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唱歌辅导班：常用乐器人声均衡调节技巧

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2020-08-19

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唱歌辅导班:常用乐器人声均衡调节技巧唱歌辅导班常用乐器人声均衡调节技巧在许多情况下，一种器乐单独听起来很悦耳，但仍需进行均衡调节使之频响与其他乐器没有抵触、突出较亮丽的部分，从而融入到作品中去，这就是均衡调节的主要目的。下

唱歌辅导班:常用乐器人声均衡调节技巧

唱歌辅导班

常用乐器人声均衡调节技巧

在许多情况下，一种器乐单独听起来很悦耳，但仍需进行均衡调节使之频响与其他乐器没有抵触、突出较亮丽的部分，从而融入到作品中去，这就是均衡调节的主要目的。

下面让我们看一下常用乐器及人声均衡调节的一些诀窍：

1.底鼓(Kick Drum)：底鼓是一首歌曲里较重要的部分之一，因为它推动着节奏向前进行。这里我们讨论如何处理常见的三种底鼓：

种我称之为“80年代蓬头底鼓”，你一定熟悉的：强而有力、富含中频、含有重击的砰声，想得到这种比较怀旧的底鼓声音，可以先过滤掉60Hz以下的频率，然后根据情况在78-84Hz提升3到6dB(Q值大约为1)，使之听起来象是敲在你的胸膛上。接下来在1.5-2.5kHz提升大约6dB来增加砰声(Q值在1.5-2.5比较适合)，较后在120Hz降大约4dB(Q值1.0)。参数可以反复调节直至听起来象 White Lion 的作品。

第二种是当今较流行的 Bonham 摇滚底鼓，我通常在120-240Hz提升4dB或更多来得到这种声音，还需要过滤掉1.5kHz以上的所有频率，有时候可能需要在80Hz略降低1-2dB、在60略提升2-3dB。

还有一种现在常用的底鼓：比较空、有摩擦声，想得到这种声音，你可以过滤掉100Hz以下的所有声音，在125Hz提升大约3dB，在250-350Hz提升大约4dB。然后过滤掉2kHz以上的所有频率。

2.军鼓：目前有两种使用较广泛的军鼓类型：一种紧凑、有力，另一种松散、比较长(通常用于ballads风格的歌曲)

首先，任何军鼓都不需要150Hz以下的声音，所以把它们过滤掉。军鼓的中心频率通常在1kHz附近数百Hz的频段内，所以在这一频段提升3-6dB通常会非常有益。

对于紧凑型军鼓，你可以尝试分别提升中高频(5kHz附近)、部分高频(8-9kHz)，提升量可以从3dB开始逐渐上升，左右变化一下提升的频点直到得到理想的。过滤掉250Hz以下、11kHz以上的频率会使这种军鼓听起来很舒服。

对于松散型军鼓，需要在低端(250Hz附近)进行一些提升，我通常提升6dB。高频不用象紧凑型军鼓那样大幅提升，但在7kHz附近略作提升通常会有益处，再往上的频段可以过滤掉。关键是中频，先把提升的频点在800Hz-2kHz之间移动，找到那个能引起共鸣的频点，然后调整一下提升的幅度和Q值。对于这种军鼓，往往需要加上启动时间(attack time)较长的压缩、较重的混响来与之配合。

3.钹(cymbal)：对于这些富含高频的鼓件，可以降低4kHz以下的频率，根据情况提升高频区(10-14kHz)大约3dB。

4.沙锤(shaker), 手铃(tambourine), 手鼓(conga)、拍手(hand clap)等：沙锤(shaker)和手铃(tambourine)很相似，要明亮并且贯穿高频区，对于沙锤，我通常过滤掉2kHz以下的所有频率，略提升高频，比如在9kHz提升6dB；手铃要略带叮当声，所以我过滤掉800Hz以下的频率，在1.5或2kHz提升4dB，在7kHz略作提升。

对于手鼓(conga)，我通常用扫频的办法找到那个引起共鸣的频点，根据情况略作提升或降低。需要注意的是不能提升过多，尤其是共鸣频点较低的时候，可能与鼓和贝斯形成干扰。为了突出conga的冲击，我通常在中频(5kHz附近)略作提升，比如提升6dB。

对于拍手声，可以通过提升中低频使之厚实，通常在250Hz提升2dB(Q值1.5)。同样为了加强冲击力，可以提升中频(在1.5kHz附近提升约4dB)和高频(在8kHz附近提升2-3dB)。

5.钢琴：如果钢琴是主要乐器，只与人声或少量陪衬乐器构成音乐，这时可不必做太多调整，如果没有贝斯，我通常会略微提升低频(140Hz附近)，另外可以在高频区(8.5kHz附近)略作提升，比如3dB。

如果钢琴与其他7-8种乐器一起构成非常丰满的音乐，则需要对钢琴做一些衰减的均衡处理。由于钢琴的弹奏多集中在中音区，因此你可能需要在中频区(3或4kHz)略作衰减使之听起来不那么 honky 。过滤掉140Hz以下的频率，因为这段频率毫无疑问会与底鼓和贝斯形成干扰。在8kHz附近略作提升可以使高音键听起来更明亮。另外尽量使中频到高频的过渡自然些。

6.电贝斯：电贝斯的种类很多，处理的方法也不一样。我较喜欢的是这种贝斯：丰满、厚重、每个音符都很突出。对于这种贝斯我通常这样处理：过滤掉100Hz以下的所有频段，降低520Hz以上的频段，在260Hz提升6dB使音调变得丰满，在730Hz提升3dB来增加拨弦的噪声，然后再配合适当的压限器，就可以产生这种适用于多种音乐风格的贝斯声音了。

对于击弦贝斯(slaps and punches)，处理方法大体同上，但有两处不太一样：不必从520Hz就开始降低高频，在中频(2kHz附近)提升4-6dB突出slap声；低频过滤点可以设在50Hz，以便保持足够的隆隆声。

7.电吉他：与钢琴一样需要根据整个作品的配器来决定处理方法。如果只有一轨电吉他外加鼓与贝斯，可以让电吉他听起来响亮；如果有好几轨电吉他，另外还有钢琴、电钢琴、打击等乐器，就必须让电吉他在频谱中占据合理的位置，从而融入到音乐中。

对于种情况，只要不与贝斯发生冲突，可以尽可能的响亮，我处理那种只有一个吉他手的小型摇滚乐队时，会尽可能提升电吉他的低频，通常会在160Hz提升3dB以上，同时注意与贝斯相融合。另外根据电吉他的声音特点可以在700-800Hz稍作提升。有时需要突出中频，可以在3kHz附近提升。如果想要得到那种压碎般的声音(crunchier)，可以在高频区(7kHz)提升6dB左右。同样，把不需要的低频和高频过滤掉——这是一个好习惯，但要仔细听，以免过滤掉有用的泛音和谐音。

对于第二种大型乐队的情况，假设还有另外两把电吉他。首先过滤掉200Hz以下和9kHz以上的频率，重点是中频，可以先通过扫频来判断哪些频段需要提升、哪些频段需要衰减。我发现提升4kHz、衰减6kHz通常能取得好的，但有时却正好相反，主要取决于作品的整体要求。对于有多把电吉他同时演奏的情况，要其声音略有不同，否则听上去会非常刺耳。

8.木吉他与弦乐：对于不同的混音作品，木吉他的均衡处理会有极大的不同。

图六(抱歉在原文里没有找到图例)示范了一个与鼓、贝斯、钢琴、电吉他、打击乐以及大量人声一起演奏的木吉他均衡处理。我过滤掉了90Hz以下的所有频率，在360Hz作了少许提升。在中频、高频作了相当大的提升：在2kHz提升了10dB，在7.1kHz提升了9dB，这样处理后木吉他听起来的确比其他乐器都要明亮了。

来看图七，这首作品里除了木吉他外只有人声、少量打击乐器。为了使木吉他听起来更饱满，我把低频过滤点降低到了43Hz，在166Hz提升了3.4dB。中频提升点放到了3.1kHz，只提升了7dB，用更平滑的均衡曲线在高频区(7.1以上)提升了9dB。

弦乐的均衡处理与木吉他非常类似，在乐器很多的音乐里，我通常会过滤掉大部分低频，然后在中高频(7kHz)提升大约4dB，较后也许会在高频区(10kHz)用坡形曲线做提升来增加一些空气感。

9.铜管和木管乐器：通常中频比较突出，处理好中频非常重要。对于象小号这样的乐器，低频过滤点可以设在200Hz甚至更高，在对中频进行处理时要注意避免混浊。

对于那些低音突出的铜管乐器来说，情况正好相反，需要过滤掉高频部分，比如过滤掉9kHz以上，通常要提升中低频，比如1.5kHz附近。对于大号，记住一定要过滤掉40Hz以下的频段，以免引起某些音箱发出低频噪音。

大多数木管乐器需要突出气流声，通常可以通过提升9kHz以上的频段来达到这一目的。巴颂管可以演奏非常低的音符，所以不要过滤掉它的低频。但对大多数木管乐器来说，过滤掉低频是有益的。

10.主唱：往往需要在音乐里处于显著、靠前的位置，通常可以通过提升中频来实现。主唱是音乐较关键的部分，要求能听清每一个字又不让人感到烦扰。对于不同特点的人声，处理方法各不相同，需要通过多听来判断。

有一点必须要注意，男声和女声的处理方法有很大的不同，我前一阵刚完成一首男女声二重唱歌曲，男歌手和女歌手在同一个录音棚录音，用的都是U67话筒，但声音的差别让我大吃一惊。

我对他们分别进行了均衡处理，见图8(抱歉在原文里没有找到图例)。男声我用坡形均衡曲线在高频区提升了1dB，女声我在8.8kHz衰减了3dB。由于男歌手那天感冒了，鼻音较重，所以我在5.1kHz衰减了5dB，在7.5kHz提升了2dB。女声的低频区我分别在733Hz和283Hz提升了4dB，目的是用女声低频来补充男声。有趣的是我对男声和女声都在2.5kHz作了提升，可见提升中频对于人声来说有多重要。

11.背景人声：有两种类型的背景人声，一种是标准的高八度合唱，我通常使用与主唱相同的均衡设置；另一种是有3-4个不同声部的背景和声，声像范围跨越整个声场，这时我会使用不同的均衡设置，要让他们听起来富有空间感并且超凡脱俗：对于高声部和声，我通常过滤掉400Hz以下的频率，对于低声部和声，过滤掉100Hz以下的频率，在不丧失合唱清晰度的前提下尽可能的降低中频(1-4kHz)。在中高频和高频我做了较大提升，直到听前来犹如天使发出的声音。

12.念白：对于那种不许要与音乐相融合的念白，可以让声音尽量厚重，尽可能保留更多的低频。如果想让宣讲者的声音听起来犹如上帝般宏亮，可以根据情况提升60Hz及120Hz。然后提升7kHz附近的高频。有时需要降低一点中频，但要注意不要丧失声音的清晰度。

作品的成就与被认可这主要取决于操作者的听力、经验、知识，经验不能在课堂上传授，只有多实践、多体会、多创新。总之，在混音时千万不要忘记多转动均衡按钮！

声乐的学习与训练八

4-1１、有个在罗马得了国际金质奖的歌唱家叫曼弗来多-帕凡罗的，他说：你唱歌的时候要想到相反的方向。唱高音时，想的是较低的地方，唱低音时，上面面罩部分觉得振动。在高音时，使横膈膜控制呼吸，使这部分振动不消失。

4-1２、用元音I唱高音应该是比较容易的，容易带有头腔、鼻腔共鸣。唱i 时想到u ，这样唱起来比较圆，相反唱u 时想到i ，这样就比较亮一些，这是个小小的技巧。

4-1３、用快速的音阶练习，既能练习高低音的统一，又能练气。连慢速音阶与练快速音阶是不一样的。练慢速音阶是为了找声音位置的统一，一个音、一个音的找到声音的位置，而练快速音阶，则主要是练横膈膜肌肉，使它不偷懒。“位置”这个词，在生活中是很具体的，可是在声乐学习中往往又那么抽象。其实，声音位置在哪里，全凭人们的感觉，有人唱歌时下巴很紧，捏着嗓子唱，声音位置很低，可是，他本人认为这个声音很亮、很好。我的体会是，必须自己按要求打开喉咙、放下喉头、下巴放松、有呼吸支点，打开鼻咽腔，小声去唱，才能体会和感觉到声音的高位置。另外，你小声快速说话时，也会感觉到声音的高位置。你能不能就在这个位置上唱？

4-1４、从i 音变成o 音，要慢慢变，要学会如何用嘴里的肌肉控制这个变化。变换元音时，要在嘴部里面逐渐打开，嘴的外形不要变动太大。

4-1５、“哼鸣”是我们在生活中常见的动作，歌唱中的“哼鸣”练习同生活中的“哼鸣”动作原则上没有两样，只是要求“哼鸣”时喉头放松，把“哼”的感觉置于感叹时的呼吸上，我经常让学生练“哼鸣”，音阶是半音模进，由下而上再由上而下。检验“哼鸣”的对错，可以在“哼鸣”时看嘴巴能否随便动作而不影响声音的进行，如若不影响，就说明方法对了，这样，用“哼鸣”唱法时，嘴巴在做咬字动作和做表情动作时，就不会影响声音。“哼鸣”练习，做对了，能找到、感觉到高位置，做不对，也没有高位置。如果哼的时候，喉咙捏紧、喉头上提，不是“哼”而是“唱”的话，那么，“哼”出来的声音就在鼻子尖附近，位置一点都不高，这也是初学者常出现的问题。应当引起注意。我还在一个资料里看到了一种练习方法，这个方法叫“咀嚼哼鸣”。就是“一边哼、一边咀嚼”的练习方法，实际证明这是一个很好的练习方法。据沈湘教授介绍，苏联时期的世界歌王夏里亚平唱到40多岁，嗓子出问题了，他找了三个德国较有名望的嗓音大夫给他治疗，用的就是咀嚼疗法。

根据这个道理，我让学生做“哒啧哼鸣”的练习，具体的做法是：先练习用舌头在嘴里做出“哒”、“啧”的声音，熟练之后，再在“哒啧”的同时哼鸣。开始可以在一个音上哼，以后可以由下而上、由上而下的哼滑音，还可以用发声练习曲、用歌曲的旋律哼。对高位置的哼鸣音有了感觉之后，就要“哼到哪里就在那里唱”，实践证明：能哼多高就能唱多高。所以这是一个很有用的练习。声音位置不高、下巴紧张、舌头不灵活的人应该用这个方法好好练练，一定能取得很好的。

4-1６、寻找运用混合共鸣的方法。1、在内心确立优美动听声音概念的音色，用内心听觉指挥和控制发声机能，寻找较美、较动听的混合共鸣；2、通过正确的轻柔、和谐的哼鸣练习，体会各共鸣腔在不同音域的共鸣感觉，听辩自己的发音，通过不断调整、体会、掌握正确的混合共鸣；3、发声歌唱时，口腔应根据音的高低适度打开，原则是音域往上走，口腔上下开得越大，软颚自然向上提起、兴奋、半打哈欠，使声音，引起头腔共鸣；4、发元音的着力点，应尽量接近三个声区的集中点（鼻咽部位），使三个声区的共鸣得到衔接和灵活调整；5、在寻找运用混合共鸣中，应加强中声区的训练，使声音结实、明亮、甜美、自然、流畅。

艺术高考音乐考试笔试乐理常识部分知识点

中国民乐乐器可以分为金（钟、镈）、石（磬）、丝（琴、瑟）、竹（箫、箎）、匏（笙、竽）、土（埙、缶）、革（鼗、雷鼓）、木（柷、敔）八种。

二、中国传统音乐的分类和解释

中国传统音乐分为五大类：歌曲、歌舞音乐、说唱音乐、戏曲和器乐。或者回答：器乐、民歌、曲艺及戏曲四类

三、在西方古典音乐中有三大神剧，具体是指哪三出呢？

答：1、韩德尔的弥赛亚；2、海顿的天地创造；3、孟德尔颂的伊利亚

四、传统意义上讲的五大钢琴协奏曲具体曲目

贝多芬《第五钢琴协奏曲》

柴可夫斯基《钢琴协奏曲》

拉赫玛尼诺夫《第二钢琴协奏曲》

李斯特《钢琴协奏曲》

舒曼《a小调钢琴协奏曲》