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怎么考音乐学院,声乐音乐歌剧的产生与发展

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2020-08-19

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怎么考音乐学院,声乐音乐歌剧的产生与发展怎么考音乐学院声乐音乐歌剧的产生与发展俄罗斯音乐在欧洲尚不太为人所知道的时候，作曲家格林卡创作的《依凡·苏萨宁》及《鲁斯兰与柳德米拉》成为俄罗斯歌剧的奠基之作，对其后的歌剧发展有很大的影响，随后柴可夫斯基写出了《叶甫根尼·奥涅金》、《黑桃皇后》、里姆斯基·科萨柯

怎么考音乐学院,声乐音乐歌剧的产生与发展

怎么考音乐学院

声乐音乐歌剧的产生与发展

俄罗斯音乐在欧洲尚不太为人所知道的时候，作曲家格林卡创作的《依凡·苏萨宁》及《鲁斯兰与柳德米拉》成为俄罗斯歌剧的奠基之作，对其后的歌剧发展有很大的影响，随后柴可夫斯基写出了《叶甫根尼·奥涅金》、《黑桃皇后》、里姆斯基·科萨柯夫创作了《金鸡》、《萨特阔》，穆索尔斯基创作了《鲍黑斯·戈杜诺夫》、鲍罗廷创作了《伊戈尔王》等，都是典型的俄罗斯式歌剧，可能由于语言的原因，俄罗斯歌剧远没有意大利歌剧，德国歌剧，法国歌剧那样流行。

此外，随着歌剧的不断发展和世界文化的交流，歌剧在其他国家和地区也得到了普及和推广，一些结合本民族特点而创作的新作品不断问世，其中特别要指出的有德沃夏克的《水仙女》，斯美塔那的《被出卖的新嫁娘》等，这些作品都是世界歌剧宝库中的明珠。

随着时代的发展，20世纪初，在美国、英国又出现了一些集爵士乐、踢踏舞、喜剧性话剧和轻歌剧于一体的艺术形式——音乐剧。音乐剧表现手法灵活，音乐、舞蹈、舞台美术都很现代化、因此，很快成了二十世纪较为重要且发展得较快的一项文化成果。风靡了全世界。经典剧目有《音乐之声》《猫》《悲惨世界》《西贡小姐》等等，都已被世界艺术界广泛认可，得到了很好的票房价值，流传到世界各地。

和西洋歌剧相比，中国歌剧产生和发展得较晚，随着“五四”运动的爆发，一些新的、先进的思想，开始传入中国，当时的作曲家黎锦晖创作了一批儿童剧，如《小小画家》、《麻雀与小孩》等，这些作品可以说是我国歌剧的萌芽。1934年，田汉、聂耳创作了我国表现革命的部歌剧《扬子江风暴》，真正使我国歌剧发展起来的是在延安整风运动和毛主席的《在延安文艺座谈会上的讲话》后，掀起了盛极一时的新秧歌运动，创作了一批具有强烈时代气息和中国特点的歌剧《兄妹开荒》、《夫妻识字》、《白毛女》、《刘胡兰》等。1945年《白毛女》的问世则是我国新歌剧成型的标志。解放以后，又陆续涌现出了《小二黑结婚》《王贵与李香香》、《草原之夜》、《洪湖赤卫队》、《江姐》等一大批有影响的作品，歌剧舞台一时呈现出一派繁花似锦的崭新局面。“十年动乱”使我国的歌剧事业遭到了严重的推残。到“四人帮”被粉碎后，我国的歌剧又有了新的生机，特别是党的十一届三中全会以后，一批多种风格、多样体裁的中国歌剧出现在中国大地上，具有西洋歌剧模式的有《伤逝》、《原野》、《百个新娘》等，具有民族歌剧模式的有《党的女儿》、《木棉花开》等，这些歌剧在艺术性和时代性以及人物塑造等多方面有了相当明显的提高，中国的歌剧也日益走向成熟，慢慢发展开来。

意大利歌剧在相当长时间统治着欧洲的歌剧舞台，随着它的发展和普及，在各国音乐家的努力下，逐步形成了各种不同的歌剧流派，如意大利歌剧、德国歌剧、法国歌剧等等，但意大利歌剧始终占据着主导地位。

德国歌剧较早出现于17世纪，18世纪时汉堡歌剧已有了一定的声望，但尚未形成流派。格鲁克提倡歌剧的民族化，才使其渐渐成长起来，形成了占有一席之地的“德国民族歌剧”流派。莫扎特使德国歌剧达到了很高的艺术境界。他的《后宫诱逃》和《魔笛》已是德国歌剧的传世佳作。韦伯是德国歌剧的重要作曲家，他的《自由射手》标志着德国浪漫派歌剧的开始，乐曲曲调带有民族民间音乐的特色，合唱在全剧中起着重要作用，具有强烈的民族性。形成德国歌剧的另一个较为重要的人物是瓦格纳，他主张把所有的艺术协同起来，共同创作出一种综合性的艺术，他认为音乐应成为表达戏剧内涵的工具，为剧情服务，他提高了乐队在歌剧中的地位，他一生创作的大量作品，如《飘泊的荷兰人》、《汤豪塞》、《罗思格林》、《尼伯龙根的指环》等，都是德国歌剧的典范。

法国歌剧是从1650年，一个叫贝兰的神父创作的用法语演唱的歌剧《牧歌剧》开始的。到了19世纪20年代，法国就出现了类似于正歌剧的法国大歌剧，法国歌剧的特点还在于剧本的文字性较强，语言比较含蓄，声音也较为圆润，因而比较典雅高贵，浪漫多情，抒情性较强，称之为“抒情歌剧”，如古诺和托马的歌剧《浮士德》、《迷娘》、《罗密欧与朱丽叶》等，到后来比才的《卡门》，德彪西的《佩利亚斯与梅丽桑法》的出现，使法国歌剧达到了辉煌的顶峰。

格鲁克是歌剧史上的改革者，他提倡音乐服从戏剧的，主张歌剧的戏剧性和音乐性的统一，反对故弄玄虚的浮夸做法，主张除掉那些同戏剧和台词无关的装饰音乐。同时，格鲁克还提倡用本国语言创作，以发展各国歌剧，他的改革使歌剧通向了意大利浪漫主义的道路。

罗西尼是意大利浪漫主义歌剧的先锋，他创作了《塞维利亚的理发师》、《威廉退尔》等杰作，标志着意大利歌剧步入成熟期，与他同样有名望的作曲家有多尼采蒂、贝里尼等，他们作品的特点是演唱者不仅需要有高超的声乐技巧，而且音乐旋律也优美迷人，把歌剧艺术推到一个的高峰，迄今为止，演唱难度较大的歌剧基本上都出自这三位作曲家之手，人们还常把这一时期的歌剧称为歌剧的美声时期。

在这三位作曲家之后，意大利歌剧的主要代表人物要数威尔弟，他一生共创作了26部歌剧，几乎全部都是艺术精品，如《弄臣》、《茶花女》、《游吟诗人》、《阿依达》、《奥塞罗》等，至今仍为世界各大级歌剧院的保留剧目。

在浪漫主义时期欧洲歌剧出现了空前的繁荣，各国都涌现出了大量的优秀歌剧作品，如柏辽兹的《浮士德的沉沦》，古诺的《浮士德》，比才的《卡门》等等，到了19世纪后半叶，意大利文艺界又出现了一股抨击浪漫主义幻想，揭示人类本性真实主义的作品。如马斯卡尼的《乡村骑士》、雷昂卡瓦洛的《丑角》等，普契尼是一位带有真实主义倾向的作曲家，但他的作品抒情色彩很浓，旋律优美，舞台很好，他的作品如《卡门》、《托斯卡》也能找到真实主义风格的影子，但从整体上讲，它们也是浪漫抒情的。

歌剧是音乐声乐、戏剧、诗歌、舞台美术、舞蹈等交融于一体的综合艺术形式，是高度集中的舞台表演艺术，也是声乐艺术中难度较大，较具艺术魅力的重要艺术形式。

歌剧产生于16世纪末意大利的佛罗伦萨，它是的欧洲文艺复兴运动的产物。1597年，诗人努尼里奇，作曲家佩里卡奇尼等根据神话故事写出了世界上部歌剧《达芙内》可惜早已失传，1600年作曲家丁·佩里所写的《犹里狄茜》是西方公认的部西洋歌剧，开创了歌剧的新纪元。到17世纪上半叶（1637年）世界上座歌剧院在意大利威尼斯建立，名叫“圣卡西阿诺歌剧院”，标志着歌剧已开始走向平民百姓，加之这时的歌剧在创作上的发展与创新、使歌剧从简单的叙述形式改变为戏剧性形式，从而使歌剧向前跨进了一大步。到17世纪末，音乐发展达到了一个辉煌的时代，产生了几位划时代的大音乐家，其中包括意大利的斯卡拉蒂，法国的拉穆和德国的巴赫与亨德尔。当时在罗马影响较大的斯卡拉蒂，他一生写了115部歌剧，确定了歌剧咏叹调的ABA基本形式，并在A段反复时加上装饰音及华彩段，极大地发展了人声的歌唱艺术，丰富了歌唱的表现力，推动了歌唱技术的提高，但与此同时也带来了只顾炫耀技巧的不良风气，当时歌剧舞台上活跃着阉人歌唱家，人们挑选出一些音色优美的男孩，给他们施行阉割手术，使他们在保存高音音域的同时，保存了男子的力度；另一种不良现象是，剧院为了吸引观众，引进某些与剧情关系不大的奇特情景，豪华的布置或盛大的场面，这样做削弱了歌剧的戏剧性和思想内涵的表达，使歌剧的整体性与艺术性有所下降。

巴赫——朝向精神世界的观望

如果有人问我较喜欢及崇拜的音乐家，我会不假思索地说出巴赫，如果只能提及一位音乐家，我仍然会毫不犹豫地说出巴赫。当然提起热爱的音乐家，他们的作品可以说无法穷尽，贝多芬的伟大不可否认，莫扎特的天籁之音很难让人企及，当然还有勃拉姆斯、舒伯特、肖邦、柴科夫斯基、拉赫玛尼诺夫。但如果只能说出一个名字，那就只能是巴赫，如果让我再说出一个，那应该会是勃拉姆斯。虽然这样的说法可能很见仁见智，也不见得就有什么深刻的道理，但既然是自己主观的喜欢，也没有什么关系。

喜欢巴赫在很大程度上和几位演奏家有关，一位是大提琴家卡萨尔斯、一位是小提琴家米尔斯坦，还有两位是钢琴家古尔德与里赫特。其中卡萨尔斯和古尔德似乎和巴赫更接近，几乎是每提起巴赫的音乐，必定会提到这两位演奏家，而每提起这两位演奏家，也必定会提起巴赫的。卡萨尔斯演奏的巴赫无伴奏大提琴组曲可是说是较经典的作品，虽然当时的录音实在不敢恭维，但仍然不会影响音乐演绎的熠熠生辉。我不舍得把原版的音乐拿到车里听，就把《爱乐》随杂志送出的卡萨尔斯演奏巴赫的CD放在车里，朋友听到以后，说那声音仿佛是在锯木头一般，说得我当时真是哭笑不得。即使把原版的录音放在家里好些的音响中，那声音仍然显得偏干偏涩，而且应该说，卡萨尔斯使用的琴也不是较好的，但无论如何，首先是他完整地演出并录制了这些巴赫的无伴奏大提琴组曲，我认为也是巴赫的作品之一，使这些作品得以流传和受到人们的注意，并成为为数不多的大提琴作品中的保留曲目和经典曲目，似乎也成为了大提琴家朝圣的所在。据说卡萨尔斯在很长的时间里都保持着一个习惯，每天清晨他都会弹奏一首巴赫的平均律，作为不断贴近巴赫音乐以及对巴赫音乐保持着感觉的一种方式，而这样的方式多么象一种朝圣，是那样的虔诚，所以，透过卡萨尔斯的苍劲而又温暖的琴音，我好象真的可以和巴赫的音乐走得很近。

王健演奏的巴赫无伴奏大提琴组曲也让我觉得离巴赫音乐的精神很近。虽然王健并没有巴赫音乐特有的文化背景及宗教背景，但他对巴赫音乐所要诉说的东西却把握得那样准确：“它们不仅仅是优美，还有我们在现实世界中不能实现的理想境界。对于我来说，这是朝向另一个精神世界的观望。巴赫的音乐有很多旋律表现了中国人的生活哲学，比如谦逊、愿望不要成为欲望、喜爱但不一定占有。中国人欣赏巴赫组曲已经有很长时间了。他们尽管理解它而且喜欢它，却总是把它当作别人的东西。我认为这就是我所要做的，如果足够多的人听我演奏并说：他很像我们，我就有能力推倒这个藩篱。”

提起平均律，当然喜欢古尔德，他是较初带我听平均律，并且一下子喜欢上这个作品，甚至逐渐地越来越喜欢巴赫的位演奏家，他把巴赫的平均律弹得飞快，我也是后来才有这种感觉，因为古尔德的演奏只用了三个多小时，后来我听兰多芙斯卡用羽键琴演奏的平均律，录音竟用了五个多小时，不过不得不承认兰多芙斯卡弹奏的巴赫非常从容，一派古色古香的味道。但我仍然较喜欢古尔德的平均律，我认为他的速度，他的击键都是很恰当的，反而在听别的演奏时总嫌慢了。我还以为再也不会喜欢别人弹奏的平均律了，甚至我较喜欢的钢琴家之一季雪琴弹的平均律，也不能让我真正的欣喜。但我听到里赫特的平均律，却还是喜欢。里赫特的演奏和古尔德完全不同，有时有些不敢相信他们这是表达的同一个作品，古尔德的平均律超凡脱俗，里赫特的演绎则无论速度还是演奏方法都中规中矩，但他演奏时琴的音色似乎更透明，配合着他有些浪漫的演绎，竟也可以非常迷人，我还一直以为巴赫的平均律不适宜这样表现哩，因为它们较初是作为练习曲写的。当然，练习曲又怎么样呢，那首肖邦的练习曲第三号，被阿劳弹奏得让我的心都颤抖了起来。后来的人还给肖邦的这首练习曲加了标题：《我心中的歌》，这个标题应该是非常适合的吧。

人们往往喜欢说建筑是凝固的音乐，而音乐是流动的建筑，实际在音乐中较给人建筑感的可能就是巴赫的音乐。巴赫的音乐好象不是线性的，仅仅流泻下去，他的音乐结构感很强，仿佛每个乐思、每个旋律都是一个细节，你要等这些细节完成了，就看到组合成的气势恢宏的宫殿，在这种时候我真是有些目瞪口呆。

从前我曾经特别喜欢柴科夫斯基与拉赫玛尼诺夫的东西，喜欢那种可以让人燃烧的激情，那种深刻的忧郁，还有那种浓烈得化不开的情感。但是这些年我却越来越被巴赫音乐人文的精神所战胜、所征服，我痴迷于巴赫音乐所带给我的“朝向另一个精神世界的观望”。

高考基本能力音乐知识点—新中国的音乐家及其作品

.1、陆祖龙合唱《祖国永远是春天》《一束山茶花》独唱曲《娄山关》《心中的玫瑰》《长城永在我心上》

2、吕其明歌曲《谁不说俺家乡好》

3、秦咏诚歌曲《我和我的祖国》《我为祖国献石油》

4、施光南歌曲《祝酒歌》《在希望的田野上》《打起手鼓唱起歌》《吐鲁番的葡萄熟了》歌剧《伤逝》

5、彭修文民族管弦乐曲《彩云追月》《花好月圆》《丰收锣鼓》《瑶族舞曲》《乱云飞》

6、郭文景交响序曲《御风万里；》歌剧《狂人日记》《夜宴》；交响合唱《蜀道难》；交响诗《川崖悬葬》；

7、协奏曲《愁空山》；室内乐《戏》《甲骨文》《社火》

8、谷建芬歌曲《年轻的朋友来相会》《歌声与微笑》《烛光里的妈妈》《那就是我》

9、赵季平歌曲《好汉歌》。为电视连续剧《大宅门》《笑傲江湖》电影《大话西游》《霸王别姬》等配乐。