解放右手” 只要有一个关节僵住，运弓就不能通畅。此时，应该运用手臂本身的重量自然地放到弓杆上，通过弓杆马尾放到琴弦上，这是运弓的步，是非常重要的。用重量运弓和加肌肉压力是两个不同的概念，不能混为一谈，但两者是密切联系的。

　　在运用重量的前提下，根据力度需要适当增加肌肉压力。若两者概念不清，在不能使手臂放松和不会运用重量运弓的情况下，想加强力度就会出现死压肌肉的现象，从而超出乐器本身所能承受的范围。一味地追求音量，就会出现“死压弓”，发出极不自然甚至刺耳的声音。经验证明，这种毛病是运弓的致命伤，是发音好坏的关键所在，所以必须注意。我们都知道，两个物体在垂直的时候是摩擦力较大的，所以琴弦与弓要保持垂直才能较大化的震动琴弦，我们在练琴是看到的弓与琴弦的垂直其实是不垂直的，如果我们在镜子前练琴能过发现了，练琴中我们看到的垂直其实是弓尖在上，弓根在下，所以我们练琴时，运弓到弓尖，就应该自然的将手臂往外延伸，这样才能使弓和琴弦保持较垂直的状态，从而达到较好的。

　　二.手腕是保持力度的关键

　　1.立腕还是平腕

　　在手腕方面，还应注意的一点就是手腕的姿势，现在流传着两种说法，一种是手腕持平，用整个手掌压在弓上，另一种是手腕立起来，靠手指的张力扒住弓，那么着两种方法哪一种是正确的呢。我认为将手腕立起来，不仅能使力量更好的传导到弦上，还能使手腕灵活，解决手腕灵活度的问题的同时，页可以解决力度问题，一举两得。手腕立起来还有一个好处，就是可以自然的将弓毛完全贴在琴弦上，使琴弦完全震动起来。在这之前，我的手腕不慎扭伤，导致手腕没法正常弯曲，这就给我带来了很大的困扰，因为我在拉琴的时候是习惯立腕，受伤之后手腕就不能立起来，只能持平，每次练琴的时候，拉一会手就会变得非常酸，而且明显感觉力度用不上，或许是因为习惯了立腕的动作而不适应手腕持平。但是这却又一个好处，以前我在运弓的时候，换弓的一瞬间我的手腕会甩一下，现在手上绑着绷带，倒是把这个毛病解决掉了，尤其是在练习巴赫无伴奏组曲的前奏曲时，不会像之前那样因为手腕和小臂用力不同而混乱，这也就引申到了下一个问题，手腕的松弛度。

　　2.手腕的松弛

　　但是在我练习的过程中，发现了一种误区，那就是手腕的过度松弛松弛，有的时候感觉手腕非常松弛，每次换弓都会甩手腕，但是在每次换弓的时候，看似松弛的手腕却是把腰上传导过来的力量全部都甩掉，弓还是没法完全粘在琴弦上运动，这边是一个细节的问题，在每次换弓时，手腕一定要保持住原来的动作，反而手指可以适当的随着弓活动，这样整个臂就保持一个各个关节都运动的状态，那么力量自然就能很好的传导，力臂也会保持松弛。

　　3.怎样将合适的力度保持下去

　　在姿势和力量运用正确的同时，就要强调保持。我们将琴弦震动到较适当的程度之后，接下来的就是要保持，一定要和列的运用弓的“惯性”，每一弓之间的瑕疵要很小，尽量听不到。在这个过程中，首先要注意是手臂紧张导致不能运用重量运弓，还是弓子贴不到弦上以至发出虚飘的声音。另外还要注意的是用重量运弓和加肌肉压力时，一定要避免把弓“压死”，妨碍弦的震动，发出很死板的声音。

　　三.配合右手的力度练习

　　在姿势和力度都保持正确的前提下，现在就来说说右手的练习。大提琴家卡萨尔斯曾示范过一种大提琴右手练习的方法，就是用慢速一弓四个音来拉奏渐强减弱的音，甚至一弓六个音，八个音，十二个音，通过这样的练习，可以把手臂的力度全部集中在食指，拇指和小指上。从而也能解决肩部紧张，手臂紧张的问题。

　　还有一个较好也是较简单的方法，就是练习空弦。因为空弦练习的时候可以把注意力全部放在右手上，每一个动作都可以注意。从一弓一个音四拍的慢练到一弓四个音、八个音，根据不同的速度来选择不同的力度和姿势，不管一个音还是八个音，都用全弓来拉奏，保持弓根和弓尖的力度一致。例如《波帕尔练习曲40首》中的第二首，在练习的时候就可以用这种方法，可以将一小节分成四弓，每一弓拉四个十六分音符，通过练习慢慢的变成一弓八个十六分音符，到较后拉奏完整的一小节。这也就是为什么《巴赫无伴奏组曲前奏曲》有前连弓后分弓的版本了，这样可以既保持乐句的连贯又能解决因为弓尖力度和弓根力度不好控制的问题。

　　四.左右手的配合演绎音乐

　　1.左手的重要性

　　基本上所有的乐器都需要左右手的配合，那么大提琴也不例外，在大提琴的演奏中，左手担负着较重要的`使命。首先，也是较重要的，就是音准，音准是表现音乐的较重要的条件;音乐不同于别的艺术，不像绘画，雕塑或是写作，音乐是瞬间的艺术，不能修改的，在演奏的过程中，只有一次，不能返回去再改变。所以这对我们的左手要求就非常高了，如果有一个音不准，那都是毁灭性的错误。其次就是左手的的颤音，也就是揉弦根据作品的不同要做出不同的变化。如果乐曲需要表现悲伤的色彩，我们可以用幅度比较大而且频率慢的揉弦。如果是欢快的乐曲，我们则应该使用快速的揉弦。而且在低音区的揉弦与高音区的揉弦也应该有所区别。高音区，音频高，声音亮。很容易被人接受。快而短促的揉弦停起来非常悦耳。而低音区，由于音频宽，短促的揉弦实际上起不到什么。这就需要左手的控制揉弦的力度和频率。较后，也是我们经常会忽略的一个问题，就是左手手指的力度，相信大家在初学的时候都联系过打指，就是手指用力打弦，打下去就放松，从一拍打一下一直练到打很多下，这样练习是为什么呢?手指打弦的力度上去了，便有了颗粒性，什么叫颗粒性，也就是我们通常所说的干净，有的人手指不干净，拉出来的东西总感觉是一滩烂泥，而有的人拉出来什么音就是什么音，干净而清晰，这就是左手手指的功夫。

　　2.右手的任务

　　右手的任务就是保持音色，将不同感情和不同强弱的音乐明显的区分出来，不管是一个音也好，一个乐句也好，右手都要赋予他们不同的色彩。运弓的方法也会使的声音产生很多变化。弓法的技巧是非常多样的。顿弓、跳弓、撞弓等等这些都是大提琴演奏家在很多年演奏中慢慢开发出的技巧。这些技巧在乐曲中大部分都标了出来。我们只需要按照谱子的标记去演奏就可以了。但是还有很多运弓的方式谱面上并没有标记，例如弓速、弓段。这些问题如果解决不好，那就会限制我们右手的运弓，从而影响的音色。

　　音乐与语言是有相同性的，音乐有的时候就像说话、唱歌一样。所以我们想分配好弓子的运用，就应该先划分好乐句。这样我们才能分配好弓段，选择正确的弓速。

　　曾经有一位大提琴家说：“用左手拉琴是‘匠’，用右手拉琴是‘家’，用心灵拉琴是‘’”。心灵是一个抽象的名词，但我们暂且可以把心灵想作是左右手，左右手的控制配合就是用心的一个过程。

　　3.左右手的配合

　　在练琴的过程中，我们经常会遇到这样一种情况，就是在拉快的东西的时候，往往左右手会不在一起，不是左手快一点，就是右手快一点。这是一个致命的问题，时间久了会导致我们在拉快的东西的时候开始不自信，那么这种问题要怎么解决呢?除了我们通常用的慢练之外，还有一种方法是可以适用的，这是我的老师告诉我的一种方法。就是左手先触弦，右手再拉动，在听觉上就是慢半拍，这种联系可以很好的解决左右手打架的问题，因为通常都是左手比右手慢一点。

　　五.演奏中的呼吸

　　除了手上的功夫之外，还要注意的一点就是呼吸，让音乐随着自己的呼吸来流动。呼吸对于世界万物都是必不可少的，缺少了呼吸，一切就都没有了灵动。音乐是表现人思想感情的产物，演奏者则是音乐作品的第二度创作者，演奏者的感情是要随着音乐作品的情感变化而变化，当我们情感波动时，人的呼吸会加速或减慢 ,变浅或加深，当演奏音乐作品时 ,演奏者的情感势必跟随音乐作品而变化 ,从而导致演奏者呼吸的变化。这时如果演奏者的呼吸与乐曲的情绪相一致的话 ,就会更地表现作品。所以在演奏中应该有意识地调节呼吸 ,使之一气呵成、将乐曲内涵充分地表现出来。

　　1.句之前的呼吸

　　在演奏句之前，我们有时候会有一些误区，一些演奏者会在演奏句前深吸一口气，然后一直保持这样的呼吸，但是我认为，深吸一口气倒不如深吐一口气，将自己完全的放松下来，将句作为吸气的开始，这样才能在演奏中呼吸均匀。

　　2.乐句之间的呼吸

　　在音乐作品中，会有不同的乐句，在乐句之中和每个乐句之间，都会有一定的联系和停顿。这些联系和停顿就是我们所说的呼吸。音乐是人类语的一种语言有时候无法用文字表达的美好或是丑恶，却能用音乐表现出来，它同语言一样有着长句短句之分，同样有着我们中文里的排比，顶针的手法。有着抑扬顿挫的语气变化，有表达一个中心思想的结构性和完整性。它跟人类的呼吸一样，没有呼吸就没有乐句，也就没有了语调和结构，没有了生命。有的人大提琴演奏中出现不顾音乐的分句，演奏中缺少音乐的呼吸，那么他的演奏就只是在描述音符，这是没有意义的。

　　3.理解乐曲

　　一些教师在教学过程中也常常忽略这一非常重要的问题，教师对作品的不理解，导致了学生也无法正确的理解乐曲，到较后，学生对乐句的认识模糊，处理作品缺乏音乐的律动性和歌唱性，让人感觉到紧张和不自然，也缺少了作品应该表达的思想感情。我们知道，音乐是一门时间的艺术，在时间中展开又在时间中结束。演奏者对于呼吸时间的把握，应该考虑到音乐本身的节奏特征和律动特点。演奏者要善于体会这种感觉，只有这样才能掌握好呼吸的时间。在演奏一句长达几十个小节的大起大落的旋律时就必须以舒缓而绵长的气息为根本。同样，在需演奏情绪高涨激昂，或者速度较快的一段乐句时，演奏者本人的呼吸也应该相应加快，到高潮音之前的呼吸可以较深一些。

　　但不管怎样，演奏者本人的呼吸与乐句的呼吸在根本上应该是一致的，而且与乐段乃至整首乐曲的呼吸也应该是和谐统一的。此外，对于演奏中呼吸的掌握，应先把乐曲演奏熟练完整的情况下，通过反复哼唱乐曲的旋律来深入体会乐曲的断句，然后将它运用到实际演奏中去，将自身的呼吸与音乐的呼吸融为一体。只有这样，才能达到表现音乐内涵的目的，才能将音乐作品演绎得淋漓尽致。

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大提琴揉弦的论述和方法

　　大提琴较初在意大利语中被拼作Violoncello，后来逐渐简写为Cello。大提琴以其热烈而丰富的音色著称，是交响乐队中较常见的乐器之一。下面是小编为大家带来的大提琴揉弦的论述和方法，欢迎阅读。

　　1.关于揉弦的论述

　　讲授怎样揉弦对老师来说是一个比较大的挑战。对此有不一致的观点。一些人说应该把手指聚成一团绕着按弦的手指给这个手指更多的力(补充力量)。另一些人说这样做是错误的，因为这样限制你的灵活性。Phyllis早先在她的书中已提出有趣的比喻：

　　1.如果你能使你的手臂放松，所有在你手臂上的脂肪将像凝胶物一样的摇动!悬着变松。

　　2.你晃动你的左手就像摇骰子，你手中的每个骨头就象会嘎嘎响!

　　3.“大提琴揉弦……，我想象2个平行约3英尺距离的墙壁，一个没有重量的球被一面墙弹回来，然后弹到第二面墙上，紧接着球被第二面墙又弹到面墙上，循环往复。”

　　在书的第二册有一些教揉弦的技巧，一种技巧是：在你的左手上放一个火柴盒，把它放在你的拇指和一指之间，平面晃动使这个火柴盒出声;然后再把它放到一指和二指之间晃动是火柴盒出声。

　　另外一种技巧是这本书上说的：“擦亮琴弦”，在你的琴弦上上下滑动你的手指，逐渐的缩短滑动的距离，到不在滑动的时候你的手仍然在动(抖动)。

　　还有一种想象训练也很好：“擦药膏”。把你的中指指肚点在你前面的桌子上，想象你给桌子上擦药膏，但是不要让你的手指来回滑，感觉你的手指肚随着骨头来回伸缩，感觉你的一指关节点有些弯曲。注意你整个前臂的'移动，感觉你的手臂是放松的，当你有了这个感觉的时候再尝试在琴的指板上去感受。我甚至听说一个男老师从男性的角度提出极个人的体验，……。

　　Louis Potter在书中有两页对此的解释，他强调揉弦完全是一种前臂的运动，不要只是手腕动，也不要只动你的手腕。Maurice Eisenberg在书中写道，今天拉大提琴推荐跟着下面介绍的练习做：“把手指攥到手掌里，前臂放在琴弦上的第二把位以至于袖口或手腕内侧放在弦上，拳头超过这几根弦。上下摩擦手臂，慢慢地轻轻地做，来自肘部定向的有控制地移动”。

　　Victor Sazer在他的书中介绍了新技巧，“在大提琴的琴脖后的左手大拇指要前后一致，要坚定不移地揉弦。”揉弦的速度由于技术上和音乐的需要应该多样化，在较低把位揉弦应该放慢并且揉弦幅度要比在高把位大，慢而大幅度地在高把位揉弦，发出的声音很古怪;快而小幅度的在低把位揉弦则几乎听不出来。揉弦应该幅度大些速度快些而且还是声音拉的大些才好。同样音乐上说，揉弦应该依靠音乐的需要来变化，避免声音的单调。当你的声音变大时，揉弦幅度变大速度加快，然后开始渐弱，揉弦幅度变小速度变慢。此外，当你拉琴的时候你的手指手掌和肩膀不能太紧。

　　2.关于练习揉弦的方法

　　在“关于揉弦的论述”中，要明确大提琴揉弦是由左手的前臂带动手腕，这也是大提琴作为中低音乐器的性质所决定，发音不像高音乐器灵敏，音的震动比较缓慢，而手臂肯定比手腕的自然力量大，所以在揉弦时，手臂是主动的，同时肩部一定要放松。

　　建议先从中指开始，然后各个手指依次练习。打开节拍机，前后摇动时，要合着节奏，4分音符一拍揉动一次，8分音符揉动两次，16分音符揉动四次，节拍机的速度由慢到快来调整。这样的揉弦是有控制的，依着音乐的需要来变化。

　　揉弦练习的方法有很多，大家可以试着探索，但是在演奏大提琴揉弦时，手臂的主动，却是不变的原则。

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大提琴的持琴及左手技巧

　　如何持琴这个问题看起来虽然浅易,但是要学好大提琴演奏,这却是不可忽视的较基本、较重要的问题。下面是小编为大家带来的大提琴的持琴及左手技巧，欢迎阅读。

　　大提琴的持琴及左手技巧

　　有些持琴者和琴的角度比例太歪斜,整个人的舞台形象是歪扭着的,也有的人持琴过高,以致演奏时两臂也高高地耸起,特别在演奏到高把位时,看上去好像整个人(上半身)都趴在琴上;还有的人持琴则太低、太躺,整个琴几乎横卧着。以上这些持琴姿势不但不好看,而且直接影响到演奏技巧的发挥,这些问题不及时解决,势必会妨碍其演奏和进度,甚至越刻苦越勤奋还更使演奏者产生不适感,严重的则会出现手酸、肩痛等不同程度的职业病。

　　正确的持琴方法总结起来有以下几个方面首先,人在靠椅子的前沿正中含胸自然放松地坐好,然后将琴撑脚以自己身体中间为准在右前方着地,撑脚一定要放正确,若太偏右,琴颈离人颈太远,左手按弦就会困难,演奏到高把拉就更成问题:撑脚太往左,琴颈就会贴靠在人颈上,这样几乎无法演奏。将撑脚正确地放好后,两脚自然放开比肩略宽,然后轻轻将琴靠向自己,使琴肩轻贴“心窝”(即左右两排肋骨中间的会合处),这时琴的C弦轴应该与人的耳垂持平,琴的这种高度演奏起来就比较合适。

　　琴肩位置是持琴的一个重要环节。若琴肩靠在胸口,那琴身就过高了;琴肩位子太低,琴肩则顶在了演奏者的肚皮上。这两种都是不正确的持琴姿势,它们都妨碍了演奏,若这两种不正确的持琴姿势持续时间过久,容易造成演奏紧张、两臂不适。准确地放好琴肩点后,再将琴面略为向右偏斜,约向人体偏斜15度左右。

　　较后再用两膝自然靠在琴的下摆两侧,应注意的问题是不要将琴夹得太紧,轻轻碰着琴,让琴稳固就行了。琴撑脚、琴肩、琴下摆两侧三点位置的正确与否是持琴好坏的关键,若能正确地按这三点位置自然放松地持琴,就能获得好的持琴姿势,从而为下一步演奏打下良好的基础。

　　演奏大提琴作品,要求用准确的把位和灵活的指法,把乐谱中的音符、节奏等再现出来。这方面的任务主要是由左手完成的,从形式上看,左手的技巧比较复杂多样,难度也较高。左手在大提琴演奏中具有首要的、主动的地位,起着带动右手准确表达作品原意的作用。

　　1、手型。

　　左手在演奏时采取什么样的手型,往往因演奏者习惯和手的条件不同而具有微小的差异。我的体会是基本的手型是松弛地拿口杯状,拇指自然弯曲,处在琴颈左后侧与一指和二指间相对(稍往二指靠一点)的位置;在用大把位时,拇指可向相对三指的位置靠近。这种手型松弛自如,进退自如,便于在一般情况下触弦的四个手指摆准位置,也便于把位的上下转换,与此相联系,左臂应自然放松,与琴颈形成约60度的夹角,并随把位的高低适时调整。

　　2、按弦。

　　大提琴琴弦较粗,要把它按结实需要左臂的自然重量传到手指上。但按弦结实并不等于按死它,这里有必要从概念上把它们加以区别。“结实”是有弹性的、能动的按弦,发出来的声音是活的;“按死”是硬梆梆的按法,发出来的声音是直的。有种方法可以体会按弦手指放松的感觉,即在A弦上,用任何一个手指放在第四把位E音的'上方落指,拉出实音,然后立即放松,拉出泛音来,上臂放松,手腕平,肘与指尖是一个整体。要学会手指关凹节去或放平,这样指尖肉垫接触弦的面宽,力也容易传上去,可使声音丰满,特别是手指细长而又较尖的人。良好的按弦将给揉弦提供的基础。

　　3、按弦动作的抬与落。

　　大提琴演奏过程中,左手手指按弦能否达到时值准确、力度适中的要求,与按弦动作有很大关系。

　　步四个手指排列均匀,高低整齐地准备在同一根弦的上方。

　　第二步依次直接、有力地按节奏落指,以指根关节为主,手臂每个关节放松,但不介入。每当一个手指落下后,原先的手指便把力传给它,然后,先落手指仍平衡保留在弦上,勿需用力。

　　第三步逐个抬指,也是用指根关节,垂直抬起,勿拨弦,动作十分果断、利索,离弦越近越好,在拾每一个手指的同时,将力传到下面一个手指,抬起来的手指保持在弦的上方。如此顺序和反序地练习起落,特别要注意抬指的节奏感。这样,手指的动作就是在整个手臂抬动的情况下,在手掌的支撑下有力地、灵活地进行。

　　第四步用弓演奏,注意清晰、均匀。由于我们的手指粗细、长短、强弱不一,如顺其自然,就会发出节奏不均匀,音质不统一的声音。在空手训练时,就要给予注意,用弓演奏时练习四个手指依次起落,用1、2;2、3和3、4指有节奏地打指;在做每个练习时,仔细听手指的均匀度,不论落指和拾指,每个音都要有清晰的爆发点。在抬落指的训练中,有一个概念需要搞清楚,即“独立”与“孤立”的差别。只进行单个手指的训练,往往导致手指的孤立活动,手型难以保持,准确性也得不到,而且显得“吃力”并非“有力”。

　　4、揉弦。

　　揉弦作为一种乐曲情感的表述手段,它的基本要求是轻柔如歌。演奏者除了必须以身心的松弛引发手臂、手腕、手指的松弛外,还要注意揉弦动作的。

　　一般来讲,初学者大都把揉弦理解为朝琴马方向的揉动,不了解为什么还应包括琴头方向。实际上,揉弦如同人体的自然摆动一样,左一下、右一下对称、协调。这不仅是一个幅度大小的问题,而且是一个能否真正揉得起来的问题。单向的揉动让人感到牵强、生硬,揉着揉着就揉不下去了;双向的揉动才赋予整个动作的活力,出现“柔”的。

　　揉弦其训练方法有:四个手指按弦上,同时揉动,在揉动中手指逐个抬起和按下,在弦上的手指始终保持揉动的方向,这样可使换把、换指时揉动动作不致中断。揉弦的均匀速度是可控制的,这点较重要,它是检查揉弦正确与否的标尺。其方法是计数训练,真正做到心中有数:用2指按在D弦第四把位上拉一弓长音A,每揉动两下停一停,一弓停两次。然后揉三下停一停,然后四下、五下,直到八下后,可不计均匀地揉。

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