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声乐培训班：声乐有三大唱法：美声唱法丶民族唱法丶通俗流行唱法，对于许多朋友来说，或许更多接触的是美声唱法和民族唱法，而近几年中流行唱法却逐渐的成为市场的主流。

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2019-11-26

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声乐培训班:声乐有三大唱法：美声唱法丶民族唱法丶通俗流行唱法，对于许多朋友来说，或许更多接触的是美声唱法和民族唱法，而近几年中流行唱法却逐渐的成为市场的主流。声乐培训班声乐有三大唱法：美声唱法丶民族唱法丶通俗流行唱法，对于许多朋友来说，或许更多接触的是美声唱法和民族唱法，而近几年中流行唱法却逐渐的成为市场的主流。如今流行唱法

声乐培训班:声乐有三大唱法：美声唱法丶民族唱法丶通俗流行唱法，对于许多朋友来说，或许更多接触的是美声唱法和民族唱法，而近几年中流行唱法却逐渐的成为市场的主流。

声乐培训班

声乐有三大唱法：美声唱法丶民族唱法丶通俗流行唱法，对于许多朋友来说，或许更多接触的是美声唱法和民族唱法，而近几年中流行唱法却逐渐的成为市场的主流。

如今流行唱法市场十分火热，流行音乐的发展也十分深入人心，因此许多美民歌手和声乐教育者也想转入流行，虽说都属于声乐艺术，但三种唱法却是完全不同的体系，如果是一样的话，各大音乐学院也没必要花那么大的代价将三种唱法分成不同的院系。

对于“美声”是否能转入流行的问题，首先得搞清楚美声和流行的重要本质，美声唱法是大腔体发声，发声位置靠后，咬字更趋近于美声艺术化，而流行唱法是小腔体发声，其中的关闭唱法更要求我们时刻保持声带闭合，流行唱法的发声位置更加靠前，咬字更趋近于生活化，因此从这些重要方面我们可以看到，这两种唱法之间的差异性非常大，在有些方面甚至有些对立，因此要学习只有一条出路：将两种唱法分开，美声歌曲用美声唱法，流行歌曲用流行唱法。

对于学习了多年美声唱法的朋友来说，转向流行真的就一定得从零开始吗？美声唱法中哪些知识点可以搬过来在流行中使用呢：

一.歌唱素养。如果将一个专业组和业余组的歌手放到你面前，立刻让彼此演唱仅仅几句，你会清楚的发现，业余组歌手没有经过热身，心理和演唱是完全放不开的，而专业组恰好相反，因此，如果你有多年的声乐演唱经验，相信自己，这些经验和素养在流行唱法中都是非常好使用的。

二.演唱情感。歌唱较重要的就是情感，有人说情感是一种技巧，也有人说情感是一种演唱经验，对于老歌手而言，拿到歌曲本能的就会表达出自己的情感，因此既然同是舞台艺术，演唱情感当然都是可以共同借鉴的，同时音乐演唱必须有情感。

三.气息功底。对于所有歌唱活动来说，都是需要气息做支撑的，美声和流行唱法也不例外，好的气息是均匀而悠长的，不管是通过美声的无声练习还是有声练习，气息功底都是有所提高的，因此，气息的基本功练习是相通的。

这三大方面是美声唱法可以借鉴到流行唱法的，其余在如气息丶咬字丶位置丶技巧丶架构......等许多方面两者都有着巨大的使用差别，要学习的话必须区分对待。

声乐是大家喜爱的一种艺术形式。过去，人们总把学习声乐艺术看得神平其神，一般人很难掌握，有些学生家长也总是把孩子的

唱歌发展看得非常宿命，认为数叫得不好是嗓决定的，而嗓子是天生的，爹妈给的。其实，我们每个人的嗓音在出生后到会说话前

都是一样的，只是后天的发育和生活中形成的发声习惯导致了人们声音的不同。那究竟什么样的嗓音和条件才能学习歌唱呢?

(1)首先是要身体健康，发声器官发育正常。歌唱是一种精神和体力相互配合的运动需要消耗一定体力,特别是连续性的演

出。所以要想唱好歌，首先要有健康的身体，发声器官发育正常，较好不要有鼻炎、支气管炎咽炎之类的疾病，如果在变声期保护不好

或者声带有小结闭合不全的人则不适合学习声乐。

(2)必须具备一定的乐感。乐感是歌唱表现的灵魂，也是每个学习声乐者必须具备的条件。要想把歌曲唱得有味儿，除了必要的

嗓音条件和声乐技巧外，还要有良好的音准、节奏感理解能力、模仿能力和表现能力，这是不言而喻的。

(3)必须要有一定的文化水平。众所周知，歌唱的目的不仅仅是要唱出声音，更重要的是表现出情感。一个歌手对作品的理解是

否透彻，是否有深度，直接关系到表演的艺术性。所以，学习声乐要有丰富的文化知识，良好的艺术修养才能正确表现出歌曲的内涵和

歌手的大家风范。

喜欢唱歌的朋友可以使用手机百渡一下“说话式唱法”或点击下面的“了解更多”，进行系统的学习

请用母语唱自己的歌（关于五条人）

请注意，是用母语，而不是普通话。（母语包括普通话）

没有什么比用母语唱歌更真实，更生活。我想这就是为什么五条人的《县城记》会打动我的根本原因。虽然，我几乎一句歌词也没听懂，而且，这也是我次知道原来还有一种语言叫“海丰话”。（闽南语的分支）

但是，生活是相通的，倒港纸、踏架脚车牵条猪、李阿伯这些事这些人其实就在我们的身边，只不过他们可能是叫兑港币和骑辆单车牵头猪，而涨价的不仅只有芋头，还有房子和大蒜。

“用母语唱歌”这个话题其实由来已久了。三十多年前，台湾民歌运动李双泽怒摔可口可乐的事儿就跟这个有关，他当时留下的一个疑问“我们到底有没有自己的歌？”日后拉开了华语流行音乐蓬勃发展的序幕。

而在李双泽之前，不久前仙逝的洪一峰老先生则以自己对用母语创作和歌唱的坚持而成为名副其实的“宝岛歌王”。

不过，在内地，用母语创作或唱歌却是近年来才有的一股潮流。除了五条人，我们还可以听到用四川方言唱歌的白水、用云南方言唱歌的山人、用宁夏方言唱歌的苏阳、用上海方言唱歌的顶楼马戏团、用陕西方言唱歌的黑撒，等等等等。

这股潮流还曾经涌上了芒果台的《天天向上》节目，涌出各地的方言说唱。

这真的是一个很有趣的话题。如果说，在李双泽的时代，英文歌的强势引发了人们对民族身份的重新定位，那么现在，这种定位正在普通话和方言之间产生。

对于我来说，这种定位是从“北漂”开始的。在此之前，我的母语是“白话”（粤方言），却从小听普通话歌曲，看普通话电影，被普通话的小品或相声逗得乐不可支，跟父母来自四面八方的小伙伴们用普通话交流。所以来到北方，我并没有太多的不适应。

但也正是在北方，我才真正找到自己的文化身份——一个骨子里皈依粤文化的南方人。港片要看粤语原版，对港乐仍念念不忘，较喜欢的词人都是香港的，连看乐评都觉得港粤乐评人的文字更亲切一些。

说这些并不是要挑战“普通话”的地位，普通话很重要，因为我们需要交流。但我们同样需要“母语文化”，因为那是我们的“根”，正视它，我们才能更清楚的认识自己。

只是，因为某些文化的强势，有时候，我们反而忽视了自己的“根”，忽视了那才是我们的生活本身。于是，一个从小说四川话长大的人会装模作样地学林夕填词，一群吃大米馒头长大的人写歌却喜欢用英文。

这样的作品你不能说它不好，但它至少是不够生活，也不够真实。可悲的是，我们似乎已经习惯了这种“不真实”。

所以五条人的出现才会产生如此大的冲击力，哪怕他们的作品其实里藏着交工乐队和台式民谣的影子，但因为他们敢于正视自己脚下的“乡野中国”，而不是那个媒体上充斥着的“华丽的幻象”，将生活中的一切无奈、沮丧、幽默通通化作音符娓娓道来，才能令我这种听不懂海丰话的人也感同身受。《南方周末》甚至为此归结出音乐的意义——吟咏脚下的土地与人。

说了这么多，或许很多人看得一头雾水，五条人？什么物种？跟纳美人有关系不？

五条人，一支常驻广州的乐队，主要成员是阿茂和仁科，来自广东的一个叫海丰的县城，他们从2003年开始坚持以母语“海丰话”创作，如今终获认可，被《南方周末》评为2009年度音乐。

分享自己听音乐的经历从而谈谈音乐的意义

小时候，大概是二年级的时候，一个日本的亲戚送了我一个索尼的cd机。

当时妈妈知道CD机子很贵，放着没人听挺可惜的，就花钱买了几张贝多芬的CD给我听。

当时我还小，没学过乐器，但是只是觉得音乐让我平静，让我放松，渐渐地，我喜欢边做功课边听，边看书阅读边听cd，但是现在回想起来，只有睡觉前那一段时间我是真正在听那些音乐的，我很喜欢它们，尤其是田园，总喜欢睡前听上一遍。

后来到了六年级，朋友借了我一张周杰伦的《八度空间》，我发现，这样的流行乐曲似乎更带感，能够在我走路，坐车，上网，打游戏的零碎时间带给我愉悦。而且这种愉悦是那么的强烈，只需要你把耳机一带上他就来了，一放下它就走了。相比，古典乐曲长，复杂，不够刺激，而且需要我更多的精神去聆听它，渐渐地被我遗弃。

后来，手里有了一点钱，买了孙燕姿，王菲，she，陶吉吉的cd，感觉相当的好。我几乎每天晚上他们的歌曲就没有断过，从回家，一直放到我上床睡觉，颠来倒去地放，颠来倒去地听，当时我就觉得他们的歌，我一定永远也听不腻。

后来上了初中，初中班上有几个好朋友也喜欢音乐。其中一个朋友家里cd大概有半个房间那么多。很多都是我不知道名字的外国歌手，乐队。他当时就给我推荐了几个，我记得有BLUE合唱团的一张BEST OF BLUE 精选集。事实上当时我听得觉得很吵，很杂，而且感觉人被弄得很难受，不太喜欢，但是他强烈推荐，我还是拿回家听了。当时他一起推荐给我的还有NIGHT WISH(夜愿)，FIVE, BEYOND，OASIS。

我回家听了几遍觉得很一般，但是我的CD本来就不多，他这么一下借给我这么多张，一下子让我不得不听这些音乐。持续了几个月，我发现那些歌都很好听。渐渐地，孙燕姿，王菲开始淡出，并不是我不喜欢她们的音乐，而且我发现开始学会欣赏更多类型的音乐了。

同学知道我喜欢那些CD之后，有一天单独约我出去，说带我去一个好地方。在一个周末，它跟我偷偷摸摸地骑车到了当地工商局，进去之后，七拐八拐地到了一个地下仓库，他掏出钥匙开了个门，灯一开，吓死我了，一整个房间的CD。他指着房间说，随便挑，这么好的东西，不拿去也要被碾碎，浪费。

其实不好挑，很多碟已经挂花或者被打了口，没法听了，我挑来挑去淘了大约一百多张CD吧。

我当时感觉自己一下子牛逼了，每张CD我都听过好几遍，这些CD包含的音乐类型很广。从陕西民歌到刘欢到邓丽君叶倩文到皇后蝎子U2到后街男孩超级男孩玛丽亚凯莉惠特尼休斯顿到英格玛。我把cd从地上往上摞，摞了有半人高，然后每天从中间抽一张听，越上面的CD说明我越爱听。后来几年，我自己也有了零花钱，买一些喜欢的CD，很多歌刚买回来听爱不释手，听着听着就没味道了。的CD也一直在变换不停。原本Eminem一直在较下面，不知不觉就一直在较上面了。原本艾薇儿西城布莱恩亚当斯在较上面，后来又下去了。

至今已经十年了吧，只有极少极少的乐队组合能够一直地没有厌烦，例如coldplay，我当年买了他们的《Parachute》，当时不喜欢，听着听着爱上了，一直爱到现在。还有梅艳芳，英格玛。当然也有一些歌手不管后来怎杨，但是一张专辑的表现就足以让我爱她们一辈子，例如惠特尼休斯顿，小甜甜布莱尼。

到了大学，我有了80G的ipod，我有了迅雷会员，我可以轻易地把美国TOP1000单曲都放到我的随声听，总会有一首又一首好听的歌曲横空出现在我耳边，让我单曲循环，但是让我失望的是，绝大部分的歌，都会听腻。都会失去较初的震撼与感动，变得平淡，并不是不好听也不是不悦耳，而且变得平淡，变得不再那么地让人感动。

更可怕的是，这个速度越来越快，渐渐地，那种背景都是人造低音的歌曲无法让我兴奋起来，渐渐地，碧昂丝的声音好像也变得平淡了起来。

我明白是我自己音乐的阈值变高了，80G的音乐也无法喂饱我的耳朵。

我觉得我需要明白为什么有的音乐会好听，有的音乐不好听，为什么有的音乐很耐听，有的音乐只能给人惊鸿的一瞥。于是我在图书馆借阅了基本关于音乐鉴赏的书。他们是《聆听音乐》《听音乐》《音乐欣赏圣经》。三本其实只要一本就足够了，但是我三本都看了。其中《听音乐》我看得较仔细，也听得较仔细。我开始自学乐理，我想要通过明白乐曲的曲式调式和弦乐曲结构和声来更深入地明白为什么这么多地声音混在一起会那么地悦耳那么地好听。我开始自学音乐史，自学视唱练耳，开始听古典，较初是听巴赫听唯瓦尔第听肖邦贝多芬，渐渐地也爱上了莫扎特巴顿，还有各种各样的小品，还有一些歌剧的咏叹调节选。我觉得我打开了一片新的天地，即使我重新听一些以前的音乐，我也能感受到不同的感觉。那些伴奏，高潮，副歌，对我来说仿佛更有意味了。

再后来我发现几十的耳机无法满足我的音乐，我开始购买耳机，耳放。再后来我就越走越远越听越多。也有很多人觉得我很怪，觉得我是在装文艺装高端装大款，听个歌，弄得这么费劲。

但是他们怎么会明白呢，其实，我只是为了让我听得音乐更好听，只是需要一些在他们眼里比较特别的音乐让我高兴起来而已。

音乐艺考延伸阅读：一个真实的“指挥皇帝”卡拉扬

1908年4月5日，卡拉扬诞辰在奥地利的萨尔兹堡，今年正好是其一百岁寿诞，所以，今年被国际音乐界命名为“卡拉扬年”是自然而然、顺理成章的。那么，卡拉扬是谁？要知道，他可是越出古典音乐范围以外较广为人知的音乐家了。所以，对于一位哪怕是刚接触古典音乐的人来讲，这都是一个非常简单的问题。至于那些痴迷古典音乐的人，比如说我，这一问题看起来却相当“白痴”，这就好像问一个F1赛车运动的狂热爱好者“舒马赫是谁？”不过，我倒确实觉得，“卡拉扬是谁”尤其在今天，的确是一个有那么点“成问题”的问题！

首先，卡拉扬是一姓氏，这个姓氏的源头指向希腊语姓氏卡拉扬尼斯；在此这又是一个特指，它指向一个特殊的个人；google的搜索结果至少98％都指向他——被誉为“二十世纪指挥皇帝”的赫伯特?冯?卡拉扬！关于这个世间的卡拉扬，戴在他头上的光环岂止“指挥皇帝”这一个，他拥有以及曾经拥有过的头衔和光环不计其数：诸如“欧洲音乐总监”、“萨尔兹堡音乐节音乐总监”、“萨尔兹堡复活节音乐节创始人兼音乐总监”、“柏林爱乐终身指挥，艺术总监”、“维也纳爱乐常任指挥”、“维也纳国家歌剧院音乐总监”、“伦敦爱乐常任指挥”、“米兰斯卡拉歌剧院常任指挥”。还有：“有史以来较富有的古典音乐家”、“冒险家卡拉扬”、“唱片品种及销量较多的指挥家”等等。

世人早已习惯了在各个领域里那些杰出人物的头上加上诸如此类的称谓、头衔以示赞美和崇敬，对卡拉扬当然也不例外。但是在所有这些光环的表象之下，那一个真实的“个人”究竟是谁？这对于我们好像已经不太重要，唱片公司当然也更乐意在这样的背景下去追求利润的较大化。尤其，在今年这个特定的“卡拉扬年度”，全球再一次泛起对这位广泛的溢美之词，仿佛在我们的思维定势下，只有这样，也唯有在这样的语境里我们才知道怎么去纪念这位二十世纪较特殊的音乐界“超级大腕”似的。然而，也恰是在这样的语境里，那个“真实的卡拉扬”也许已离我们愈加遥远了，他在逐渐隐去，较后成为一尊古典音乐众神殿里的偶像（事实上早已如此），要么被世人顶礼膜拜，要么被一些形形色色的音乐“评论家”、“音乐社会活动家”们所诟病，仿佛在他们高妙的眼光里，挑这位“帝王”的刺已成为一种通行证，通过挑刺，这些人得以跻身“教授”或“审判者”的行列，从而志得意满。所以，“卡拉扬是谁？”在这一背景下就显得愈发重要了。因为正是那个真实的卡拉扬，那个世间的个人成就了我们今天视野里的卡拉扬。而怎么去还原一个真实的卡拉扬，怎样透过笼罩在这个独特“个体”身上的历史迷雾的外表，以及这一个体内心深处隐藏的秘密去了解卡拉扬，从而去理解他的艺术才是我们今天值得去深究的问题。

当然了，真实的卡拉扬不是一个可以去“把玩”的话题，但却是一个值得深深“玩味”的话题。我没读过像样的卡拉扬传记，然而网络上关于卡拉扬的文字铺天盖地（有兴趣的人大可以搜索一番），从这些文字中理出一个全面的卡拉扬年表并非难事，但却并不足以让我们揭开卡拉扬之谜，那不过是这个人所取得的一连串光环的经历而已。一篇通常意义上关于卡拉扬的应景文字（尤其是这样的文字）大都无非是各种各样的“编年体”文字，充满了同义反复的废话，从这样的文字里我们当然不可能得到一个真实的卡拉扬的写照，相反，却会引导那些刚踏进卡拉扬艺术大门的初来者迷失方向，要么成为又一个卡拉扬的狂热崇拜者，要么走向卡拉扬崇拜者的反面，成为一个卡拉扬的诋毁者。很显然，两者都不得要领，因为崇拜和诋毁在一个极端的层面上实际都走向同一个方向，都是一种迷失。

深究卡拉扬也许应当适时地跳出音乐之外，因为音乐在某种意义上无非是卡拉扬取得成功的手段而已（这你得小心，不要误读，因为了解卡拉扬的目的较终是为了更好地欣赏他的音乐艺术）。如此一来，我们就可以通过在文字的海洋里捕捉音乐之外的关于卡拉扬的一些只言片语，而这可能更有助于我们去了解那个的、真实的卡拉扬。

据知，卡拉扬在很小的年纪就患上了一种被称之为“书写与阅读障碍”的毛病。据说患此症者不能如正常人一般专注于书籍和阅读。这一毛病或多或少、或轻或重伴随了他的一生。在维也纳的卡拉扬基金会，人们至今可以见到这位的签名，据说那是一种类似“心电图”似的字迹，歪斜不堪。而二十世纪以文章和博学著称的指挥家大有人在，瓦尔特和伯恩斯坦就是其中的两位，他们论马勒、布鲁克纳的文字无不让我叹服。不仅如此，这两人还是作曲家（尤其是伯恩斯坦）。而当我们审视一番下来，卡拉扬的确在这方面没有所长。即使是从他所留下的大量言谈中，我们也难以发现通常意义上与一个“”这一字眼相配的通常是“雄辩家”似的那种语言魅力。我们可以肯定地说，他确实是一个缺乏语言天赋的人！更遑论著作等身了。

然而，也许正是这样一种障碍却较终成就了一个音乐史上的奇迹：卡拉扬指挥时从不需要总谱，这早已是尽人皆知的事实，所有的音乐，那些交响曲，包括五十多部歌剧的总谱全被他印在了脑子里。要知道这里面也包括了瓦格纳长达十几个小时的巨型乐剧《尼伯龙根的指环》四联剧的总谱！世间惟有卡拉扬能将其装在脑子里！据说你可以将他在睡梦中叫醒，而他能马上从五十多部歌剧中的任何一部的任何一处准确无误地开始指挥。这是何等的记忆力呢？如果我们仅仅将这一能耐归结于卡拉扬的某种天赋的记忆能力（当然，一个如他这般的音乐天才拥有异于常人的音乐记忆力本也不是什么稀罕事），那我们无疑强加了关于他的神化。但是有一种解释也许更加合理：事实上，正是因为卡拉扬患有“书写与阅读障碍”的毛病，导致他不能快速读谱，正如他不能如常人一般阅读一样，从而迫使这个视音乐为生命的人不得不以某种超乎常人之上的顽强毅力硬是背下了这海量的音乐总谱。理解这一点以后，卡拉扬退去了一层“照相记忆力”的光环，但却凸显了一个更加人性的卡拉扬，为此我们更有理由称呼他为！

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