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培养钢琴伴奏能力的三个重要环节培养钢琴伴奏能力的三个重要环节钢琴演奏本身是一种复杂的艺术思维和实践活动，它是脑力和体力、技能和技巧、逻辑思维和形象思维相结合的综合性艺术。钢琴伴奏者需具备一些演奏技能，甚至在某些方面还要超过对钢琴演奏者的要求。本文就如果提高钢琴伴奏的质量从几个方面进行全面讨论。
培养钢琴伴奏能力的三个重要环节
钢琴演奏本身是一种复杂的艺术思维和实践活动，它是脑力和体力、技能和技巧、逻辑思维和形象思维相结合的综合性艺术。钢琴伴奏者需具备一些演奏技能，甚至在某些方面还要超过对钢琴演奏者的要求。本文就如果提高钢琴伴奏的质量从几个方面进行全面讨论。
(一)、多种触键法的训练
1.情感和力量凝聚在指端，指尖要十分灵敏，分寸感和控制力都要拿捏得恰到好处，在接触琴键的一瞬间，控制得当地发力、发音。
2. 触键时下键速度要慢、均匀。就像快速下键的慢动作播放一样，要尽量减少手指对钢琴键盘的撞击力。利用“软着陆”来化解力量，达到音色连贯、柔美的。
3. 垂直于琴键的手指稍稍仰平，让手指端的肉垫多接触琴面。由于指端和琴面接触面积的变大，相对于相同的力作用在小面积上面，压强就会减少，声音由此会变得柔和，像弥漫的烟雾一样融合在一起，没有明显的界限。
4. 手臂和腕的放松，注意体会重量的传递和转移。要重视臂、腕、手指三者之间力度转移的配合，随着音符的流动，手指要尽量贴住琴键，这样，指尖的相互依赖能使音与音之间更加紧密。
5. 延留音及保持音的时值要弹满、充足，它多出现于多声部的钢琴伴奏中。
通过以上归纳，我们可以清楚地认识到，伴奏中手指触键的部位及触键面的大小，手指下键速度快慢、力度大小及下键深浅，都会不同程度地影响到声音的明暗、强弱、厚薄甚至远近，而钢琴伴奏者的技术功底也就体现在这指尖的艺术功力上。
(二)、良好的速度、节奏控制能力的训练
速度、节奏是音乐中的基本要素，他们是音乐的骨架、旋律的脉搏。对于钢琴伴奏者来说，他们既要控制好自己的速度和节奏，同时又要兼顾各种不同的合作伙伴在速度、节奏方面的不同要求，这就需要伴奏者掌握准确而多变的速度感，严谨而有弹性的节奏感，这样才能得心应手地运用所需节奏型，更加地表现音乐作品。伴奏者的节奏控制需要根据不同题材、不同内容来确定，一般可分为以下几个方面：
1. 节奏性强的乐曲，节奏形式较为鲜明。如歌剧《哈巴涅拉舞曲》中的低音伴奏。
2. 抒情性的歌曲，多为流畅、平稳的速度。如门德尔松的《乘着那歌声的翅膀》。
3. 歌剧中的节奏，要视情节要求决定速度。通常宣叙较为自由，咏叹调前后采用不同的速度。如歌剧《游吟诗人》中的《夜深沉》，前面速度较慢，后面则根据剧情发展变得稍快。
4. 艺术歌曲，根据歌曲思想内容，表达情绪而定。如舒伯特的《春之梦》开始时活跃些，中段为慢板，较后又活跃些。
(三)、音量合理运用的科学训练
在伴奏实践中，音量的大小、力度层次的处理和调配是一个复杂的问题。伴奏者与合作者之间的音量比例是否恰当，直接关系到作品音乐形象的塑造及表现。音量的安排主要从以下几个方面进行：
1. 根据歌曲内容、情绪来运用不同的音量。如黎英海改编的云南民歌《小河淌水》钢琴伴奏轻柔地弹奏出涓涓细流的音响;《图兰朵》中咏叹调《今夜无人入睡》钢琴尾声以强力度震撼人心。
2. 根据演唱声部运用多层次音量。如花腔女高音的伴奏音量要小一些，戏剧性女高音则可稍大些，以剧情而定;男中音的例子，如歌剧《茶花女》中阿芒的咏叹调《在普罗文察地方》可用适中的音量;男低音的例子，如《跳蚤之歌》则需用强音量。
3. 根据钢琴伴奏的织体来运用力度层次。弹奏较小型的声乐作品时，钢琴伴奏多服从于主题音乐，伴奏音乐仅仅起到烘托、陪衬的作用，弹奏这类作品时，一般情况下，力度不宜过大，并注意运用一些特殊的处理方法，往往会对音乐的表现起到画龙点睛的作用。
4. 根据作品的不同风格来运用力度层次。不同作曲家的作品对力度的要求是完全不同的，我们在伴奏时，要先研究作曲家不同创作风格和特点，以便进行力度层次的合理选择及运用。
f小调钢琴奏鸣曲赏析
乐章
f小调，快板，2/2拍子，奏鸣曲式，具有简洁紧凑的形式和典型的贝多芬式的有机发展。它的主部主题建立在音型化的和弦音的基础之上。这样主题的例子在古典派的作品中，特别在贝多芬的作品中俯拾即是。
主部由一个8小节的乐句组成，它停在属和弦上(半终止)。连接部也是压缩的，它建立在主部素材的基础之上并且导致平行大调(降A大调)的属和弦。第二主题在平行大调上频繁地使用了降六级音(降F)，它在八分音符进行的背景上陈述出来，本身同样是简明扼要的。它与主部主题相似，这点是很出色的。奏鸣曲作品第2号之一的副部和《热情》奏鸣曲乐章中一样，是主题的倒影(略有变化)，8小节刚毅坚决的结束部结束了呈示部。
展开部以主副部的素材为基础，属音持续音周期古典派作品中通常在展开部的末尾，在这里它并没有立刻导致再现部，而通过一个不长的(6小节)连接段，这连接段又回到主部所特又的四分音符进行上。
再现部与呈示部几乎没有什么差别。主部在呈示部是p，而在再现部是f(强拍上有sf)，结束部主题稍有扩大。
第二乐章
第二乐章，F大调，慢板，3/4拍子，三部曲式，就风格和内容而论，接近莫扎特的奏鸣曲。这个乐章是用复三部曲式陈述出来的，基本主题采取了二部曲式，以主调上完满的完全终止结束。然后是不长的中段(在d小调上)，按其性质已经是典型的贝多芬音乐了。
它在属调(C大调)上以完满的完全终止结束。再现段变奏地重复着主题，并且以中段的素材构成的尾声告终。
第三乐章
第三乐章是一首小步舞曲，f小调，小快板，3/4拍子，三部曲式。
第四乐章
第四乐章，较急板，f小调，2/2拍子，奏鸣曲式，贝多芬热情激烈的天性充分地表现了在本奏鸣曲的末乐章中，这样的乐章无论在海顿或莫扎特的创作中都是找不到的。 贝多芬的对比f和p急剧的变换都应当准确地奏出。在他没有标上cresc和dim的地方，决不要用这些记号削弱对比和急剧的力度变换。
主部向属调(C小调)转调并且直接转入副部。后者在22小节出现:12小节的乐句之后开始了一个新的如歌的主题(结束部)，它在左手三连音音型的背景上由八度陈述出来。呈示部以简短的、建立在主部动机的基础之上的补充告终。
展开部从平行大调(降A大调)上新的主题开始。呈示部在八分音符三连音进行的背景上陈述出来，而展开部里新的主题则出现在四分音符(重复的和弦)进行的背景上。在新主题的结尾出现了主部的动机(pp--在八分音符三连音音型的背景上)。再现部和呈示部几乎没有什么差别。再现部中，副部和结束部的段落在主调(f小调)上。
钢琴与乐理的关系！看来不学不行了
任何学习的实践都离不开理论的指导，学习钢琴也一样。但是，也没必要把乐理想的多难，很多时候一边学钢琴一边就把相关的理论学了。
1、如果去上正规的钢琴课，可以边上课，边解决出现的乐理问题
从较初启蒙所有出现的，音符、节拍、调号等等，到后面曲子中会出现的表情记号、力度记号等等。如果是一位靠谱的钢琴老师，基本上课上曲子中出现的乐理相关问题，都会边上课边讲解。多以不用太纠结乐理的问题，弹琴时需要了解的，老师都会讲。基本上，平时上课所讲的乐理，也够应对日常弹奏的曲子中出现的问题。
2、如果是应对考级
现在音乐已经是越来越被重视，除了考级，小学考试、甚至中考，也慢慢被加入乐理。如果学习乐器涉及到考级，那么就需要额外、系统的去学习。
3、想系统的好好学习音乐
还有人说，我不考级，但是我想好好学习音乐，想系统的去了解。那么也应该去好好学一些乐理。如果是孩子，建议还是请老师或报班，乐理这种可以上大课。如果是个人纯兴趣、爱好，也可以自己学习，当然有问题要及时请你的老师版本解决。
4、学好乐理对弹琴的帮助
可能很多人会说，会弹琴和乐理有什么关系?其实乐理是可以帮助弹琴的，举个较简单的例子：一个简单的 车尔尼599中的练习曲，右手是单声部旋律，左手是简单的和弦伴奏。不懂乐理的人， 只能单纯的去通过音高去找音弹出来，可能有时候弹错了也不知道。但是，懂乐理的人，可以根据音高判断伴奏的和弦，不用仔细看音，也基本知道应该左手弹什么，其实省很多力。另外，根据旋律走向判断伴奏弹奏是否准确等等，可以自我检查，如果弹错很容易听出来。
所以，要弹琴就尽可能得多学点乐理，百利无一害。
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