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声乐培训学校：室内乐和交响音乐的异同

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2019-07-09

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声乐培训学校:室内乐和交响音乐的异同声乐培训学校室内乐和交响音乐的异同室内乐原指西欧宫廷贵族中演奏、演唱的世俗音||乐，以区别于教堂音||乐及歌剧音||乐。十六世纪初发源于意大利，如“室内奏鸣曲”、“室内康塔塔”等。十八世纪末叶以后，室内乐是指由少数人演奏、演唱并为少数人所欣赏的音||

声乐培训学校:室内乐和交响音乐的异同

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室内乐和交响音乐的异同

室内乐原指西欧宫廷贵族中演奏、演唱的世俗音||乐，以区别于教堂音||乐及歌剧音||乐。十六世纪初发源于意大利，如“室内奏鸣曲”、“室内康塔塔”等。十八世纪末叶以后，室内乐是指由少数人演奏、演唱并为少数人所欣赏的音||乐。现今，多指各种重奏曲（有时也包括独奏曲），使用少数乐器伴奏的独唱、重唱曲等。室内乐的演奏者，需具备独奏的技巧，同时要有同别人合作的能力。

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交响音||乐它是指用管弦乐队演奏的管弦乐曲。它可以采用任何曲式谱曲（通常是中大型结构的），而较典型的曲式结构则是“交响曲”。交响曲是由三、四个乐章组成的管弦乐队演奏的模范大曲。我们不可把“交响曲”与“交响音||乐”两者混为一谈。

一、什么是交响音||乐

交响音||乐不是一种特定的体裁名称，而是一类器乐体裁的总称。这类体裁的共同特征是：

1、由大型的管弦乐队演奏；

2、音||乐内涵深刻，具有戏剧性、史诗性、悲剧性、英雄性，或者音||乐格调庄重，具有叙事性、描写性、抒情性、风俗性等；

3、有较严谨的结构和丰富的表现手段。

按照约定俗成的惯例，交响音||乐主要是指交响曲、协奏曲、乐队组曲、序曲和交响诗五种体裁。但其范畴也时常扩展到一些各具特色的管弦乐曲，如交响乐队演奏的幻想曲、随想曲、狂想曲、叙事曲、进行曲、变奏曲和舞曲等。此外，交响音||乐还包括标题管弦乐曲，如中国作曲家郑路、马洪业的《北京喜讯到边寨》等。
1、交响乐队组成形式和形成过程

交响乐队的真正形成是在近几百年内，严格来说就是在维也纳古典乐派所兴盛的时期。在这之前，交响乐队的结构组成并不完善，还只是一些编制不全的管弦乐队。如在海顿和莫扎特的创作中，乐队的编制和规模也仅仅限于室内乐特征的小型乐队。交响乐队形式和编制是在贝多芬的创作中达到较终完善的。如在贝多芬交响乐的创作中，双管或三管编制的交响乐队得到了基本确定。后来，在整个19世纪早期到晚期的浪漫主义音||乐全过程中，交响乐队编制和组合形式又得到了进一步的完善。大型四管交响乐队的出现和各种特性乐器的加入，更加丰富了交响乐队的音响和艺术表现力。这些特征在马勒、理查－施特劳斯及20世纪现代作曲家普罗菲耶夫、肖斯塔科维奇和斯特拉文斯基等人的创作中体现的由为充分。

2、交响乐队的编制

交响乐队是音||乐王国里的器乐大家族，一般来说它分为五个器乐组：弦乐组、木管组、铜管组、打击乐组和色彩乐器组。下面分组介绍各种乐器（它们都是从高音到低音的乐器）：

弦乐组：小提琴、中提琴、大提琴、倍大提琴。

木管组：短笛、长笛、双簧管、英国管、单簧管、大管。

铜管组：小号、圆号、长号、低音号。

打击乐组：定音鼓、锣、镲、铃鼓、三角铁等。

色彩乐器组：钢琴、竖琴、木琴、铝板钟琴等。

由于交响乐队采用了这么多的乐器编制，所以它有着非常丰富的表现力。交响乐队根据作品风格的需要，它又分为编制上的不同。如单管编制、双管编制、三管编制、四管编制等等。
发展历史
文艺复兴时期就有了交响乐这个说法，但当时的含义和现在完全不一样，当时的交响乐泛指的是一切多声部的音||乐。其中包括了声乐和器乐。

到了16至17世纪，交响乐用来称呼歌剧和清唱剧中的序曲和间奏曲，这时声乐已经排除在了交响乐的概念以外，“交响乐”从此成为了纯粹的器乐曲。

18世纪初，序曲和间奏曲开始脱离歌剧开始在音||乐会上单独演奏。这对交响乐的发展起了重要的作用，意大利那不勒斯的作曲家斯卡拉蒂在自己的作品中为序曲奠定了“快板－慢板－快板（舞曲风格）”的三段体式，给后来的交响乐的乐章格式建立了较基本的格式。

18世纪下半叶，德国的曼海姆乐派在序曲的创作中开创了主调音||乐的手法，提高了乐器的表现能力和音||乐的戏剧性，并在三段式序曲的基础上增加了快板的终曲，就形成了四乐章器乐套曲的雏形。

后来的三位音||乐把古典交响乐发展到了较成熟的阶段，他们是海顿、莫扎特和贝多芬。这三位把维也纳乐派和古典主义发展到了颠峰的状态，也使得交响乐进入了自己的黄金时期。贝多芬更是把交响乐的内涵和思想性发展到了一个新的境界，现代意义上的交响乐概念就在这个时期形成了。

之后欧洲的浪漫主义作曲家们在继承了古典主义的精华后，将交响乐的内容、形、乐队编制，乃至于标题，都进行了不同程度的创新。在这个时期，交响乐的形式更为自由，色彩更加丰富，表现手法也更多种多样。

进入20世纪后，交响乐仍然在不停的发展着，越来越多的新元素添加到交响乐中。气势恢弘，感情细腻，表现力无限丰富的交响乐仍然拥有大量坚定的爱好者。

经典交响曲结构如下：

乐章：奏鸣曲式，快板

第二乐章：复三部曲式或变奏曲，慢板

第三乐章：小步舞曲或者谐谑曲，中、快板

第四乐章：奏鸣曲或回旋曲式，快板

演奏交响乐的乐队是交响乐队，每个国家乃至每个城市都以拥有一支水平精湛的交响乐队而感到自豪。

室内乐

Chamber music，原意是指在房间内演奏的“家庭式”的音||乐，后引伸为在比较小的场所演奏的音||乐。在十四世纪的欧洲音||乐中，室内乐是和演唱、演奏形式正规、声音宏大的宗教音||乐相对而言的，到后来则是和交响音||乐、歌剧、舞剧音||乐相对而言。大约到十八世纪时，室内乐的概念多半和家庭生活中娱乐性的音||乐有关。后来，维也纳古典乐派的们逐步完善了室内乐中的各种体裁形式并赋予新的活力。而后的浪漫派音||乐家们又进一步发展和充实了室内乐的形式和内容。在浪漫派以后的室内乐作品中，更加注重了情感的抒发，同时具有某种“标题”的性质，有时则直接加以标题。例如柴可夫斯基的a小调钢琴三重奏《怀念一位艺术》就表现了作者对密友、钢琴家鲁宾斯坦的怀念之情。在近现代各种流派的音||乐中，室内乐更是作曲家们喜用的形式之一，这大概主要是因为各种探索性、实验性的作曲技术，通过室内乐能够更方便地被演奏和介绍给听众的缘故吧。
　　室内乐本应包括各种器乐独奏和声乐独唱，但现在，人们一般所说的室内乐常常是指由单件乐器担任独立声部的器乐重奏和声乐曲中的浪漫曲、带伴奏的重唱曲。声乐的重唱曲常见的有：男声二重唱、女声二重唱、男女声二重唱、女声三重唱、男声四重唱等。室内乐重奏曲可以是为同一种类乐器写的，如弦乐重奏、木管重奏等；也可以是为不同种类乐器而写的，

唱歌学会胸腹式呼吸很重要

呼出的气息是人体发声的动力，声音的强弱、高低、长短以及共鸣的运用和呼出气息的速度、流量和密度都有直接的关系。气流的变化关系到声音的响亮度、清晰度以及音色的优美圆润、嗓音的持久性及情趣的饱满充沛，也就是说只有在呼吸得到控制的基础上才能谈到声音的控制。呼吸的作用还不仅仅限于作为发声的动力，它还是一种极重要的表达手段，是情和声之间必经的桥梁，要使声音能够自如的表情达意，那么我们必须学会呼吸的控制和运用。

播音发声的特点决定了对呼吸控制的要求，就是能够运用胸腹联合式呼吸法调节气息，气息顺畅均匀、深浅适中、运用自如。有声语言的表达过程是在呼气过程当中完成的，所以在这里我们没有过分强调进气量大而只要求有足够的气息，关键还是在于对呼气的控制能力，控制气流以急缓、疏密、匀等各种方式呼出。人的呼吸气管是由呼吸道、肺、胸廓和有关肌肉、横隔膜和腹部肌肉组成的。呼吸方法一般可分为胸式呼吸、腹式呼吸和胸腹联合式呼吸法。

胸式呼吸气吸的比较浅而且少，腹式呼吸气虽然能吸得比较深，但是进气量不够大，而胸腹联合式呼吸法呢是胸腔、横隔膜及腹部肌肉控制呼吸的能力得到合作，不但扩大胸腔的周围径而且扩大胸腔的上下径，因而能够吸入足够的气息，气息的容量大。另外由于能够稳定的保持住两肋及横隔膜的张力和来自小腹的收缩力量形成均衡的对抗，有利于形成对声音的支持力量，这种呼吸方法容易控制呼吸，而且具有容易操纵和支持声音的能力。在我国民族声乐以及戏剧曲艺等等艺术发声当中所说的丹田气就是胸腹联合式呼吸法，它是我们播音发声中所应该采用的呼吸方法。

应该怎么样掌握胸部联合式呼吸法呢，关键在于抓住符合要领的实际感觉，并且需要在反复的练习当中加强和稳定这种感觉。吸气的时候要注意吸气要深、两肋打开、腹壁站定。这三条要领是吸气动作的分解，实际上它们是在吸气的过程当中同步进行。呼气的时候要把握住稳进、持久和变化。在换气的时候则要注意在句首换气，换了就用，留有余地和吸气无声。总起来说，我们应该把发声时呼气的控制放在首要位置，因为吸气换气都是为了呼气发声服务的。我们在吸气的时候胸廓扩张，同时胸部和腹部相隔的那层隔肌也收缩下降，腹腔里的脏器位置也下降，腹腔内压升高，腹壁稍微向外突出。相反呼气的时候，胸廓缩小，隔肌放松上升，腹腔中的内脏复位，腹壁收回。

有资料表明一个人在平静状态下呼吸活动进行的气体交换有25是来自肋骨的活动，而75是靠隔肌的活动，因此隔肌运动完成呼吸活动，对维持我们生理需求是起着举足轻重的作用。但是对呼吸起巨大作用的隔肌是不随意肌，而腹肌是随意肌。我们可以靠着腹肌的收缩来改变腹腔的内压，从而控制隔肌的升降，而这个控制过程是靠腹直肌、腹斜肌等的协同动作来完成的，而作用力的合力的中心就是我们所说的丹田了。我们能对腹肌调节控制作到适度、灵活、自如就会使呼出气息的压力、流量、流速产生多层次的交差变化，才有可能形成有弹性的发声肌能活动，才能自如的控制音长、音强、音色的变化以及控制节奏的变化和共鸣的位置，才能自如的表达传递运动当中的思想感情。

唱歌音准不好有哪些原因？

音乐的基本表现手法很多，但是较主要几个是音高，节奏，音色，速度，力度，和声等。而这里较重要的又是音高和节奏，可以说音高和节奏是一个音乐作品的根本。我们要想把一首歌曲唱好，把音高唱准，把节奏唱稳这是较根本，也是较基础的内容。没有这个东西作为保障，其他的都会逊色，而产生音准不好或者节奏不对的原因又有很多，我总结起来可能有以下几点：

（1）音乐感觉欠缺导致音准或节奏把握不好

音乐是一门听觉艺术，是艺术就会有天赋和悟性。由于大家对音乐敏感程度和感受能力不一样，所以会形成大家对音高感觉和节奏韵律认知把握的差异。这是客观存在的。因此由于辨别音高能力和节奏能力的不足，会导致自己演唱时候无法分辨和感受出自己的音高节奏。这样的情况应该说还是有的。大家可以试试这个方法：在有固定音高的乐器上随便弄出一段旋律，看你是否能模仿哼唱出来，或者打一段节奏看你能否较好的用手掌拍出来。这是一个检验自己音乐素养的方法。有这样问题的朋友主要要多听原唱作品，仔细认真的辨析歌曲音高和节奏，可以尝试多听多跟唱的方式慢慢的到了一种“曲不离口”的状态，音高和节奏就会慢慢准确起来。对于出现这个问题的朋友，需要很大的耐心和努力。但是你会在这个过程中找到一种学习音乐的乐趣！

（2）歌唱技术不到位导致音准或节奏把握不好

辨别音准和节奏的意识有了，但是没有比较正确的技术方法也会产生音高不准确和节奏不稳的毛病。比如在我大学读书就有一个同学就是鲜明的例子：他是从小学习钢琴的，钢琴技术很棒，一般从小学钢琴的人对于音高节奏的判断要强过普通人，而且在学校他的练耳也非常的好（注：练耳是一门音乐的学科，主要是训练耳朵对于音高的判断能力）但是他唱歌却老是跑调，为什么呢？！这就是因为他不是学声乐的，在唱歌技术上达不到一种好的状态，气息乱跑，扯着嗓子，当然音就不准节奏乱来了！所以有了意识还不够，还要一定的演唱技术才能达到“神形合一”。如果是这种情况的朋友就要注意多训练自己的气息和发声，使得音准和节奏能够达到心里所要求的标准！

除了以上2种情况之外，还有例如录音时因为技术问题导致耳朵听不到伴奏等等情况也会到音高节奏的问题，稍后会在下一篇文章提到。

学习唱歌应有哪些较基本的认知

一、态度

1.你想保持现状，哼哼唱唱欢喜就好，

2.还是要认真学习正确的歌唱技巧，并不断的反覆练习，以提升自己的歌艺技巧呢！

如果选择1，那本栏文章都不需要看也更无须练习，因为那只会浪费您的宝贵时间。

二、认知

歌唱概略可分为

1.艺术歌曲声乐

2.民俗歌谣、地方小曲

3.流行歌曲

你要学习的是哪一类，各自的曲风和歌曲演唱方式大大的不同，学习者不可不知。

三、想法

目前本人所言之论点皆是以流行歌曲为主，流行歌曲也有人称之为「说话式的歌唱]，目前流行歌曲可说是百家齐鸣、百花齐放，曲风林林总总各有特色，歌唱者一定要清楚了解所要唱的歌曲是属於哪一类的曲风，再以合适演唱方式诠释歌曲，这样才能引起听者的心灵共鸣。

学习唱歌

1.首先要了解歌曲的节奏律动，例如：是恰恰、SOUL、SLOW、SOUL、探戈、森巴、吉鲁巴、华尔滋、ROCK、SLOWROCK、DISCO、乡土民谣、民歌、R&B、蓝调、爵士、日式演歌------等等，认清辨别之后，再抓住其节奏，掌握注重音节拍，不可错乱，否则整首歌的演唱将会凌乱杂沓。

2.歌词的诠释，首先要了解歌词意义，再来用朗读的方式，慢慢的将歌词一字一字一句一句一段一段的大声念出来，念到熟练之后再加快速度一直练到熟能生巧，了解歌词的真谛之后，再用歌唱的方式是唱出来，并且随著歌词辞意以及自己体验出的感情，加入装饰音的技巧，如喉音、气声、顿音、沙哑、嘶吼呐喊、滑音、哽咽音、转音、颤音、抖音、倒缩音、回音、立体音、假音、真假音互换---等等发声技巧。

学唱歌时轻声歌唱来打基础

新手学唱歌，先不要期盼声音有多么的优美，流畅是较主要的。我们通过轻声的唱歌，是可以获得自然流畅的体验的。目的是为了培养大家自然唱歌的一种方式，为我们学习唱歌的过程打下坚实的基础。

每个人都希望我们的歌声非常的饱满。如果你觉着轻声唱歌那是没有力量的声音，那你就大错特错了。轻声歌唱是练习唱歌的必经阶段，通过轻声歌唱，可以把我们的发声器官进行充分的训练，才能为我们以后学习唱歌提供。我们不能忽视轻声歌唱的存在，可以通过下面的方法来进行轻声歌唱的训练：

学习唱歌

1、轻声歌唱时，由于声音很低，所以声带的压力不大，震动幅度也不高，所以不会对声带造成任何损害。

2、不能急于求成，不能刚学轻声歌唱不久，就马上又把声音提到很高。

3、刚开始学习的时候，每首歌都要用p或者mp的声音进行练习。

4、要选择适用于歌唱的歌曲来练习。

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