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北京唱歌培训,音乐高考钢琴曲目选择之误区

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2019-05-17

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北京唱歌培训,音乐高考钢琴曲目选择之误区北京唱歌培训音乐高考钢琴曲目选择之误区经过数年的钢琴学习，部分学生决定报考音乐学院继续深造，走上艺术道路。那么，如何通过考试实现这一目标，决定性的关便是对钢琴曲目的正确选择。选曲时应尽量避免进入以下误区：一

北京唱歌培训,音乐高考钢琴曲目选择之误区

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音乐高考钢琴曲目选择之误区

经过数年的钢琴学习，部分学生决定报考音乐学院继续深造，走上艺术道路。那么，如何通过考试实现这一目标，决定性的关便是对钢琴曲目的正确选择。选曲时应尽量避免进入以下误区：

一、曲目难度与考生实际能力不匹配

不少教师在高考选曲时，曲目难度严重高于考生的实际能力，导致考生在考试中发挥失常。学生在考前经过苦练，虽然把曲子弹下来，但始终由于技术不过关，未能达到应有的艺术和技术要求。因没有把握，在考场上难免紧张，因此思维和手指反应滞后、失控，造成大量的漏音、错音，甚至忘谱现象。

另一种现象是选曲过于保守，不能充分展现考生的能力。孩子们的能力和潜力是巨大的。高考有较长的时间可以准备和磨炼，适当增加曲目难度是很有必要的。缺乏难度也就缺乏竞争力，这如同体育竞赛，特别是体操、跳水等项目，如果难度系数低于对手，即使动作再也未必能够胜出。考生经过较长时间准备，并在专业教师甚至教授的指导之后，高质量完成难度较高的作品并非不可能。因此，应选择难度与考生实际能力相当或偏高的曲目。

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二、选择缺乏技巧性的作品

参加音乐高考的考生逐年增加，例如广东省已达每年八千人，山东省甚至超过每年四万人，许多省份已采取分组考试的办法。例如，广东省联考声乐分为五个组，钢琴分为四个组(主考弹奏两首曲子，每人约5分钟，副考每人约2分钟)，需要连考十几天的时间。总选择篇幅大、过于缓慢、抒情的作品，由于时间关系，演奏这些作品往往会被打断，技巧性段落很可能还未得到充分的展现。因此在众多竞争对手和有限的展示时间内要想胜出，在选曲时就应选择能够在较短时间内展示技巧的作品。

三、选择乐曲开头难度太大的作品

考试时，开头二十秒钟往往是应考者心理较紧张的时刻，如果音乐一开始难度很大，考生容易因为紧张而造成失误，并影响到后面段落的发挥，造成多米诺骨牌效应。而如果难点在乐曲开始一小段之后才出现，应考者则更易于驾驭。例如：贝多芬的《“月光”奏鸣曲》第三乐章，一开始便是在急板速度之下的连续十六分音符分解和弦，以及《“革命”练习曲》的开头是连续十六分音符的快速下行。类似作品，在曲子开头已具备相当的难度，一般考生很难在高考时紧张状态之下能不出差错。因此，应尽量选择乐曲开头难度不大的作品。

四、技巧类型不适合学生

不同的技巧适合不同的考生，选择的作品应尽量不暴露考生基本功的薄弱之处。有些教师认为莫扎特的曲子相对简单，就为技巧较差的学生选择了莫扎特的奏鸣曲，殊不知这样做把考生的不足之处暴露得一览无余。因为莫扎特的作品特别考验手指功夫，从技术上讲，那些快速跑动的音阶要求弹得非常清晰、均匀、准确、干净，不是一件容易的事，没有多年扎扎实实的功底难以胜任;从艺术上讲，要把那些快速音符弹出的音色，并完全符合作品的风格特征更是极为困难的事情。赵晓生教授说过：“莫扎特的作品只有两种人敢弹，一种是真正的，另一种则是小孩，那是因为他们天真、纯朴和他们无知者无畏的精神。”相反，如果学生的基本功非常好而乐感也非常出色，同时教师也有把握将作品处理得非常细腻、准确的话，他们完全可以选择莫扎特的作品参加考试，展现考生过硬的手指技巧和优秀的音乐表现力。

有些学生缺乏过硬的手指基本功，但天生手指跨度较大，那么给他们选择具备八度技术或和弦技术的作品，则可扬长避短。有些学生基本功较弱，而且手指跨度也不大，则应尽量选择较少右手上行音阶而较多下行音阶的作品(弹奏音阶右手下行比上行容易得多)，或选择具有八度技术，但八度的速度要求不快而八度中间较少和弦音(俗话称没有夹心的八度)的作品。

五、选择技术单一的作品

早期作曲家在一首作品中展现的技巧相对单一，不像后期作曲家在一部作品中所展现的技术更为全面。例如：李斯特、肖邦奏鸣曲所展现的技术，比贝多芬早中期作品更加全面，贝多芬晚期奏鸣曲的技术也远比早期作品复杂得多。当然，千万别由此认为贝多芬、莫扎特的作品容易弹!事实上，正因为这种技巧呈现的“单一性”，使演奏者更易于暴露技术上的不足。

对于技术能力较强的考生，在考试时间允许的情况下，可以选择浪漫主义作曲家的较大型作品，充分展示其全面而高深的技巧性，以及音乐表现上的驾驭能力。

六、作品的速度不符合考生能力

有些教师在选曲时，更多地考虑了作品的视谱难度，而忽略了速度这个衡量技术水平的关键因素，使学生在考试时或未能达到速度要求，或因为追求速度而达不到应有质量，从而影响分数。速度是衡量技术的重要指标之一，在质量的基础上达到一定速度是必须的;有些作品视谱上虽不困难，但其要求的速度却相当快，学生难以驾驭，这两种情况都是应当避免的。

七、选择缺乏音乐表现幅度的作品

每天都要聆听上百名考生的演奏，容易产生听觉疲劳。考生要想在考场上脱颖而出，就应该尽量选择音乐表现幅度更大，对比性更强，能给人留下深刻印象的作品。音乐形象、内容单一的作品，远比不上音乐形象生动、内容丰富而富有对比性的作品更容易获得。一首作品中如果既有非常震撼、坚定有力或生动的段落，也有非常抒情、美妙迷人的段落(考试选曲中不宜选择抒情段落篇幅太长的作品)，则容易给人留下深刻的印象。考生在演奏作品时也充分展示了力度、速度等技巧，展现出良好的乐感和音乐控制能力。

八、选择过于熟悉或过于生僻的作品

一首原本可听性很强的作品在连续听了上百次之后，必然产生审美疲劳，同时，演奏中的任何瑕疵也一览无余。因此，选择这类作品想在万人音乐高考中脱颖而出甚为困难，除非能弹得非常有把握，音乐处理非常细致准确，富有新鲜感，才能给人留下深刻印象。而对于过于生僻的作品一般也不敢打。

例如，在广东省联考中主考的有贝多芬的“悲怆”、“月光”、“热情”奏鸣曲，副考的有《欢乐的牧童》、《威尼斯船歌》、肖邦《b小调圆舞曲》、《北风吹》、《牧童短笛》、《牧民歌唱毛主席》、《瑶族长鼓舞》等。这些优秀的作品具有很强的可听性，但高考中被许多技术不太过关的考生重复选用，音乐的表现力则大打折扣。其实，作为钢琴主考，即使奏鸣曲为规定曲目，那也有大量优秀的作品可供选择，不一定个个都考“悲怆”、“热情”，贝多芬的32首奏鸣曲，舒伯特、海顿奏鸣曲等都可考虑。而钢琴作为副考，可选择范围就更大了，世界名曲不计其数，何必让所有学生都弹奏同样的曲子呢?

虽然笔者提出了上述一系列选曲的误区和原则，但为了考试中更为客观、准确地评判，建议有关负责人统一考试内容，这将有利于统一标准，减少主观因素，更客观地衡量考生的水准。

具体做法，钢琴为主考的曲目是：

考生准备好三首规定的练习曲，考试时抽考一首;

奏鸣曲快板乐章(这是广东省联考的做法，值得借鉴)。

钢琴为副考的曲目是：练习曲一首。可指定每个级别的练习曲数首，并规定每首练习曲的速度范围，考生从中自选一首作为考试曲目。考试中一律不打断(考生弹奏速度与规定速度差距大的除外)。上述做法针对各省联考。各高校单考各有不同，比如钢琴表演专业的报考曲目统一的范围是：复调作品、练习曲、奏鸣曲快板乐章和中外乐曲。这样安排有利于全面衡量考生的总体水平。

总之，无论高考及各种入学考试、比赛、音乐会，甚至平时作业的安排，选曲是相当重要的关。选曲是否恰当也很好地体现了教师教学水平的高低。慎重选曲，综合考虑学生的实际能力，使学生全面而出色地展现各方面的能力并拥有令人瞩目的闪光点，是每位教师在选曲时都应认真考虑的。

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怎样学习唱歌发声的方法

学习唱歌发声对于学习唱歌的人来说是非常重要的，怎样学习唱歌才更好的掌握呢？那么我们应该怎样学习唱歌发声呢?下面是学习啦小编为大家分享一些怎样学习唱歌发声的有效方法吧!

学习唱歌发声的方法一：打开喉咙

若想把喉咙完全打开，必须首先搞清楚用力的部位和感觉。在歌唱时如果能将喉咙完全打开，那么歌者自身的感觉应该是喉咙即有向外扩张，又有使喉结向下的力量。贝基先生说：正确地打开喉咙是感到颈部往四周扩张。要感到喉咙的的两侧的肌肉发酸，在促使喉结往下放，这才是对的。为了说明这个问题，贝基先生在课堂上常常做这样的手势，就是将两只手自两肩像推开两堵墙一样向外推，以示说明这种力量的方向和感觉。

为了找到打开喉咙的感觉和用力的部位，贝基先生在讲学中用了很多具体手段，这些手段都是比较容易体会的，而且也都是卓有成效的。歌者在练习时可以选择其中一种或几种，用多种手段去体会。

1.打哈欠是体会打开喉咙的较简单的途径。有种办法能把喉咙打开，当你困了，一面讲话一面打哈欠，这时喉咙就打开了。要防止打哈欠打得太过头了，那样会使声音太靠后。

2.找到胸部的支点有利于打开喉咙。唱歌时声音是从咳的地方发出来的。声音是从两锁骨中间那里发出来的，声音要深，声音是从喉咙较底部发出来的。

3.模仿嗓子宽的人歌唱有助于打开喉咙。模仿嗓子宽的人去唱，不要模仿那人的音色，主要模仿他的技术。做为技术无论对哪一个声部都是同一的要求。

4.不张大嘴唱歌可以迫使喉咙打开。

5.大笑和哭也有助于打开喉咙。

6.向后仰头常可以找到打开喉咙的感觉。

学习唱歌发声的方法二：寻找面罩共鸣

我认为面罩共鸣实际上是打开鼻咽腔的产物。就是说，当歌者的声音获得了充分的面罩共鸣时，他(她)的鼻咽腔是完全打开的。如果说打开喉咙是要求打开喉咽腔和口咽腔，那么，要想把声音送进面罩，还必须同时把鼻咽腔打开。所以贝基先生说：我所说的打开喉咙是要求上下左右都打开。如何做到在打开喉咽腔的口咽腔的同时，把鼻咽腔也完全打开，从而获得充分的面罩共鸣呢?我把贝基先生的做法按着我的理解，归纳为以下几种手段。

1.面带微笑声音容易进入面罩位置。贝基先生说：古代的老师教唱歌只教两件事：一是打哈欠打开喉咙;二是微笑地唱有助于声音进入面罩。就靠这两点我国历史上出现了很多优秀的歌唱家。

2.用哼唱的感觉到面罩共鸣。他说：在哪里哼就在哪里唱。当然这种哼唱必须是以完全打开的喉咙和良好呼吸支持为前提，否则是哼不到面罩里面去的。另外在哼是要尽量找到

一种晕乎乎的感觉，这说明打开了鼻咽腔真正哼到头上去了。

3，不张大嘴也有助于找到面罩共鸣。除不张大嘴外，贝基先生还要求歌者不要用嘴去控制声音或用嘴去做声音，这样往往会影响面罩共鸣。

4.小声练唱有利于找到面罩共鸣。

5.讲话时也应该尽量运用面罩共鸣。正像斯基巴说的那样：说话要像唱歌那样好听，唱歌要像说话那样自然。

练声时应该注意的一些问题

1.练声是一项艰苦的劳动

2.练声时要保持良好的歌唱状态

3.练声时要培养歌唱意识

4.练声时要力求主客观统一

5.练声要有的放矢

6.练声时不要过于追求音量

7.练声时注意力要特别集中

8.要用科学的态度练唱

看了怎样学习唱歌发声的方法的人还看：

音乐作曲专业需要掌握的基本理论知识

没年参加音乐类专业艺考的考生很多，其中不少同学报考作曲专业，那么什么是作曲专业呢?作曲专业需要掌握哪些理论知识呢?

一、曲式学

曲式是指乐曲的结构形式。有“单段体”、“两段体”、“三段体”、“变奏曲式”“奏鸣曲式”及“回旋曲式”等。各主题乐段用“A，B，…”表示。如

“两段体”的曲式图式是“AB”;“三段体”的图式是“ABA’”，第三段A’与段基本相同。儿童歌曲多为两段体甚至一段体;通俗歌曲多是三段式。而“圆舞曲”则常采用回旋曲式。

二、复调

“复调”是相对于“主调”而言。如果只有一个声部担任主题旋律，其它声部仅起衬托作用，这样的音乐叫主调音乐。如果旋律声部不只一个，且各声部横向上彼此具有独立性，纵向上构成和声关系，形成和协的有机整体，则这样的音乐叫作“复调音乐”复调音乐中，各声部的旋律依主次关系被称作“主旋律”、“副旋律”。主旋律只有一个。复调是重要的作曲技法，应用甚广，其理论基础是和声学。“赋格”是复调曲式之一，巴赫将其技巧发展成熟。

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三、对位法

对位是“复调音乐”写作技法之一。它以和声学为理论基础，使各声部既协和又相对独立。如重声合唱(三重唱，四重唱)就是用对位法写的。对位法又有“严格对位”和“模仿对位”之分。俄、德音乐理论家推崇、恪守严格对位。

四、旋律

旋律就是曲调。它是一乐曲区别于它乐曲的根本特征，好似建筑物的风格和韵律。“音素”构成“动机”，动机进一步发展成主题从而形成旋律。具体说来，一定的“音型”、“节奏型”按特定的节奏节拍规律组合形成旋律。旋律具有视觉性：它体现在旋律线(符头的连线)上。早期有些音乐家追求“旋律线的优美”，认为好的旋律视觉上也应是美的。旋律的创作一靠天才二靠灵感三靠实践。

旋律写作的技巧性是很强的，其发展手法多种多样，较为丰富。常用的发展手法有：重复，模进，模仿，紧缩，扩展，变化，对比，变奏等。多数概念的讲解要通过板示和视听。

五、配器

配器法是管弦乐的写作技法，故又称为“管弦乐法”或“乐器法”。但对于一切乐队的演奏乃至于通俗歌曲的伴奏都离不开配器的运用，因此学一点配器知识很有实用价值。

学习配器法是要解决如下问题：

1、各种乐器的发声原理，音色，音量及演奏法等。

2、各种乐器间音量上的匹配关系。

3、正确地选用乐器以求正确地表现作品的主题及风格。

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唱歌技巧：练声的五种基本方法

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