乐理难吗：原位和弦与转位和弦-中音阶梯音乐培训学校

当前位置：

首页 > 音乐专业知识

乐理难吗：原位和弦与转位和弦

编辑:

中音阶梯|

时间：

2020-01-02

所属栏目：

音乐专业知识|

阅读量：

乐理难吗:原位和弦与转位和弦乐理难吗原位和弦与转位和弦以根音为低音的和弦，叫做“原位和弦”以三音、五音或七音为低音的和弦，叫做“转位和弦”。（1）三和弦的转位：三和弦有两种转位。以三音为低音的三和弦，叫做转位，转位后低音（三音）到根音是六度关系。以五音为低音的三和弦，叫做第二转位，转位后低音（五音）到根音是四度关系，到三音是六度关系。（2）七和弦的

乐理难吗:原位和弦与转位和弦

乐理难吗

原位和弦与转位和弦

以根音为低音的和弦，叫做“原位和弦”

以三音、五音或七音为低音的和弦，叫做“转位和弦”。

（1）三和弦的转位：三和弦有两种转位。以三音为低音的三和弦，叫做转位，转位后低音（三音）到根音是六度关系。

以五音为低音的三和弦，叫做第二转位，转位后低音（五音）到根音是四度关系，到三音是六度关系。

（2）七和弦的转位：七和弦有三种转位。以三音为低音的七和弦，叫做转位。

以五音为低音的七和弦，叫做第二转位。

以七音为低音的七和弦叫做第三转位。

歌手速成秘笈

歌手速成秘笈（1）问：刘老师，怎样才能成为一名歌手？

答：不需要怎样，就能成为一名歌手。但需要你的嗓子能发出声来，需要你不能抽太多的烟，以免在演唱的时候被上来的一口痰卡住。当然成为一名歌手，需要做的事情不可能在这里一下说完，但只要你有这个志向，那你就可以开始了。

（2）问：学会唱歌较短需要多长时间？

答：十来分钟就行了。只要对学生说明几点：

A.要小声唱，不要大声嚷；

B.咬字要轻，像说耳语、说悄悄话，咬字不要太死太硬；

C.吐字要松，以免歌声太愣，不够委婉；

D.声音要均匀、平稳，音量不要忽大忽小。

以上是对歌唱的基本要求，要想成为一名真正的职业歌手，当然要经过学习和训练，任何事都有一个发展的过程，让我们从现在开始，以后会把课题深入。

（3）问：每天练声多长时间为好？

答：一般来说，一天练声两次，每次一至两小时。两次练声时间相隔远一些更好。如时间不允许，每天只练一次，则时间不要少于两小时，具体时间根据个人情况安排在上午、下午或晚上均可。

（4）问：练声时应注意什么？

答：首先，用小声打开嗓子，再用大声，不要持续地用大力度练声，应该大声与小声交替训练，以免声带过度疲劳。尤其是练声时间较长，更要注意大小声交替。另外，刚洗完澡声带充血，不宜练声；饭后一小时内不要练声；身体过度疲劳或生病期间不要练声。

（5）问：怎样保护嗓子？

答：保护声带较好的方法是睡眠，对歌手来说适当的增加睡眠时间是必要的。另外，平时不要长时间持续大声讲话，更不要突然喊叫。吸烟和饮酒对声带均有不同程度损害，对呼吸也不利，吸烟会生痰，在气息的压力下容易在演唱中带出，而饮酒后则会明显感到气浮气短，如不能戒掉，就要加以控制，越少越好。在饮食方面，过冷、过热或强刺激性食物对声带均有损害。

（6）问：怎样训练气息？

答：气息是支撑声音的重要基础，常用的训练方法有两种：

A.一周进行三到四次中长跑训练，每次不少于两千米，或进行登高训练如爬山、爬楼，如有条件进行游泳训练就更好。目的都是为了增加肺活量；

B.每天做三到五组深呼吸训练，每一组四到五次，每次间隔两分钟。具体练习方法是：身体自然直立，挺胸收腹，然后用较快的速度深吸一口气，要吸至小腹，然后慢速、均匀的呼出，呼出时可以出声也可以不出声，出不出声都要保持一个固定不变的口型，比如：读“依—”、“呜—”、“啊—”的口型都可以。练习时的音量不要太大，也可以闭着嘴用“哼鸣”的唱法来练习，每次呼出的时间要尽量延长，一般情况下可持续半分钟，经过练习，优秀的歌手可达到一分钟，这是一个很不错的成绩。

（7）问：音准问题如何解决？

答：的音准是人声很难达到的，只能是尽量的接近它，当然是误差越小越好。歌手们需要做的是：

A.经常在乐器（如钢琴、手风琴、吉他、电子琴等）的辅助下去练声；

B.经常按照教材进行各种音程的音准练习，熟练的掌握各种常用音程的音准。

（8）问：我的嗓子唱不高怎么办？

答：每个人都是在自己的起点上“起跑”、“奋斗”，歌手之间在音高上不必攀比。当然在先进、科学的方法指导下，经过刻苦、长期的训练，可能会增加一、两个高音，但对通俗而言实际意义并不大。因为在通俗歌坛上，应该说各种音域的嗓子有着各种不同的特色和用途，掌握和应用好自己所能达到的音域各音区所有的音，才是较重要的。

（9）问：我的嗓子声音比较暗怎么办？

答：每个人的嗓子与每个人的面孔一样都是不同的，正是这种不同形成了每个人特有的音质、音色，使我们能够区别于其他人。正像自然界中有各种不同的颜色一样，赤、橙、黄、绿、青、蓝、紫各有其不同的表现力和色彩审美上的意义。也正是这些丰富多变的颜色，构成了我们绚丽多彩的世界。声乐上也是如此，各种音色的嗓子都有其不同的表现力和音乐上的审美意义。所以，歌手掌握和发挥好自己的声音特色才是较重要的，在音色上更没有与别的歌手互相攀比的必要。

（10）问：怎样才能唱出沙哑的声音？

答：沙哑的声音对于某些种类歌曲确实很合适，粗旷、豪放、富有感染力和表现力。所以有人称这种嗓子为“金不换”。94年世界杯开幕式上那对意大利男女组合演唱的“意大利之夏”，可以说是这种“沙、嘶、劈、哑”唱法的一篇杰作，尤其是唱到较后那个五度和声结束音时，听起来像全人类在呐喊，空浩遥远，让人惊心动魄、撕裂肺腑。沙哑声音的产生主要是因为左右两条声带不对称而闭合不严所致。不对称的原因如声带某一侧有增生或小疖，或声门表面粗糙不平滑，或声带某一侧有创伤等，都可能致使声带闭合不严。原本对称的声带为什么会不对称了呢？原因也是多种多样的，有人是天生的，有人是因为在变声期用声过度，有人是因为声带长期劳损，有人是因为大量烈性烟酒的长期刺激，有人是因为硬物损伤...在以上各类情况中，多数人是因声带损伤严重而不能歌唱的，其中有少数人能够歌唱，所以对于不沙哑的嗓子来说，要想唱出沙哑的声音来，是不能按上述某种原因来操作的。比较可行的办法是利用咽音唱法来获得沙哑的。详细介绍请参见我著的《通俗唱法歌唱要领》一书（北京广播学院出版社）。

（11）问：我唱到高音时，声音变细了怎么办？

答：无论是民族、美声、还是通俗唱法，唱到较高的音区时，都要利用鼻腔与头腔的共鸣来加厚声音。即，充分打开舌根与硬腭，让大部分声流进入鼻腔和头腔，这样，高音自然就会变得宽厚而富有立体感。

（12）问：波音唱得不匀怎么办？

答：波音对歌唱是一种装饰，一种美化。当然有些歌手是不怎么用波音的，如赵传、周华健等，但多数歌手使用波音，如刘德华、张学友、张宇、张明敏、邓丽君等。作为一个初学者，还是应该全面发展，掌握这种技巧，以扩大自己的歌路。波音分喉部波音和腹部波音，一般美声、民族唱法常用喉波，通俗唱法则常用腹波。喉波主要靠喉部肌群的运动，腹波则主要靠腹部肌群的运动。具体练习方法参见《通俗唱法歌唱要领》。你提的问题带有普遍性，我认为还是练习时间不够的原因。对于初学者来说，还要大量的增加时间来练习波音技巧。只有大量地、反复地练习，才能使这一技巧稳定下来，进而使波音匀整、动听。这里向大家介绍一条我的经验，即，利用其一切可以利用的时间来练习波音技巧。人们在生活中有许多这样的零碎时间（有时还可能是大块儿的时间），如走路时，等人时，等车时，洗衣做饭时，排队购物时，到工商银行排队交交通罚款或手机费时...都可以利用起来。当然由于受场地限制不能用大声去喊，那么就闭上嘴巴用“哼鸣”的方法去练（旁边的人一般是听不见或听不清的），这些时间加起来也是很可观的，对我们的学习有很大好处。

（13）问：一个歌手成功的主要因素是什么？

答：较主要的因素是作品，它占到了80。除此以外，歌手成功还有一些相关因素，其中比较重要的是：

1.包装和宣传，再好的作品也需要宣传，就是要让人听到，再好的歌手也需要包装，要让人看到他是歌星；

2.在歌曲的演唱和制作过程中不能出现失误，如，编曲改变了歌曲的风格，或演唱没有达到应有的要求。总的来说，这几个因素是比较关键的。

（14）问：那包装重要吗？

答：当然重要。对于一般作品就显得更为重要。歌手如果想走红，其演唱的作品越差，要包装的力度就越大。但话又说回来，现在的歌坛发展很快，在包装力度恒定的情况下，歌手的实力还是起决定作用的。但是当包装的力度达到相当大的程度时，歌手也会像广告宣传商品那样具有很高度。

五线谱基础教程,听音模唱

摇滚音乐的要素（二）

在介绍音乐的第三种要素“和声”之前，不能不先谈音阶和调式方面的问题，在欣赏古曲音乐时，了解乐曲所用的调式，是相当重要的基础知识，下面先谈音阶。孤立的音是不能表达音乐思维的，彼此毫无关系的音也以表达音乐思维。能够表达音乐思维的音，往往有一定的相互关系。我们来观察国际歌的前面一段；（C调，4/4拍子）

从这八小节中找出所用的音，删去重复的音，并把1、2、4、降低八度（这样做不会改变音的特性），同时把这些音从低到高按顺序排列起来，便成为：

（唱名）1 2 3 4 5 6 7

（音名）c d e f g a b

这就是由七个音组成的音阶（scale）。因此音阶是按照音的高低顺序排列起来的一列有相互关系的音。这个七声音阶的每个音都有一定的名称，现在假定1（唱名Do）这个音是钢琴上小字组（即中央C下一组）中的C音，并把这个音阶的音在钢琴琴键上的位置画出，同时在下面注明各个音的名称，如下图：

从图可以看出，这个音阶有个特点：就是第三音和第四音之音、第七音和第八音之间的距离都是半音，而其他相邻两音间的距离都是全音，具有这种特点的音阶，称为大音阶。因为这个大音阶的主音是C音，所以就叫做C调大音阶。

上述大音阶的七个音，显然不是随意选定的，它们是按照一定关系组织起来的（这个问题在后面说明），它们以某一个音为中心（上例中是C音）组成一个体系，这个体系就叫做调式（mode），由大音阶的七个音组成的调式，称为大调式（major mode）简称大调（major）。调式体系中各个音的重要性是不同的。有几个音特别重要，其余的比较不重要，现在来看看贺绿汀的之《游击队歌》的歌谱（它原为G大调，现为了说明方便，假定它是C大调）：

我们可以清楚地感觉到1、3、5这三个音（相当于c、e、g三个音）是比较稳定的，对曲调起支柱作用。而2、4、6、7这四个音（相当于d、f、a、b四个间）是比较不稳定的，并直接间接地倾向于稳定音，几个稳定音中，又以1即c音）较为稳定。我们再来看一首美国歌曲《铃儿响叮当》的前半曲谱：

谱中在稍作停顿的地方都用了属音5，第二小节的结尾用下中音6，就给人一种尚未结束，非唱下去不可的感觉，在乐段结束处用了主音1，就显得很圆满。

总的来说，调式体系各个音中，以主音较为重要，占主导地位。属音和下属音的重要性仅次于主音，主音、属音、下属音这三个音称为稳定音，它们在乐曲中不但出现得较为频繁，而且往往起支柱作用，乐曲中常用它们开始，在乐句或乐段结尾也常用这些音，特别是整个乐曲结束时，一定要落到主音上，才显得圆满。

现在要谈一个问题：为什么大调调式中有七个音而不是六个或八个？要说明这个问题，得先从音的本质说起。实践证明，两个音同时发出，如果两个音的振动频率成为简单整数比，这两个音的组合听起来就比较和谐，例如C和C1（以C调简谱表示为1和i）两个音振动频率之比为261.6:523.2≈1:2，这是较简单的整数比，所以听起来十分和谐，几乎听不出来是两个音，其次c和g两个音（相当于1和5）相差五度，它们的振动频率比为261.6:392≈2:3，听起来也和谐，其和谐程度仅次于C和C1的组合。

从人类的唱歌实践中，如果较初只有一个音（假定为c）的话，那么后来会首先出现相差五度的g，也就是曲调只由c、g两个音组成。依次类推，从g双出现相差五度的d1, 从d1又出现相差五度的a1，从a1又出现相差五度的e，所有这些相差五度的两个音的频率之比都是2:3。以上过程，用符号表示就是：

（音名） c → g →d1 →a1 →e2

到此为止，由C出发，按每次高五度的规律，产生了g、d1、a1、e2四个音，如果把d1、a1降低一个八度（这样只是音高改变，和其他音的关系没有改变），同时把它们按由低到高顺序排列，可得到：

（音名） c d e g a

（C调唱名）1 2 3 5 6

这就构成了一个五声音阶。中国的一些民族音乐和爱尔兰的一些音乐，都是用五声调式写成的。如的爱尔兰歌曲《友谊地久天长》用的就是五声调式。如果继续按上述过程，在e2的上方再加一个相差五度的d2（e2 、d2比仍为2:3），在C的下方找出一个低五度的F（F、C频率比仍为2:3），用符号表示这个过程，得到：

（音名） F → C →g →d1 →a1 →e2→d2

按述方法，把一些音分别降低和升高八度，并重新排列，得到：

（音名） c d e f g a b

（C调唱名）1 2 3 4 5 6 7

这就完成了我们所熟悉的常用七声音阶。（在这里我们也许要问，为什么不能向上下两端推进，产生更多的音加到这个七声音阶行列中来？关于这个问题，请参阅读丘斯著“音乐的构成”第8面，此处从略）。

以上讨论的是大音阶，除大音阶以外，还有一种小音阶，现在仍然用钢琴琴键表示：

这个音阶由A音（相当C调唱名6）开始到g音（唱名5）结束，这样构成的音阶就称为小音阶，更准确地说是自然小音阶，因为它的主音是A，就称为a调小音阶。由图可以看出，小音阶的特点与大音阶不同，大音阶是第三音第四音和第七音第八音之间相差半音，而小音阶是第二音第三音和第五音第六音之间相差半音。除此之外，小音阶中的各个音的名称和作用和大音阶相同，就是说，也是主音、属音和下属音起不同程度的重要作用，它们是稳定音，是乐队的支柱，在乐句和乐段结束往往要用这些音，而整首乐曲结尾一定要用主音来结束。这些规律，都是和大音阶一致的。

上面所说的小音阶是自然小音阶，还有一种常用的小音阶，称为和声小音阶，它们是这样组成的：如果我们参照大音阶中各音之间的距离，把自然小音阶略作变动，即把第七音升高半音，使第七音与第八音的距离变为半音，这样小音阶的第七音与第八音的距离就和大音阶一致了，如图表示如下：

这就是和声小音阶，因为它决定了小调中的和声功能而得名，运用和声小音阶，可以按大音阶构成和弦的规律，构成各种小调和弦。由小音阶七个音组成的体系，就称为小调式(minor mode)，简称小调（minor）。

到现在为止，两种音阶和调式（大调和小调）都介绍过了，究竟调式有什么作用呢？作曲家在写作乐曲时，总是自觉地运用一种调式来安排每个音符。正是有了调式，使人感到乐曲是用某种音乐语言来写的，如果没有调式，就会使人觉得音乐杂乱无章，不知所云。所以调式是音乐的重要构成因素和表现手段之一，各个时期、各个国家、各个民族、各个地区都有它各自的调式，我们在听一首音乐的时候，能够分辨它是中国民族音乐，或者它是西方音乐，这主要是因为它们所用的是不同的调式。调式在音乐形象上所起的作用也是不可低估的。一般认为大调式带有明朗的色彩而小调式则比较暗淡，所以前者常用于表现欢乐、热闹的场面，往往用来写进行曲、颂歌，而后者则用来表现悲哀、死亡等场面，用来写哀歌、悲歌等等。

下面谈调性的概念。如果在调式名称之前还注上所用的主音音名，便是所谓调性(tonality)。本节开头所举的大音阶是以C为主音，所以它是C调大音阶，以这组音组成的体系是C大调式，简称C大调，注意大调性的主音音名用大写英文字母CDEFGAB表示，如E大调，G大调，英文乐曲名称往往省去“major(大调)”这个字而仅仅写“in(大写字母)”，例如“symphony in D”就是 “D大调交响曲”。前面所举的小音阶是以A音为主音，注意琴键上的A，是指这个音是在钢琴中央C以下两组（称为大字组）中的A音，不是调性记号，所以它是a调小音阶。以这组音组成的体系，就是a小调，注意小调性的主音音名常用小写英文字母cdefgab表示。如e小调、f小调等，英文乐曲名称往往省去“minor（小调）”这个字，例如“Sonata in d” 就是“d小调奏鸣曲”。

作曲家具有天赋的对调性的敏感性，普通人至多能区分大小调性的不同及感受到它所造成的音乐气氛，而作曲家甚至对不同调的相同调式具有敏感（例如能觉察d小调和e小调的不同音乐特性），因而在作曲时总是自觉地选择运用一种调性，并在作曲名称上注明该曲所用的调性。调性的变化也是作曲上一种较常用的技巧。这种技巧就是所谓“转调”，转调有两种：一种是保持原来的调式，例如从C大调转到G大调。另一种是改变原来的调式，例如从C大调转到C小调（称为同名小调）。或从C大调转到a小调（称为平行小调），作曲家运用转调的技巧，往往使“山穷水尽疑无路”，难以继续发展的局面变成“柳暗花明又一村”，从而豁然开朗，有时甚至出现戏剧化的重大转变，使乐曲的音乐形象更为丰富多彩。

除了十分短小和简单的歌曲，所有乐曲无不利用转调，如舒伯特的歌曲《菩提树》的第二段歌词就转为小调。挪威作曲家格里格的《彼尔.金特组曲》中的《索尔薇格之歌》是一首女声独唱歌曲，从忧郁哀伤的小调开始，倾泻了索尔薇格内心深处的积愫，进入第二部分后，音乐突然转入大调，歌声展现出一幅幻景，似乎她日夜想念的人就在眼前。意大利作曲家库蒂斯的歌曲《重归苏连托》，在不长的段落中，反复使用大小调的交替，使歌声显得摇摆多姿，至于器乐作品的转调例子更是俯拾即是，无法列举。

简谱乐理知识三，三连音/怎样唱准三连音/练习简谱(2)