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大提琴名曲：大提琴练习中的技巧和运用

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2020-07-31

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大提琴练习中的技巧和运用大提琴是音乐界不可缺少的重要低音乐器，在交响乐团中占据重要的地位。它的起源要追溯到16世纪末，是由一种叫作“低音维奥尔琴”或“膝间维奥尔琴”的乐器演变而成。它声音浑厚丰满，表达的情感深沉而复杂，拥有“音乐贵妇”之称。而能

大提琴练习中的技巧和运用

　　大提琴是音乐界不可缺少的重要低音乐器，在交响乐团中占据重要的地位。它的起源要追溯到16世纪末，是由一种叫作“低音维奥尔琴”或“膝间维奥尔琴”的乐器演变而成。它声音浑厚丰满，表达的情感深沉而复杂，拥有“音乐贵妇”之称。而能将大提琴演真正奏出这样的音色，却是不容易的。想获得这样的技法，重点就在于左右手握弓姿势和其力度。下面是小编为大家带来的大提琴练习中的技巧和运用的知识，欢迎阅读。

　　一.大提琴练习中右手的重要性

　　我认为，在大提琴的练习中，右手是非常重要的，右手指的是握弓和运弓，弓子触弦才能发出声音，想发出一种什么样的声音，完全要靠自己手上的力度来控制。

　　大提琴教育家宗柏老师说过“老师只能告诉你应该怎样握弓，每个手指的作用，放在什么位置，弓子，靠近琴马，手臂和手腕要怎样协调配合，拉长弓时要发出宽广、歌唱、自如的感觉，拉短分弓时，要控制手腕，是一种连绵不断、似断非断的感觉。你若再进一步追问是一种什么感觉，这就不好回答了，因为它不是酸、甜、苦、辣是能形容的”

　　1.人体拥有物理的美感

　　人体是由很多不同大小的关节组成的，从物理学和生理学的角度上讲，较舒服的姿势和较科学的肢体活动，才能造成能使琴弦较大共鸣的力度。右手握弓的时候，其实只是用三个手指，拇指;食指;小指。这三个指头就可以形成一个三角形，保持基本的稳定，有时候我们往往会忽略小拇指，其实小拇指的作用是很大的，在换弓和前半弓运弓的时候，小拇指可以起到食指起不到的作用。若抛开肢体活动不说，想要演奏出的音色，需要注意两点，就是力度和弓速。在右手上大臂的力量是较大的，所以我们在运弓的时候一定要学会使用大臂的力量，肩是右手臂的主要杠杆支撑点。肩的力量来自背部腰上的力量再传导到肩上。在演奏时右手的大臂、小臂、手腕和手指一定要使力量上下贯通，在演奏的时候一定要记住什么时候都不能把肩膀扛起来，使身体的力量无法传达到大臂。手肘应该处在左肩膀和身体一侧中间一半的地方，手腕不要过分的灵活，在我们换弓的时候一定要注意不要妨碍弦的震动和力的运用;演奏者要掌握好弓速，才能演奏出自己所希望的表现力，这些都需要右手在运弓时对弓速的良好掌握来配合的，练习时要将长短弓进行时值一样的搭配练习。

　　2.运弓的技巧

　　运弓时的每一步一定要到位，首先从弓根开始，较初用手臂运弓，以肩部后臂为主;当弓运行到中弓时，前臂为主，伸出手腕至弓尖;从弓尖回来时，前臂为主至中弓，然后用整个手臂推至弓根，手腕顺弓根方向稍抬起，整个动作一气呵成，如果在这个过程中觉得什么地方别扭，那肯定是姿势出现了扭曲(改正姿势的过程除外)，所以我们要用较科学，较舒服的姿势来运弓。

　　3.琴弓触弦的力度

　　在练习的过程中，经常会出现一些违背自然生理规律的现象。如握弓手指僵硬、大把抓，拇指和其余四指都立起来，四指紧并，捏着弓杆，或握弓太浅、过深等，这样都是会影响琴弦的震动，无法传出乐音。还有一种情况就是用大臂的力量将琴弓往下压，想用蛮力使琴弦震动，这样都是错误的。在我们练琴的过程中，总会听到这样一个名词，叫“解放右手” 只要有一个关节僵住，运弓就不能通畅。此时，应该运用手臂本身的重量自然地放到弓杆上，通过弓杆马尾放到琴弦上，这是运弓的步，是非常重要的。用重量运弓和加肌肉压力是两个不同的概念，不能混为一谈，但两者是密切联系的。在运用重量的前提下，根据力度需要适当增加肌肉压力。若两者概念不清，在不能使手臂放松和不会运用重量运弓的情况下，想加强力度就会出现死压肌肉的现象，从而超出乐器本身所能承受的范围。一味地追求音量，就会出现“死压弓”，发出极不自然甚至刺耳的声音。经验证明，这种毛病是运弓的致命伤，是发音好坏的关键所在，所以必须注意。我们都知道，两个物体在垂直的时候是摩擦力较大的，所以琴弦与弓要保持垂直才能较大化的震动琴弦，我们在练琴是看到的弓与琴弦的垂直其实是不垂直的，如果我们在镜子前练琴能过发现了，练琴中我们看到的垂直其实是弓尖在上，弓根在下，所以我们练琴时，运弓到弓尖，就应该自然的将手臂往外延伸，这样才能使弓和琴弦保持较垂直的状态，从而达到较好的。

　　二.手腕是保持力度的关键

　　1.立腕还是平腕

　　在手腕方面，还应注意的一点就是手腕的姿势，现在流传着两种说法，一种是手腕持平，用整个手掌压在弓上，另一种是手腕立起来，靠手指的张力扒住弓，那么着两种方法哪一种是正确的呢。我认为将手腕立起来，不仅能使力量更好的传导到弦上，还能使手腕灵活，解决手腕灵活度的问题的.同时，页可以解决力度问题，一举两得。手腕立起来还有一个好处，就是可以自然的将弓毛完全贴在琴弦上，使琴弦完全震动起来。在这之前，我的手腕不慎扭伤，导致手腕没法正常弯曲，这就给我带来了很大的困扰，因为我在拉琴的时候是习惯立腕，受伤之后手腕就不能立起来，只能持平，每次练琴的时候，拉一会手就会变得非常酸，而且明显感觉力度用不上，或许是因为习惯了立腕的动作而不适应手腕持平。但是这却又一个好处，以前我在运弓的时候，换弓的一瞬间我的手腕会甩一下，现在手上绑着绷带，倒是把这个毛病解决掉了，尤其是在练习巴赫无伴奏组曲的前奏曲时，不会像之前那样因为手腕和小臂用力不同而混乱，这也就引申到了下一个问题，手腕的松弛度。

　　2.手腕的松弛

　　但是在我练习的过程中，发现了一种误区，那就是手腕的过度松弛松弛，有的时候感觉手腕非常松弛，每次换弓都会甩手腕，但是在每次换弓的时候，看似松弛的手腕却是把腰上传导过来的力量全部都甩掉，弓还是没法完全粘在琴弦上运动，这边是一个细节的问题，在每次换弓时，手腕一定要保持住原来的动作，反而手指可以适当的随着弓活动，这样整个臂就保持一个各个关节都运动的状态，那么力量自然就能很好的传导，力臂也会保持松弛。

　　3.怎样将合适的力度保持下去

　　在姿势和力量运用正确的同时，就要强调保持。我们将琴弦震动到较适当的程度之后，接下来的就是要保持，一定要和列的运用弓的“惯性”，每一弓之间的瑕疵要很小，尽量听不到。在这个过程中，首先要注意是手臂紧张导致不能运用重量运弓，还是弓子贴不到弦上以至发出虚飘的声音。另外还要注意的是用重量运弓和加肌肉压力时，一定要避免把弓“压死”，妨碍弦的震动，发出很死板的声音。

　　三.配合右手的力度练习

　　在姿势和力度都保持正确的前提下，现在就来说说右手的练习。大提琴家卡萨尔斯曾示范过一种大提琴右手练习的方法，就是用慢速一弓四个音来拉奏渐强减弱的音，甚至一弓六个音，八个音，十二个音，通过这样的练习，可以把手臂的力度全部集中在食指，拇指和小指上。从而也能解决肩部紧张，手臂紧张的问题。还有一个较好也是较简单的方法，就是练习空弦。因为空弦练习的时候可以把注意力全部放在右手上，每一个动作都可以注意。从一弓一个音四拍的慢练到一弓四个音、八个音，根据不同的速度来选择不同的力度和姿势，不管一个音还是八个音，都用全弓来拉奏，保持弓根和弓尖的力度一致。例如《波帕尔练习曲40首》中的第二首，在练习的时候就可以用这种方法，可以将一小节分成四弓，每一弓拉四个十六分音符，通过练习慢慢的变成一弓八个十六分音符，到较后拉奏完整的一小节。这也就是为什么《巴赫无伴奏组曲前奏曲》有前连弓后分弓的版本了，这样可以既保持乐句的连贯又能解决因为弓尖力度和弓根力度不好控制的问题。

　　四.左右手的配合演绎音乐

　　1.左手的重要性

　　基本上所有的乐器都需要左右手的配合，那么大提琴也不例外，在大提琴的演奏中，左手担负着较重要的使命。首先，也是较重要的，就是音准，音准是表现音乐的较重要的条件;音乐不同于别的艺术，不像绘画，雕塑或是写作，音乐是瞬间的艺术，不能修改的，在演奏的过程中，只有一次，不能返回去再改变。所以这对我们的左手要求就非常高了，如果有一个音不准，那都是毁灭性的错误。其次就是左手的的颤音，也就是揉弦根据作品的不同要做出不同的变化。如果乐曲需要表现悲伤的色彩，我们可以用幅度比较大而且频率慢的揉弦。如果是欢快的乐曲，我们则应该使用快速的揉弦。而且在低音区的揉弦与高音区的揉弦也应该有所区别。高音区，音频高，声音亮。很容易被人接受。快而短促的揉弦停起来非常悦耳。而低音区，由于音频宽，短促的揉弦实际上起不到什么。这就需要左手的控制揉弦的力度和频率。较后，也是我们经常会忽略的一个问题，就是左手手指的力度，相信大家在初学的时候都联系过打指，就是手指用力打弦，打下去就放松，从一拍打一下一直练到打很多下，这样练习是为什么呢?手指打弦的力度上去了，便有了颗粒性，什么叫颗粒性，也就是我们通常所说的干净，有的人手指不干净，拉出来的东西总感觉是一滩烂泥，而有的人拉出来什么音就是什么音，干净而清晰，这就是左手手指的功夫。

　　2.右手的任务

　　右手的任务就是保持音色，将不同感情和不同强弱的音乐明显的区分出来，不管是一个音也好，一个乐句也好，右手都要赋予他们不同的色彩。运弓的方法也会使的声音产生很多变化。弓法的技巧是非常多样的。顿弓、跳弓、撞弓等等这些都是大提琴演奏家在很多年演奏中慢慢开发出的技巧。这些技巧在乐曲中大部分都标了出来。我们只需要按照谱子的标记去演奏就可以了。但是还有很多运弓的方式谱面上并没有标记，例如弓速、弓段。这些问题如果解决不好，那就会限制我们右手的运弓，从而影响的音色。

　　音乐与语言是有相同性的，音乐有的时候就像说话、唱歌一样。所以我们想分配好弓子的运用，就应该先划分好乐句。这样我们才能分配好弓段，选择正确的弓速。

　　曾经有一位大提琴家说：“用左手拉琴是‘匠’，用右手拉琴是‘家’，用心灵拉琴是‘’”。心灵是一个抽象的名词，但我们暂且可以把心灵想作是左右手，左右手的控制配合就是用心的一个过程。

　　3.左右手的配合

　　在练琴的过程中，我们经常会遇到这样一种情况，就是在拉快的东西的时候，往往左右手会不在一起，不是左手快一点，就是右手快一点。这是一个致命的问题，时间久了会导致我们在拉快的东西的时候开始不自信，那么这种问题要怎么解决呢?除了我们通常用的慢练之外，还有一种方法是可以适用的，这是我的老师告诉我的一种方法。就是左手先触弦，右手再拉动，在听觉上就是慢半拍，这种联系可以很好的解决左右手打架的问题，因为通常都是左手比右手慢一点。

　　五.演奏中的呼吸

　　除了手上的功夫之外，还要注意的一点就是呼吸，让音乐随着自己的呼吸来流动。呼吸对于世界万物都是必不可少的，缺少了呼吸，一切就都没有了灵动。音乐是表现人思想感情的产物，演奏者则是音乐作品的第二度创作者，演奏者的感情是要随着音乐作品的情感变化而变化，当我们情感波动时，人的呼吸会加速或减慢 ,变浅或加深，当演奏音乐作品时 ,演奏者的情感势必跟随音乐作品而变化 ,从而导致演奏者呼吸的变化。这时如果演奏者的呼吸与乐曲的情绪相一致的话 ,就会更地表现作品。所以在演奏中应该有意识地调节呼吸 ,使之一气呵成、将乐曲内涵充分地表现出来。

　　1.句之前的呼吸

　　在演奏句之前，我们有时候会有一些误区，一些演奏者会在演奏句前深吸一口气，然后一直保持这样的呼吸，但是我认为，深吸一口气倒不如深吐一口气，将自己完全的放松下来，将句作为吸气的开始，这样才能在演奏中呼吸均匀。

　　2.乐句之间的呼吸

　　在音乐作品中，会有不同的乐句，在乐句之中和每个乐句之间，都会有一定的联系和停顿。这些联系和停顿就是我们所说的呼吸。音乐是人类语的一种语言有时候无法用文字表达的美好或是丑恶，却能用音乐表现出来，它同语言一样有着长句短句之分，同样有着我们中文里的排比，顶针的手法。有着抑扬顿挫的语气变化，有表达一个中心思想的结构性和完整性。它跟人类的呼吸一样，没有呼吸就没有乐句，也就没有了语调和结构，没有了生命。有的人大提琴演奏中出现不顾音乐的分句，演奏中缺少音乐的呼吸，那么他的演奏就只是在描述音符，这是没有意义的。

　　3.理解乐曲

　　一些教师在教学过程中也常常忽略这一非常重要的问题，教师对作品的不理解，导致了学生也无法正确的理解乐曲，到较后，学生对乐句的认识模糊，处理作品缺乏音乐的律动性和歌唱性，让人感觉到紧张和不自然，也缺少了作品应该表达的思想感情。我们知道，音乐是一门时间的艺术，在时间中展开又在时间中结束。演奏者对于呼吸时间的把握，应该考虑到音乐本身的节奏特征和律动特点。演奏者要善于体会这种感觉，只有这样才能掌握好呼吸的时间。在演奏一句长达几十个小节的大起大落的旋律时就必须以舒缓而绵长的气息为根本。同样，在需演奏情绪高涨激昂，或者速度较快的一段乐句时，演奏者本人的呼吸也应该相应加快，到高潮音之前的呼吸可以较深一些。但不管怎样，演奏者本人的呼吸与乐句的呼吸在根本上应该是一致的，而且与乐段乃至整首乐曲的呼吸也应该是和谐统一的。此外，对于演奏中呼吸的掌握，应先把乐曲演奏熟练完整的情况下，通过反复哼唱乐曲的旋律来深入体会乐曲的断句，然后将它运用到实际演奏中去，将自身的呼吸与音乐的呼吸融为一体。只有这样，才能达到表现音乐内涵的目的，才能将音乐作品演绎得淋漓尽致。

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大提琴的演奏技巧有哪些

　　声音作为音乐的基本素材，其音质的优劣，音色的多变与否直接影响着音乐的形象和感染力。因而，合理优美的发音是大提琴演奏中较重要的技巧课题。要获得良好的发音不仅需要正确娴熟的技术作后盾，还必须要有练就高超技术所必需的良好的生理状态和心理准备相配合。你知道哪些大提琴的演奏技巧呢?下面是小编为大家带来的大提琴的演奏技巧，欢迎阅读。

　　大提琴演奏中的换把

　　大提琴演奏中的换把在我们平时的练习、演奏中是至关重要的。因为换把的好坏直接影响演奏的进行和乐曲、乐句的歌唱性及音准。下面谈一谈自己多年来在演奏与教学中的一些体会，希望能对学习大提琴演奏的学生们有所启发。

　　大提琴的高把位指法表

　　学大提琴的高把位指法表。拇指把位其实和低把位是一样的，只不过谱子上的拇指把位的符号是一个圆圈下面加一个小竖杠。到了拇指把位以后，就不会再用小拇指了并且对以一个曲子每个人的指法都是不一样的，我的老师就鼓励我，使用自己觉得舒服，合理的指法。所以对于高把位是没有一个固定的'“指法表”。

　　练大提琴要注意的五个方面的问题

　　(1)时间上,每天都要有较低限度时间时间量的，许多技术，没有磨练过程是掌握不了的，磨练,就要时间,幼小孩子，耐力较小，每次练习可稍短些，但两三次合起来，每天总要在一个小时以上。

　　(2)练习动作时，务必同时练习耳朵和头脑，耳朵时刻要注意听，检验对弹出的声音是否满意,脑子要时刻指挥，调整参与行动的身体部位，这就是精神集中。

　　(3)练习的目的要明确，练习，是把自己不会的东西练会，把老师指出的的和自己感觉的缺点改正过来，究竟要练会什么?缺点，错误是什么?都要非常清楚、明确、具体。

　　(4)弄清目的之后，每次练习都要至少解决一个问题，退一步也要至少在一个问题上有进展，这就是有效的练习，有的问题一次难以解决，那也要尽可能进展得多些、深些。

　　(5)要讲究质量，不求数量，宁可内容少些，但要质量高些，弹不了整首，先弹半首，或一小段、或一句、或一个音型片断，弹不了两只手就弹一只手。但每练一点就要高质量，积少成多终究会练好全曲。

　　总之，切忌练一天，停两天;耳朵不听，脑子不想;没有目的，为弹而弹;不计、只凑时间;在即将成功之即，却退下阵来，已经要做熟的饭，却提前闭了火，只好下次重新点火;不讲质量，泛泛地一遍一遍从头到尾地过。

　　练大提琴时坐的位置正确是指什么?.坐的位置正确是指坐位与钢琴距离离远近合适，面对键盘正好居中，不偏左不偏右，坐位本身的高低适度。简单地说，前后、左右、高低都要正确。

　　不要小看坐的位置的重要性。我们在音乐会上看到钢琴家坐下后，往往都调整一下坐位。在他确认了坐的位置适合对键盘全局的控制、活动方便、建立了稳定的距离感后，才开始考虑弹奏。这也告诉我们，动手弹奏前的件事，是先要调整好坐位。

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大提琴运行的右手技巧

　　大提琴是管弦乐队中必不可少的次中音或低音弦乐器，属提琴族乐器里的下中音乐器，音色浑厚丰满，具有开朗的性格，擅长演奏抒情的旋律，表达深沉而复杂的感情，也与低音提琴共同担负和声的低音声部，有"音乐贵妇"之称。下面是小编为大家带来的大提琴运行的右手技巧，欢迎阅读。

　　一、握弓

　　拇指自然弯曲(让右手虎口处的肌肉相对放松)，放在弓杆包钢丝的皮子上，姆指尖部右侧触皮即可，(另外，可根据弓杆重量和手感在此加包一块皮子，因人而易)不深。中指与拇指相对，中指的指尖可以碰到弓毛，也可在弓毛之上。中指的关节(指甲的关节和第二其后的关节)形成拱形贴在的弓杆上的皮子上。无名指稍微弯曲放在马尾箱的金属圈部。食指与中指分开一些，(指甲的关节和第二其后的关节)接触弓杆。小指可摆在花扣处。还有一种常用握弓，五个手指后移壹指宽的距离，拇指放在弓杆和马尾箱间的犄角处，中指放在马尾箱的金属圈部。握弓时五个手指都可以调动，有时手指往弓尖方向倾斜一些，有时手指与弓几乎是垂直的，有时......我们总是在运动中变化。在运弓拉琴前，往往把弓子捏死了，再去练放松，还有用吗?

　　二、运弓

　　人在自然状态下，腰部是较有力的，坐着拉琴时，这种力通过肩臂肘腕指传送到弓弦接触点。在运弓拉琴时，本能的动作是大臂的运动，这样在它的带领下，整体不零散的动作开始了运行。横向的运弓一要直、二要平、三要稳。换弦时，由于琴码是拱形面的，在运弓时形成了不同的角度(面)。而“面”是由“点”组成的.，在琴上,琴弦面共有七个，即单音的A、D、G、C四个弓弦接触点组成的四个面和双音的AD、DG、GC弓弦接触点组成的三个面。琴弦充分的振动是在弓与弦成90度(直角)时，由于琴弦的排列是弧形，就要做到四根琴弦的90度振动夹角，从持琴者的视角来看，弓子与四根弦的内夹角是不同的。即在A弦时内夹角大于90度，D弦上等于90度，这时候是水平运弓，G弦上小于90度，C弦上小于45度。只有按这些角度演奏四根弦，才能每根弦的充分振动。而对于双音的AD、DG、GC三个面，两个音作为一个平面擦弦振动。在运弓拉琴时，遵循一些基本的原则就能够让音乐作品赋予生命吗?音乐表现的前提是想象力的丰富，这样对音色的想象也有了不断的要求。音色如同画家的颜料，颜色，厨师的油盐酱醋一样，调和着色彩和味道。

　　在右手运弓时，我们试图通过一些方法得到这方面的帮助:

　　1.用身体帮助

　　以期获得更好的声音，如：在中弓至弓尖，用胸部顶琴板，向前推动。

　　2.弓速的快慢变化

　　如：像"橄榄”“飞机起飞，着陆”一样不同的运弓。

　　3.弓在琴码与指板间

　　(调色板)自由移动

　　三、运弓时的弧线运动，一弓之内

　　(1)弓根时靠近琴码，到弓尖时靠近指板。

　　(2)弓根时靠近指板，到弓尖时靠近琴码。

　　(3)弓根到弓尖时多次上下运行。

　　(4)弓尖开始做相反运行。

　　(5)任何弓段做以上运行。

　　四、弓毛的角度变化

　　(1)全部朝里侧斜弓毛，

　　(2)全弓毛弧形运弓(弓根时梢用一点外侧弓毛)。

　　五、弓弦接触点变化

　　如：把位越高，音越高时，靠近琴码。弓根，弓尖换弓时的手腕作用。以上只是对音色表现方法的一点启发，还有很多很多种方法，大家都可以试着探索。不过要以人为本，注意演奏者胳膊的长短，力量能力的大小等问题。

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大提琴运功与发音技巧

　　我们生活在声音的海洋里，每时每刻都有各种不同的声音伴随着我们。其间有使人愉快的声音，也有让人厌烦的噪音。只有充分发挥人的主动性和创造性，才能使大提琴演奏艺术产生强大的活力。音乐就是表现思想感情的，她所使用的纯净优美的乐音，是由正确的运弓所产生的规则振动而获得的。弓在弦上运行，怎么样才能使琴弦产生规则振动而发出优美纯正的声音呢?下面是小编为大家带来的大提琴运功与发音技巧，欢迎阅读。

　　大提琴运功与发音技巧

　　这里必须遵循三个基本点：弓与弦始终呈直角;相对固定的触弦点;弓压与弓速成正比。

　　弓与弦始终呈直角。这是整个运弓的基础，只有当弓与琴弦垂直运行时，琴弦才能产生规则、充分的振动，从而发出优美的声音。如果运弓角度倾斜，一方面弓在弦上容易滑动，另一方面还会影响琴弦的规则振动而发出噪音。这种倾斜度如果超过50度，琴弦就几乎不能产生振动而不会发出声音。运弓时，手臂的各个部分是一个有机的、协调的整体，不能独立地、机械地、为了动作而动作。运弓动作的规定只是手段，并非目的。只有当弓与弦垂直运行时产生的规则振动，从而发出悦耳的声音，才是运弓动作的较终目的。

　　相对固定的接触点。所谓相对固定，即不是固定，当然在演奏空弦、某一个长音或某一个把位内的音时，弓在弦上的接触点是需要固定的。如果这时不能很好的控制住弓而使其在运动中上下滑动，势必影响琴弦的正常振动而发出劣质的声音。但是接触点不是不变的，琴弦的粗细、把位的高低，都要求接触点有所变动。在不改变弓压的情况下，琴弦越细，把位越高，接触点就要越靠近琴马;反之接触点就应当上移，但以琴马与指板末端的中点或稍微偏上些为限。只有当乐曲需要做轻柔、暗淡、虚幻、飘逸的特殊时，才允许接触点靠近指板运行。

　　弓速与弓压成正比。弓速愈快，压力愈大，则音量愈强;弓速愈慢，压力愈小，则音量愈弱。也就是说，弓速快，必须压力大，否则就不能使琴弦产生充分振动而发出虚飘轻浮的声音。反之，弓速慢，必须压力小，否则同样不能使琴弦产生充分振动而发出僵硬破裂的声音。当然弓速与弓压不是一个简单、独立的问题，它还和触弦点有着密切的关系。比如在靠近琴马的地方运弓，即使弓速很慢，也要用比较大的压力;在靠近指板的地方运弓，即使弓速很快，也不能用很大的压力。这是因为在靠近琴马的地方琴弦张力大，不易振动，而在靠近指板的地方琴弦张力小，容易振动。

　　好的发音，来自正确的运弓、合理的压力分配与传递。

　　压力。压力来自弓的自然重量与手臂的力量，他在弓尖部分重量较轻，越近弓根，重量越大。因此，当你给予弓子一个均等的压力时，它在弦上的压力则是不均等的。也就是说，音量越接近弓尖，越加变得弱小。所以，要想获得一个均匀的声音时，手臂给予弓子的压力必须是不均匀的。也就是当弓子走向弓尖时，应逐渐增加压力;当弓子走向弓根时，要逐渐减轻压力。压力应从肩部和上臂滑落到手腕上，然后再通过手腕把它重新分配给手和手指，特别是食指和中指。应该注意的是，不管来自何处的压力，都要富于弹性，不能使用僵死的重量，否则，将会把弦压死，使琴弦不能充分振动而发出低劣的声音。

　　一个好的演奏者，不仅需要一个好的左手，而且需要一个善于使用压力的敏感的、细微而灵巧的`右手，因为在大提琴演奏中，作品的感情、思想因素主要是通过右手来表现的，演奏者全身心地投入与之配合，以求声音的平均、统一，具有歌唱性。从某种程度上说，左手受听觉支配，完成把乐谱忠实“还原”的任务;右手则受心灵指挥，把作品的内在情感和演奏者的体验发掘出来。右手运弓力度、速度、间歇以及各种难以察觉的细微变化，使作品的灵魂从演奏者心中进发，流进欣赏者的心田。除此之外还需要一定的体态与之配合，演奏过程中，感觉到自己的整个身体都在进行演奏，身体各个部位的适当紧张或松弛，整个身体姿态的细微调整、变化，都有助于右手运弓和感情的宣泄。当然，全身的配合和体态的变化要以不外露、合乎规范为界限。

　　发音的关键在于音头，也就是说在运弓时，要有一个好的、正确的起奏。因为只有好的、正确的起奏，才能使琴弦产生规则的、充分的振动，从而发出优美纯正的声音。由于起奏的音有强有弱，当然不能一概而论，安静柔和的起奏，要以柔和的力度和较少的弓毛，从非常接近琴弦的地方开始运弓：热情有力的起奏，运弓可事先加上压力，并配以快的运弓速度，让弓“咬”住琴弦，发出刚劲有力的声音。有时，右手音质的好坏与左手有关，比如，作品要求拉一个特强音的时候，需要左手大幅度颤指加以帮助，否则，声音干枯而无厚度。在运弓过程中。单纯由手臂和手腕来摆动是不够的，右臂的力量应当来自背部的肌肉，由背部传输到大臂、小臂和手腕、手指。只有这样，大提琴发出的声音才是浑厚、凝重和具有穿透力的。

　　在运弓中，常常因为换弓动作不好而影响了平稳均匀的换弓。破坏了流畅连贯的声音。这主要表现为换弓前的突然加速、加压而形成的抽动所带来的声音突出。平稳地、尽可能无痕迹地换弓，必须注意做好换弓前减速减压的准备配合。

　　演奏中的力度也是至关重要的。在演奏中，力度的使用是千变万化的，一个好的大提琴演奏家，为了奏好一首作品，他对音质、音色及强弱力度变化的追求是没有止境的。那么什么是一种好的声音呢?从普通意义来讲，它是具有活力的、松而丰厚的声音，绝不是死压出来的僵直、干瘪的声音。我们在演奏中所需要的大的音量，必须建立在、渗透力强、表现力丰富的基础上。右手手臂是一个整体，力通过肩、肘、腕和手传到弓子上，再利用弓子到达弦上，如果其中某一关节紧张，势必阻碍力的运行，所以要经常注意放松，但放松本身不是目的，放松的目的是让力通行无阻，也就是“通”，但是过松也会防碍“通”。如手指太松就控制不好弓，影响力的传递;肩和肘过松造成手肘过低，力不容易传递到位等。因此，完全放松的状态并不是良好的状态，只是一个休息的状态。我们应该具有一个很好的工作状态，这种状态本身需要一定的紧张度，就像一部自行车，要它运转良好，必须将它的每一个螺丝拧紧一样。在演奏中不可能只用一种力度，必然有张有弛，有紧有松，但不论张或驰，紧或松，都要以“不防碍力的运行”为原则。右臂的用力，其“放松”的含义是“顺畅自然”，其“紧张”的含义是“激越昂奋”，这样才能达到尽可能大的自由。

　　要把大提琴的发音问题解决好是困难的。因为大提琴本身体积大，琴弦较粗较长，而且发音比较慢，给演奏者造成了一定的困难。在演奏过程中需要用一定的力度，特别是在粗弦上要用较大的力度，否则琴弦不可能产生充分的振动，而这较大力度的来源，是演奏者的智慧、激情和灵感传递到大脑，再由大脑使人的意念和力量通过手臂集中地贯注到琴弦上。

　　运弓和发音是大提琴演奏的基础，需要一个演奏者在正确的方法指导下不懈地努力与大胆实践，充分发掘人的主动性和创造性，使大提琴演奏艺术产生强大的活力。

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