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北京艺术培训？音乐剧和歌剧的区别

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音乐剧和歌剧的区别

音乐剧和歌剧的区别_音乐剧和歌剧有什么不同

音乐剧和歌剧因为其相似性，很多人总是弄不清这两个艺术形式的区别。今天学习啦小编就来给大家讲解音乐剧和歌剧的区别。无论是从艺术学还是从文化学的角度考量，也无论是从艺术艺术构成学等层面考量，音乐剧与歌剧都有着显著的不同，二者不属于同一范畴，而是两个独立的概念。

音乐剧和歌剧的区别

无论是从艺术学还是从文化学的角度考量，也无论是从艺术艺术构成学等层面考量，音乐剧与歌剧都有着显著的不同，二者不属于同一范畴，而是两个独立的概念。

一、产生背景

歌剧产生于16世纪末的意大利，以1564年佩里和卡努奇尼采用里努奇尼的台本创作的《达芙妮》为历史上部歌剧，但是音乐没有留存下来。目前尚存的部歌剧是佩里与卡契尼根据里努奇尼的台本写的《尤利迪茜》。此后歌剧逐渐流行于欧洲各国。音乐剧产生于三百多年之后的19世纪末、20世纪初的美国纽约百老汇。二者相距大约有300多年。

左为佩里戏装画像，右为歌剧《尤利迪茜》的录音

此外，从文化背景上来看，歌剧产生于意大利文艺复兴运动前后，它以复兴古罗马、古希腊文化为标榜，以反对宗教思想、提倡人的个性解放的人文主义思想为核心，赞扬对生活的热爱、歌颂人与人间纯真的爱情。在艺术形式上，诗歌、绘画、雕塑、建筑、音乐等方面都产生了大量杰出的作品。而音乐剧则从商业的角度出发，较初是市民文化中产生。因而，从文化品质上，歌剧属于古典文化范畴，而音乐剧则属于大众文化范畴。

二、艺术构成

歌剧以声乐为主，以舞蹈及其表演为辅。歌剧中的声乐艺术属于美声唱法，主要是指起源于17和18世纪的意大利，强调自如、纯净、平稳的发声。声乐是歌剧中的重头戏，主要由咏叹调和宣叙调组成，由宣叙调展开剧情，咏叹调抒发情感。

而音乐剧则是载歌载舞、歌舞并重。其中声乐属于现代流行音乐范畴，被称为通俗唱法，它往往需要演唱者手持话筒进行演唱，它以嗓音自然质朴、亲切时尚为特点，相对于美声唱法，通俗唱法的声音训练没有太多严格的要求。音乐剧音乐部分歌曲与舞曲之间的交替与歌剧由宣叙调、咏叹调、重唱、合唱形成模式化的结构布局相区别。

从音乐素材来看，音乐剧较大的特点就是流行性。只要对美国上世纪中叶的音乐剧稍有了解，就不难发现音乐剧的音乐与当时流行音乐之间的密切联系了。事实上，许多音乐剧的音乐创作者本身就是流行音乐家。在音乐剧中，吸取诸如爵士乐、摇滚、黑人灵歌等流行元素的例子不胜枚举，这样的结果使音乐剧与时代有密切的联系，容易被更多的普通民众所接受、喜爱。音乐剧的舞蹈，也以现代舞为主，其特征如现代舞之母邓肯所说观摩自然，理解自然，然后努力表现自然。

在戏剧结构上，一般歌剧总是四幕或更多，而音乐剧则以两幕多见，歌剧在戏剧结构上更加诗化，在中场休息后，并不会特意用悬念似的手法来吸引观众。音乐剧则会用戏剧的手法在故事的要紧关头戛然而止，并吸引观众对后半场的关注。由此，剧本在音乐剧中占有重要地位，使得音乐剧剧本对于一部作品的成功有重要的作用。

音乐剧的特点

和歌剧的分别是，音乐剧经常运用一些不同类型的流行音乐以及流行音乐的乐器编制;在音乐剧里面可以容许出现没有音乐伴奏的对白;而音乐剧里面亦没有运用歌剧的一些传统，例如没有了宣叙调和咏叹调的区分，歌唱的方法也不一定是美声唱法。但音乐剧和歌剧的区分界线仍然有不少学者争议，例如格什温(Gershwin)作曲的波吉与佩斯(台湾翻译「乞丐与荡妇」)(Porgy and Bess)就曾同时被人称作歌剧、民谣歌剧(Folk Opera)和音乐剧。一些音乐剧如悲惨世界是从头到尾都有音乐伴奏，而一些轻歌剧如卡门却有对白。

音乐剧普遍比歌剧有更多舞蹈的成份，早期的音乐剧甚至是没有剧本的歌舞表演。虽然的歌剧作曲家华格纳(Richard Wagner)在十九世纪中期已经提出总体艺术(Gesamtkunstwerk)，认为音乐和戏剧应融合为一。但在华格纳的乐剧(music drama)里面音乐依然是主导，相比之下，音乐剧里戏剧、舞蹈的成份更重要。

音乐剧与歌舞片

很多音乐剧后来又被移植为歌舞片，而剧场版本和电影版本并不一定完全相同，因为剧场擅长于场面调度和较为抽象的表达形式，利用观众的想像去幻想故事发生的环境，而电影则择长于实景的拍摄和镜头剪接的运用。西城故事(West Side Story)是其中一个将舞台版本成功移植为电影版本的音乐剧，在横街小巷取景，开创了后来很多音乐电影的先河。亦有歌舞片移植为音乐剧的例子，例如万花嬉春(Singing in the Rain)是先有歌舞片，后来才被移植成音乐剧。

很多音乐剧后来又被移植为歌舞片，而剧场版本和电影版本并不一定完全相同，因为剧场擅长于场面调度和较为抽象的表达形式，利用观众的想象去幻想故事发生的环境，而电影则择长于实景的拍摄和镜头剪接的运用。西城故事(West Side Story)是其中一个将舞台版本成功移植为电影版本的音乐剧，在横街小巷取景，开创了后来很多音乐电影的先河。亦有歌舞片移植为音乐剧的例子，例如雨中曲(Singing in the Rain)是先有歌舞片，后来才被移植成音乐剧。

音乐剧擅于以音乐和舞蹈表达人物的情感、故事的发展和戏剧的冲突，有时语言无法表达的强烈情感，可以利用音乐和舞蹈表达。在戏剧表达的形式上，音乐剧是属于表现主义的。在一首曲之中，时空可以被压缩或放大，例如男女主角可以在一首歌曲的过程之中由相识变成堕入爱河，这是一般写实主义的戏剧中不容许的。

歌剧的特征

佛罗伦萨歌剧：

1. 部歌剧：是1597年上演，由利努契尼写剧本、佩里作曲的《达芙妮》(Dafne)，由于该作品的乐谱只剩下残片，所以人们通常又把1600年上演，保留完整的，由利努契尼写脚本，佩里和卡契尼作曲的《优丽狄茜》(Euridice)作为较早的一部歌剧。

2. 早期歌剧的特征：脚本以希腊神话为基础，后来又加入历史题材。音乐部分采用通奏低音形式，歌唱部分主要为吟唱的宣叙调形式，音域不宽，节奏自由，有少量的乐器伴奏，也使用合唱。

罗马歌剧：

1. 代表人物及作品：罗马作曲家卡瓦莱里(E.Cavalieri，约1550 1602)创作的《灵与肉的体现》(La rappresentazione di Anima，edi Corpo)于1600年2月上演，该剧为罗马歌剧奠定了基础。《灵与肉的体现》实际上被史学界视为清唱剧，具有歌剧的雏形，内容涉及宗教道德方面。

2. 特征：注重歌剧场面的壮观给人带来的愉悦，加入了华丽的舞台设计、机关布景和芭蕾场面，每幕都以合唱和舞蹈结束。

威尼斯歌剧：

1. 个歌剧院的建立：1637年在威尼斯建立的个歌剧院圣卡西亚诺，是歌剧从贵族沙龙和宫廷走向市民阶层。

2. 代表人物及作品：1607年，威尼斯歌剧作家蒙特威尔第完成了歌剧《奥菲欧》的创作，歌剧题材与利努契尼的《优丽狄茜》相似。在剧中，蒙特威尔第凭借他在牧歌和宗教音乐创作方面的丰富经验，结合运用16世纪的音乐宝库中的各种手段，使《奥菲欧》成为歌剧史上部真正意义上的歌剧。

3. 特点：在歌剧中大量运用咏叹调和二重唱，注重情感抒发，对美声唱法加以重视，很少用合唱形式，弦乐器家族占有重要地位，由此加强了音乐的表现力。

那不勒斯歌剧：

1. 朝正歌剧方向发展：那不勒斯是意大利歌剧发展的较后一个城市，始于17世纪末，至18世纪定型为正歌剧(Opera seria)，这种歌剧的影响力一直延伸到了19世纪。它常以虚构的历史或英雄事迹为题材，而且由于对美声的追求，使那些既具有男性的强有力肺活量又带有女性柔美明亮音色的阉人歌手盛行起来。

2. 代表人物及作品：那不勒斯乐派代表人物A.斯卡拉蒂(Alemandro Scarlati，1660 1725)在声乐抒情调的基础上创作自由发展的咏叹调(aria)，给予美声演唱以广阔施展的天地。代表作为《泰奥多拉》。

3. 特点(也是正歌剧的特点)：

1) 在内容上：多取材于古代神话和历史传说，内容严肃，与喜剧相对。

2) 在结构形式上：由原先的五幕歌剧变为紧凑的三幕结构，常在幕与幕之间穿插喜剧性的幕间剧(Intremezzo，在舞台口表演)。由极具个性的序曲(快慢快的三段形式)开场，宣叙调和返始咏叹调交替进行，极少使用重唱和合唱，也不用舞蹈。

3) 两种不同的宣叙调：一种是干念式的宣叙调，用于较长的对白或独白，独唱声部只用通奏低音伴奏;另一种是带伴奏的宣叙调，它善于表达复杂的情感，同时也在戏剧性的紧张场景中使用，独唱由乐队伴奏。

4) 返始咏叹调：这种咏叹调是ABA三段体形式，作曲家通常不再把再现的A段写出，而只在B段的结尾处标记da capo，意为从头反复，故作返始之意，并在结尾处标记Fine(意为结束)。

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音乐理论：音的产生及它的四种性质

在自然界中能为我们人的听觉所感受的音是非常多的，但并不是所有的音都可以作为音乐的材料。音乐中所使用的音并不是杂乱无章的，它们是人们在长期的音乐实践中为了表现自己的生活和思想感情而特意挑选出来的。这些音被组成为一个固定的体系，用来表现音乐思想和塑造音乐形象。

声音的产生是由物体的振动引起的。

不同物体振动时所产生的振动方式，频率不同就产生了不同的音波，音波通过不同的介质(固体、液体、气体等)传播，作用于我们的听觉系统，于是我们就听到了声音。

人耳能够听到的声音大致在每秒振动11次——20000次(每秒振动1次叫1赫兹，用Hz表示)左右这个范围之内，比这个范围少的的音波叫次声波，比该范围多的音波叫超声波，人的耳朵是听不到的。

我们在音乐中所使用的音也并不是包括在11Hz(赫兹)——20000Hz内的所有音，而是经过挑选的有一定音高差别的音。

音的四种性质

声音有高低，强弱，长短，音色等四种性质。音的四种性质，在音乐表现中都是非常重要的，但音的高低和长短则具有更为重大的意义。一首歌，不管你用人声演唱或用乐器来演奏(音色)，用小声唱或是大声唱(强弱)，虽然音的强弱及音色都有了变化，仍然很容易辨认出歌曲的旋律。但是，假如将这首歌(相对之间)的音高或音值加以改变的话，则音乐形象就会立即受到严重的破坏。因此，不管创作也好，演奏演唱也好，对音高和音值应加以特别的注意。同样，不同的音色和不同的强弱对于音乐的表现作用也是不容忽视的，音色对于音乐形象的性格描绘十分重要;强弱是表现乐感的极其重要因素。

下面分别对这四个方面加以介绍。

音色是由于发音体的材料性质、结构形状、发声方式、及其泛音的多少等不同方面来决定的。如：铜做的锣、镲与木制的梆子、木鱼所鼔击发出的声音就截然不同;铜做的号与木管吹奏所发出的声音也是截然不同的...

如：同为铜制的乐器，锣与小号的声音却不相同，这是由于发声方式不同所造成的;

如：同为木制的大管与双簧管吹出来的声音也不相同，这是由于乐器的内部结构不同而引起的;

如：同为铜管乐器的小号与大号，音色却有极大的差异，是由于乐器的何种大小不同引起不同的共鸣，泛音的多少也对音色有很大的影响。

在乐队中常常要把不同的音色混合在一起使用，形成复合音色，但由于每一个个别的乐器(或人声)有着各自不同的音色特点，我们仍能够从复合音色中分辨出不同的旋律来。在音乐中，不同的音色有不同的音乐表现特性，把握好音色的运用，对于更好地表现音乐有着十分重要的作用。

音的长短

发声体振动保持延续时间的长短就是声音的长短。延续时间长，发声的时间就长;延续时间短，发声的时间也就短。音的长短也叫做音的时值。

不同长短的音相互结合起来，就产生了音乐的节奏、节拍，被称为旋律的骨架。所以说音的长短在音乐中是十分重要的。在演唱、演奏音乐时一定要掌握好音的时值。

音的高低

声音的高低是由发声体振动的频率所决定的，不同的频率就决定了不同的音高。振动次数(赫兹)多，声音就高，反之亦然。音的高低简称为音高。

在音乐中所使用的音一般在16Hz——7042Hz之间，要比一般钢琴所包含的音域稍宽一些，而再比这些音高或低的音就失去审美意义了，所以不予使用。在音乐中音的高低是整个音乐的灵魂，，音高的变化往往会带来音乐的形象的改变;如果在演唱、演奏中有音不准，就会扰乱整个音乐的进行。

音的强弱

音的强弱是由发声体振动的大小范围(振幅)来决定的。一般来说，发声时用于振动的力量大，发声体振动的振幅就大，于是音就强，反之亦然。在音乐中，音的强弱会形成有规律的节奏、节拍重音，产生音乐的基本律动，不同的音乐风格就有不同的强弱规律;音乐情感的表达也同样离不开音乐强弱的变化。可见音的强弱是十分重要的。

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音乐艺考声乐的四大技巧

声乐不仅是一门艺术学科，而且是音乐艺考的一个考试内容。嗓子好不一定就能唱好一首歌，作为一个歌唱者，必须具备扎实的基本功——技巧训练。

那么如何才能把握好音乐艺考声乐的演唱技巧?为此，小编寻访了北京星干线艺术培训学校音乐艺考声乐的教学负责人，请其为大家分享了关于音乐艺考声乐演唱的技巧。

前列，气息的运作

用“善歌者必先调其气”来开始，呼吸对于音乐艺考声乐演唱是至关重要的。良好的呼吸支持是歌唱的动力与基础，因此在练习时也应该做严格的呼吸训练，吸气与呼气得到充分煅练，形成条件反射，做到想唱就唱，一张口，气息就已准备充足，并能控制自如;“声”与“气”必须协调平稀，气多声少或气少声多都不行;唱高音时，气息要下沉，所谓“气沉丹田”;唱中低音时，气息要略提，声音强则气要沉，要均匀，声音弱则气要稳，要柔和呼出。

第二，发声的练习

在声乐教学中，练声过程是整体教学过程中较为重要的环节，它是用于训练声乐技巧较基本、较简单的练习。就是把构成歌曲旋律较基本、较简单的动机或越剧提炼出来，配以单纯的母音或音节，在适当的音域内作伴音上行或下行移动发福练唱。正确的发声练习可以帮助大家形成正确的喉头位置，解放后头，使声带和气息密切配合，调整适度，在唱高、中、低、强弱不同的音符时都有较为理想的声音。

第三，的共鸣

除了精巧的气息，的共鸣也是非常重要的。声乐歌唱没有了共鸣，就会失去歌唱声音的艺术性，从美学的角度来讲，就不美了，从音乐的上来分析是属于“白声”。人体的共鸣器官主要有胸腔、口腔、头腔三大共鸣腔体。

第四，歌唱中的语言

奥斯汀曾说：“如果没有能获得良好的读字技巧，任何嗓音都不能算是一件真正良好的乐器。”长期以来，声乐歌唱艺术以其优美的唱腔、鲜明感人的语言，受到人们的喜爱。所以，歌唱是动感人的音乐，而其动人之处就表现在声音与情感的结合，即所讲的“声情并茂”。要达到这个要求，就必须掌握“咬字、吐字、收声归韵”的发音方法。

从以上这些声乐演唱技巧的内容和训练方法中可以得知，在歌唱发声的过程中，无论是呼吸、共鸣、练声、语言都缺一不可，每个动作的要领都是相互联系、相互促进、相辅相成的。对此，北京星干线艺术培训学校音乐艺考声乐的教学负责人建议考生，声乐较终是需要表演的艺术，作为歌曲的表演者以及歌曲中情感的传达与解释者，高水平的演唱技巧是很重要的。

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音乐艺考时手势和眼神的表现技巧

音乐专业艺考时，无论是台风还是面部表情都非常重要，有很多考生在考试时都会出现各种各样的错误，那么在音乐艺考时应该怎么表现呢?

一、音乐艺考手势的表现技巧

手势在舞台表演中有重要的作用，因为手势千变万化，而且代表着不同的含义。

重点：适当的时候自然的摆出，并且双手动作要求自然、协调、连贯，要做到随情而动。

切记：不要用的过多

手势作为表演的辅助，不可喧宾夺主，使过多的注意手部动作而忽视你的表演就不好咯!

二、音乐艺考眼神的表现技巧

眼睛是心灵的窗户，人的各种复杂、细微的感情，都能通过眼睛表达出来。