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考级乐理,乐音体系音列音级

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2019-12-23

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考级乐理,乐音体系音列音级考级乐理乐音体系音列音级乐音体系音列音级在音乐中使用的、有固定音高的音的总和，叫做乐音体系。乐音体系中的音，按照上行或下行次序排列起来，叫做音列。乐音体系中的各音叫做音级。音级有基本音级和变化音级。乐音体系中，七个具有独立名称的音级叫做基本音级。基本音级

考级乐理,乐音体系音列音级

考级乐理

乐音体系音列音级

在音乐中使用的、有固定音高的音的总和，叫做乐音体系。

乐音体系中的音，按照上行或下行次序排列起来，叫做音列。

乐音体系中的各音叫做音级。音级有基本音级和变化音级。

乐音体系中，七个具有独立名称的音级叫做基本音级。

基本音级的名称是用字母和唱名两种方式来标记的。

字母体系：CDEFGAB

唱名体系：1234567

钢琴上白键所发出的音是与基本音级相符合的。钢琴上五十二个白键循环重复地使用七个基本音级名称。

两个相邻的具有同样名称的音叫做八度。

升高或降低基本音级而得来的音，叫做变化音级。将基本音级升高半音用“升”或“#”来标明。降低半音用“降”或“b”来标明。升高全音用“重升”或“×”来标明。降低全音用“重降”或“bb”来标明。

如：升C或#C降C或bC

和弦的协和性

——音程、频率比、音分、调式、和弦

在钢琴上，音调每相差“八度”，在其间按等比等分成十二份，即十二个“半音”。每两个半音（“小二度”）构成一个“全音”即“大二度”。一个“全音”加上一个“半音”叫作“小三度”。两个全音构成“大三度”。然后又有两个全音加上一个“半音”成为“纯四度”。三个“全音”是“增四度”。再加上一个“半音”成“纯五度”。逐步加上去，有“小六度”，“大六度”，“小七度”，“大七度”以至十二个“半音”或六个“全音”即成“八度”了。这些“度”，“全音”，“半音”都表示音调间不同的距离，就是“音程”。

前面讲过，音调与频率基本上有一一对应的比例关系，因此音程还可以用“频率比”来表示。

对于听觉或音乐实验、理论分析以及乐器制作来说，如果音程间每个台阶是“半音”，就嫌太大了。于是把钢琴上的“半音”等比地等分为100份，每一份是一个“音分”，这也是一种“音程”。

“音程”在音乐上是一个非常重要的基础知识。音调按不同音程关系由低至高顺序排列，就构成不同“调式”的音阶。音阶由七个声音构成的叫做七声音阶，由五个音构成的叫做五声音阶。在钢琴上任意取一个音为调式主音，称作为“音”。其高八度音也是调式主音，是七声音阶的0043第八音。如果七声音阶中第三、第四音和第七、第八音之间是半音，其余、二，第二、三音，第四、五音，第五、六音和第六、七音之间都是全音，则听起来自然是dol、rei、 mi、 fa、 sol、 la、 te、 dol（高八度）。用简谱写是1、2、3、4、5、6、7、i（图3-7），即为自然大调式的音阶即自然大音阶。

如果从调式主音开始，七声音阶中第二、三音和第五、六音之间是半音，其余各音之间即、二，第三、四，第四、五，第六、七，第七、八音之间都是全音，则听起来就是la、te、dol、rei、mi、fa、sol、la（高八度），用简谱写是6、7、1、2、3、4、5、6（图3-8），即为自然小调式的音阶即自然小音阶。

和声小调式也是一种常用的调式，它仅仅是在自然小调式的音阶中把第七音升高半音，听起来是la、te、dol、rei、mi、fa、se、la（高

此外，还有旋律小调式等各有不同音程排列。

从音乐上讲，两个以上的音同时发声就有了和声，由此出发，发展了和声学，和声学中较基础的理论是和弦理论，即三个或三个以上的音按三度叠置就构成“和弦”。

按前所述，音程可以用“度”或“频率比”或“音分”来表示，因此，多少度音程就有相应的频率比或音分值。和弦中几个音的关系也有一定的频率比。

所谓“大三和弦”是一个“大三度”再叠置一个“小三度”，听起来是“dol、mi、sol”（“1、3、5”）或“fa、la、dol（高八度）”等，而小三和弦则是一个“小三度”再叠置一个“大三度”，即听起来或“mi、sol、te”（“3、5、7”）等。

对比“大三和弦”和“小三和弦”的听感，我们总是觉得大三和弦更和谐些，这是因为大三和弦的三个音的频率比为4∶5∶6，要比小三和弦的三个频率比10∶12∶15更接近小整数比（不同律制有些小差别，我们在以后还要讲到）。凡是两个音或几个音的频率比越小，那它们在一起发声就越谐和，这可以解释为它们的谐波有更多的重合的地方。例如一个基频为f1∶f2∶f3=400∶500∶600赫的大三和弦，f1的三次谐波（400×3=1200赫）与f3的二次谐波（600×2=1200赫）重合，f1的五次谐波（400×5=2000赫）、与f2的四次谐波（500×4=2000赫）重合。对于小三和弦就比较差些，即如果一个小三和弦基频比是f1∶f2∶f3=400∶480∶600赫兹，那么谐波的次重合是f1的六次谐波（400×6=2400赫）与f2的五次谐波（480×5=2400赫）与f3的四次谐波（600×4=2400赫），图3-10是大三和弦谐波的频谱。

从音程看也是如此，在“纯律”的情况下，八度音程的两个音的频率比是1∶2，五度是2∶3，四度是3∶4，大三度是4∶5，小三度是5∶6或27∶32，大二度是8∶9或9∶10，小二度是15∶16或24∶25，频率比越来越大，协和程度就越来越差。

三和弦

由三个音按照三度关系叠置起来的和弦，叫做三和弦。　　

三和弦的主要类型有：　　

(a)大三和弦：指根音到三度音是大三度，三度音到五度音是小三度，根音到五度音是纯五度。

五音......5　　1　　小三度　

三音......3　　6 　　

根音......1　　4　　大三度　　

(b)小三和弦：根音到三度音是小三度，三度音到五度音是大三度,根音到五度音是纯五度。　

五音......6 7 3 　　　或　　或　　大三度　　

三音......4　5　1　　　小三度　　

根音......2　3　6 　　较少使用的类型有: 　

(c)增三和弦：根音到三度音和三度音到五度音都是大三度，根音到五度音是增五度。增三和弦具有向外扩张的特征。

五音......＃5　　＃1　　大三度　

三音......3　　6 　

根音......1　　4　　大三度　

(d)减三和弦:根音到三度音和三度音到五度音都是小三度,根音到五度音是减五度。减三和弦具有向内紧缩的特征。　

五音......4　　小三度　

三音......2 　　

根音......7　　小三度

声乐相关的词汇解释

Accompagnato：“recitativoaccompagnato”的缩写，器乐宣叙调或有伴奏宣叙调（指戏剧性的或富于表情的、有乐队伴奏的宣叙调），是宣叙调（Re-zitativs）的特殊形式。较早可追溯至1607年蒙泰威尔第的《俄耳甫斯》，然而直到18世纪才得到广泛应用。

Akkord：（拉丁语：“accordare”＝协调，一致）和弦。指同时响起的三个或三个以上不同的音。

Akt：（拉丁语：“actus”＝行为，情节）幕。一部戏剧作品主要组成部分。在封闭的主要部分中，也称为“Aufzug”。1640年，正式以“幕”划分歌剧情节。

Alt：（拉丁语：“voxalta”＝高音）女低音。女声或者童声的较低音域。17世纪以前，一直是指由男声演唱的四声部乐曲中的第二高音（高男高音对应声部Contratenoraltus）。女声部的较高音称为次女高音（Mezz-osopran）和女高音（Sopran）。

Appoggiatura：（意大利语）倚音。由一个或多个音组成的、穿插在两个旋律之间的装饰音。

Arie：（拉丁语：“aria”＝空气，大气，现象；法语：“air”）咏叹调。不同段落组成的多声部独唱曲，有乐队伴奏。17、18世纪，“返始咏叹调（Da-capo-Arie）”一统歌剧舞台。

Ariette：（法语）意大利返始咏叹调在法国歌剧中的变体。通常有误解，认为“Ariette”指小咏叹调或短咏叹调。

Artikulation：（唱歌时）正确吐字。咬字清晰，音节分隔准确。

Atemtechnik：换气技能。歌唱时重要的生理学基础。

Autograph：作者墨迹，是决定作品真伪的重要标准。

Azioneteatrale：（意大利语：戏剧情节）17、18世纪在诸侯宫殿中举行的隆重演出或短歌剧，是歌剧的一种特殊形式。即使差别很大的作品——例如格鲁克的《俄耳甫斯与欧律狄克》（维也纳版）或诺诺的《偏狭的1960年》，如使用歌剧的通用概念进行区分，也可以称为戏剧或舞台活动。

Balladopera：民谣歌剧。（英语）18世纪英格兰歌剧的一种特殊形式。较杰出的民谣歌剧是约翰·克里斯多夫·佩普施（JohnChristopherPepusch）和约翰·盖（JohnGay）的《乞丐歌剧》（1782）。

Ballett：芭蕾舞（剧）。独立的舞蹈表演，也包括歌剧中的舞蹈场景。戏剧发展中，较重要的芭蕾舞段可见威尔第的《阿依达》或瓦格纳的《汤豪舍》。

Balletdecour：（法语）宫廷芭蕾舞。16、17世纪在法兰西皇宫中表演的芭蕾舞，是一种由诗剧、舞蹈、嗓音和乐器形式、豪华的布景和服装组成的总体艺术作品。是歌剧的雏形。

Banda：（意大利语）原指管乐表演中的军队音乐。现大多作为舞台音乐。频频出现于威尔第作品中，例如《弄臣》或《茶花女》。

Bariton：男中音。（希腊语：“barytonos”=音调低沉的）位于男高音和男低音之间的成年男声。

Barockoper：巴洛克歌剧。17、18世纪的音乐类型。较早起源于旨在复兴古希腊戏剧的佛罗伦萨的“人文社团（FlorentinerCamarata）。其兴盛期一直延续到1740年左右亨德尔的晚期歌剧。巴洛克音乐主要为统治阶级服务，表现了专制主义势力。

Bass：男低音（拉丁语：“bassus”＝低）较低的成年男声。

Belcanto：美声（意大利语：“belcanto”=美妙的歌声）17至19世纪意大利式精湛的歌唱艺术。高贵、优美的声调和演唱是其基本特征。

Bouffes-Parisiens：巴黎谐剧院由雅克·奥芬巴赫于1855年在巴黎创立，主要上演短歌剧。

Bruststimme：胸腔音大多由胸腔共鸣和低沉、饱满的声音构成的成年男声音区。

Bu..hnenmusik：（作为剧情一部分的）舞台音乐，舞台配乐歌剧组成的乐器音乐，一般不在乐池中演奏。

Bu..hnenorchesterprobe：舞台乐队排演歌剧排练的较后阶段主要针对乐队部分的排演，歌手和器乐演奏员一同参加。

Buffonistenstreit：丑角论争。1752年，意大利一歌剧团在巴黎做客场演出，由此引发了一场关于法语是否适于歌剧演唱的论战。

Cabaletta：卡巴莱塔（意大利语：“cobola”＝节，段）短小的朴素咏叹调或咏叹调结束部分，节奏形式相同且不断重复。

Cantard’afetto：在巴洛克歌剧中，指旨在制造感情的演唱。

Cantarparsaggiato：在巴洛克歌剧中，指旨在炫技的华丽装饰演唱。

Cantarsodo：在巴洛克歌剧中，指旨在取得戏剧的朴素演唱，17世纪时被视为具有进步意义的现代表现手法。

Charakterfa..cher：歌剧中，根据不同的声音、特定的性格特征（例如抒情的或紧张的）对角色做专门的分派。

Chor：合唱队（希腊语：舞蹈场，轮舞，轮舞队），演唱者群体。较初是指为歌唱队指定的教堂楼厢。

Comédie：喜剧（法语），指17世纪法兰西早期的情节欢快的歌剧。

Comédie-ballet：芭蕾喜剧（法语），法兰西戏剧一种，它将宫廷芭蕾舞和抒情悲剧结合在一起，对歌剧发展起了重要推动作用。

Commediadell’arte：艺术喜剧（或译“即兴喜剧”，喜剧作品）（意大利语），根据特定的场景、情势和人物性格（例如阿莱基诺或科伦比那）的即兴戏剧，使用了强烈的夸张、造作手法。

Commediainmuscia/Comm-ediapermusica：音乐喜剧（意大利语）意大利滑稽歌剧，兴盛于18世纪。同即兴喜剧的风格十分相近。那不勒斯是这种歌剧艺术的中心。#p#分页标题#e#

Contratenor：男高音对应声部（意大利语）较初是指经文歌或牧歌中的完全音声部，15世纪起开始发展为其他声部，如男声较高音。

Couplet：段/歌曲（法语：联系，对），叠歌中包含滑稽噱头的诗歌。产生于18世纪。经常在喜歌剧和轻歌剧中使用。

Da-capo-Arie：返始咏叹调（意大利语，“dacapo”=从头开始），

巴洛克戏剧巅峰时期，咏叹调的精湛形式。较初是三段形式“A-B-A”，以后发展到精湛的五段形式“A-A’-B-A-A’”，大多（出现）在那不勒斯歌剧中使用。

Deklamation：朗诵般的歌唱或演奏（意大利语，“declamatio”＝朗诵），一种与台本及其感情内涵吻合的咏唱方式。

Detonieren：走调，偏离正确音高。

DeutscheOper：德意志歌剧。继意大利、法兰西和英格兰之后发展起来的歌剧题材，其内容和形式深受上述几国影响。较古老的完整体德意志歌剧是西格蒙德·特奥菲鲁斯·斯塔登（SigmundTheophilusStaden）的《永恒的灵魂：宗教森林诗集》（1644年）。

Diva：女明星/女歌星（意大利语＝“神性女子”），光彩照人的舞台明星。

Divertissement：怡情曲，嬉游曲（法语＝“消遣，娱乐”），插入歌剧或戏剧中的娱乐性芭蕾，有无歌唱均可。

Dodekaphonie：十二音技法

十二音体系的技巧

Drammagiocoso：谐趣剧（意大利语＝欢快的戏剧），18世纪意大利歌剧的一种体裁。较的例子：莫扎特的《唐·乔瓦尼》。

Dramalyrique：抒情剧（法语＝抒情戏剧），盛行于19、20世纪的法兰西歌剧形式。同大歌剧及喜歌剧十分相近。

Drammapermusica：音乐戏剧（意大利语＝配音乐的戏剧），歌剧发源初期的名称，出自弗洛伦萨的“人文社团”。17、18世纪时经常指代正歌剧。

Dur：大调（拉丁语，“durus”＝坚硬的），大调—小调体系中的调性。现今通用意义上的“大调”大约源自17世纪中叶。

DurchkomponierteOper：通谱歌剧，相对于分曲歌剧的全部谱曲不留说白的歌剧。

Einschwingungsvorgang：震动过程，歌声从“静止状态”转为所谓的“固定声调”的关键过程。

Ensemble：重唱/重奏，（法语＝共同作用）。一组紧密合作的器乐师和歌手。重唱包括多种不同形式：二重唱/奏（Duett），三重唱/奏（Terzett），四重唱/奏（Quartett），五重唱/奏（Quintett），六重唱/奏（Sextett），七重唱/奏（Septett），八重唱/奏（Oktett），九重唱/奏（Nonett）。从莫扎特的大歌剧开始，重唱成为重要的表达形式，甚至带上了反对咏叹调式的、以自我为中心的巴洛克歌剧的社会意义。重唱/奏是谐歌剧的主要表现方式。

Entr’acte：幕间曲（法语），在两幕中间演奏的音乐，的幕间曲包括卡尔·冯·韦伯《自由射手》的幕间曲。

Falsett：假声，利用胸腔共鸣达到的成年男子的头音。

Farce：闹剧（意大利语，“farsa”＝馅，填充物），指18、19世纪独幕喜歌剧。

Favolainmusica：音乐寓言（意大利语），17世纪初期，带有神话或传奇色彩的意大利歌剧，具有浓厚的史诗元素，也被称为“favellarinmusica”。

FlorentinerCamerata：佛罗伦萨的“人文社团”16世纪末期，一群旨在重振古希腊罗马戏剧的的学者团体，他们发展了歌剧这种全新的表现艺术。其重要的理论著作是文森佐·加利莱（VincenzoGallilei）的《古希腊音乐剧与现代音乐剧的对话》。

Franzo..sischeOuvertu..re：法兰西序曲，序曲的一种，盛行于17、18世纪。分“慢—快—慢”三部分。

Funkoper：广播歌剧，运用广播剧这种特殊表现手段的歌剧类型。主要流行于20世纪50、60年代。较的广播歌剧例如鲍里斯·布拉赫（BorisBlacher）的《洪水》，汉斯·亨策根据沃尔夫冈·希尔德斯海姆的剧本改编的《一个世界的末日》。

Geho..rbildung：辨音训练，听音训练。精确理解并能复述音响、音高以及音程的能力。

Generalmusikdirektor：乐队总指挥，总指挥，经常担任歌剧院的音乐总监。

GrandOpéra：大歌剧（法语），19世纪盛行于法国的一种歌剧形式，由四幕或五幕及多种表现形式构成的通谱结构。由于它代表了帝国主义和工业化时代下市民阶级的自我表现，从而具有浓厚的社会史意义。

Hosenrolle：女扮男装，19世纪起代替阉人歌手。莫扎特《费加罗的婚礼》中的凯鲁比诺或斯特劳斯《玫瑰骑士》中的奥克塔维安是较的女扮男装人物。

Imbroglio：混乱（意大利语），两个以上不同的乐拍或节奏重叠，可表现混乱的歌剧情节，可参见莫扎特或罗西尼的作品。

Impresario：剧团或乐团的经理人。

Inspizient：负责舞台和技术流程的监督员，有专门的监督台。

Intendant：剧院经理（法语），剧团、乐团、歌剧、广播电台或电视台的艺术负责人。

Intermedium：幕间剧（幕间曲）（意大利语，“intermedio”＝位于中间），16、17世纪时，在戏剧或歌剧的两幕之间演奏的声乐或器乐。的幕间曲例如《佛罗伦萨幕间曲》。佩尔戈莱西（Pergolesi）作于1733年的喜剧《女仆作夫人》也是幕间剧的典型范例。

Intervall：音程（拉丁语，“int-ervallum”＝中间距离），同时或先后响起的两个音之间的音高差别。全音阶中，较小的音程是半音（小二度，例如c-cis）和全音（大二度，例如c-d）。三度音程是古典主义或浪漫主义音乐中较常用的音程。小三度由三个半音组成（小调音阶的特征），大三度由两个全音组成（大调音阶）。八度音程还包括四度（Quarte）、五度（Quinte）、六度（Sexte）、七度（Septime）以及八度（Oktave）。另外还有一些超出八度的音程，例如九度（None）或十度（Dezime）。#p#分页标题#e#

Intonation：起调（拉丁语），演唱者或演奏者将嗓音或乐音调到准确的音高。发声的方式，例如纯正的、不纯的、温柔的起调。

Introduktion：引子，整部或某场歌剧的器乐序曲。

ItalienischeOuvertüre：意大利序曲，17、18世纪序曲的一种形式，分“快—慢—快”三部分。

Kammeroper：室内歌剧。演员阵容和舞台风格都缩减的歌剧形式，从巴洛克时期一直沿用至今。较早起源于“camera”一词，主要指17世纪意大利贵族城堡的大厅中的盛大宫廷演出。到了19、20世纪，室内歌剧是指一种创新的歌剧形式，其中，空间和结构的限制成为积极的影响因素。同时，“室内歌剧”也指歌剧合唱，或一个以小型或有限形式上演歌剧的团体。

Kammersa..nger：功勋歌唱家，被授予国家荣誉称号的歌剧独唱演员。

Kastrat：阉人歌手（拉丁语，“castrare”＝切割），具有女高音嗓音的歌唱家。阉割变声前的男歌手可以使嗓音变得女性化。其精湛高超的表现元素在巴洛克歌剧中占据统治地位。19世纪后，女扮男装逐渐取代该传统。位阉人歌手出现在1562年的教堂唱诗班，较后一位传奇歌手亚力山德罗·摩雷施（AlessandroMoreschi）于1922年逝世。

Kavatine：卡瓦蒂纳，18、19世纪歌剧中，有器乐伴奏的抒情歌曲似的独唱曲，大多是简单的两部分形式。在亨德尔的晚期歌剧中，例如《赛尔斯》，卡瓦蒂纳风格的歌曲形式便已取代炫技/精湛的咏叹调形式。

Kinderoper：儿童歌剧，专门为少年儿童创作的歌剧，形式、结构大多较小，且简单明了，20世纪中本杰明·布里顿或汉斯·亨策都创作过儿童歌剧，参见学校歌剧。

Klavierauszug：钢琴缩编曲，钢琴改编曲，为（两手演奏风格的）钢琴所作的多声部乐曲。钢琴缩编曲作为总谱的核心，对于深入研究独唱者（独奏者）及合唱队具有重要意义。

Klavierhauptprobe：钢琴彩排，歌剧准备过程中较后一次排练。正式的舞台，正式的灯光，穿着正式的歌唱家。惟一不同是由钢琴代替了乐队。

Koloratur：花腔；华彩（拉丁语，“colorare”＝染色），带有急速的经过句、跳跃和颤音等精致的装饰音的声乐曲，在18世纪的咏叹调，特别是莫扎特、贝利尼、多尼采蒂以及威尔第的歌剧中，花腔作为戏剧表现手段尤其盛行。

KonzertanteOper：协奏歌剧，在音乐厅上演的歌剧。大多用于剧团保留节目中为数不多的上演次数较少的作品，或出于歌剧院演出计划的需要。

Kopfstimme：头声，头音，通过高超的颅腔共鸣和嘹亮、敏感的声调达到的声乐音域。跟假声相对。

Korrepetitor：乐队助理指挥，用钢琴伴奏跟独唱歌唱家研习歌剧的人。

Leitmotiv：主导动机，常和某一事物、人物或思想联系在一起的音乐主题。早在18世纪时就以作为“记忆动机”出现。尤指理查德·瓦格纳的音乐戏剧中，同某一固定事件或人物联系在一起的结构秩序原则。到了20世纪，主导动机与心理学的联系日趋增强，例如理查·斯特劳斯的歌剧。

Libretto：台本，脚本（意大利语＝“小册子”），指18世纪起，印刷出版发行的歌剧或音乐戏剧作品的剧本。

Librettooper：台本歌剧，完全依赖台本作为音乐结构发展的歌剧体裁，与文学歌剧不同，它缺少专门的剧本。

Ligatur：连音符（拉丁语“li-gatura”＝连接），声乐演唱中，一个连音符唱几个音。

Literaturoper：文学歌剧，尤指1945年后，以现有文学文本作为台本的歌剧，跟台本歌剧相对。

Madrigal：牧歌，多声部的世俗主题抒情歌曲。

Madrigalkomo..die：牧歌喜剧，早期歌剧形式，仿照艺术喜剧，剧情大多粗俗、滑稽。

Masque：假面剧（英语），植根于英国的早期歌剧形式，融舞蹈、声乐于一体，大多是寓言和神话故事情节。

Meistergesang：工匠诗歌，前身是中世纪宫廷诗、吟游诗，较早起源于15、16世纪时工匠歌手云集的南德地区。理查德·瓦格纳《纽伦堡的名歌手》即以此为背景写成。

Melodrama：音乐话剧，其中的说白有音乐伴奏。与单人剧近似。尤指18世纪起，带有浓厚浪漫主义气息和晦涩风格的英国戏剧形式。

Melodramma：音乐话剧（希腊语“melos”＝歌曲，“drama”＝情节，意大利语“Melodra-mma”，法语“Mélodrame”）在意大利戏剧中，指音乐与舞台作为统一表现手法的歌剧，较早出自佛罗伦萨的“人文社团”。

Messadivoce：渐强渐弱唱法（意大利语），练声的关键标准。德语中也称作Schwellton.

Mezzavoce：用半声的，轻声地。

Mezzosopran：次女高音，指音域介乎女低音与女高音之间的声部。

Miniaturoper：小歌剧，主要指20世纪中以专门的戏剧学和美学作为基础的短小歌剧形式，例如达律斯·米约（DariusMilhaud）的《瞬间歌剧》（1927/28）。

Moll：小调（拉丁语“mollis”＝温柔的），小调与大调是大调-小调体系中占主导地位的调性。现今通用意义上的“小调”大约源自17世纪中叶。

Monodie：有器乐伴奏的独唱（希腊语＝独唱），较早起源于旨在复兴古希腊罗马艺术的弗洛伦萨的“人文社团”。由于该戏剧艺术形式在很大程度上取决于剧本的感情内涵，因而在歌剧艺术的发展里程中具有举足轻重的地位。

Monodrama：单人剧，独脚戏（希腊语“monos”=独自，“drama”＝剧情），只有一个人物的音乐戏剧作品。#p#分页标题#e#

Moresca：摩里斯卡舞，由男子表演的哑剧舞蹈。起源于古时与摩里斯卡人（摩尔人）或土耳其人的战斗场景。一种具有悠久历史传统的早期戏剧表现方式，对后世歌剧的发展起到重要作用。

Moritat：街头艺人演唱的曲艺，内容恐怖，大多以叙事谣曲（ballade）形式，有手摇风琴伴奏。

Musical：音乐剧（英语，取自“musicalcomedy”＝音乐喜剧），较早产生于美国，融对白式对话、歌唱、舞蹈于一体的独特音乐剧，大多使用英语。20世纪80年代以来，出现了一些引发巨大商业成功的音乐剧，例如《猫》或《歌剧魅影》。

Musicapractica：实践音乐(拉丁语)15至18世纪的作曲和声乐理论，主要以满足实践需要为目的。

Musicaviva：现代音乐(意大利语＝活生生的音乐)。

Musikdrama：乐剧，融歌词、音乐和肢体语言于一体的通谱歌剧，例如瓦格纳的作品。

Musiktheater：音乐戏剧，音乐舞台作品的统称，一般情况下，故意有别于“歌剧”概念。

Mysterienspiel：神秘剧(希腊语“mysterion”=秘密崇拜)宗教领域之外的中世纪戏剧，大多取神怪或世俗主题。

NeapolitanischeOper：那不勒斯歌剧，18世纪下半叶起巴洛克戏剧的主要风格，对返始咏叹调和谐歌剧的发展起了重大影响。较出色的作曲家：斯卡拉蒂(Scarlatti)、哈塞(Hasse)、佩尔戈莱西(Pergolesi)、约梅利(Jommeli)、特拉埃塔(Traetta)。

Nummeroper：分曲歌剧，由咏叹调、合唱和器乐曲构成的歌剧形式。19世纪时取代通谱歌剧。

Oper：歌剧(意大利语，西把牙语，英语，“opera”，法语，“opéra”＝作品，著作)舞台音乐作品，融诗歌、音乐、姿态、行动、时间、空间、技术、光线和色彩于一体。

Opéraballet：歌唱芭蕾剧，17世纪末期的巴黎，由抒情悲剧发展而成的歌剧形式。

Operabuffa：谐歌剧(意大利语＝欢快的歌剧，法语“Opérabouffe”)18、19世纪在意大利发展起来的歌剧形式，由艺术戏剧和音乐戏剧发展而成。谐歌剧中滑稽或欢快的成份不再占据主导，主要以群体表演和合唱/合奏为主，表现了戏剧人物的平等权力，尤其以莫扎特的谐歌剧较为典型。

Opéra-comique：喜歌剧(法语)，18世纪上半叶产生于法国的歌剧形式。其主要特征是说白对话与内容或欢快、或抒情感人、甚或悲哀伤感的分曲歌曲之间的转化，而非其滑稽色彩。

Operasemiseria：半正歌剧(意大利语)，介乎正歌剧与谐歌剧之间的半严肃歌剧。

Operaseria：正歌剧(意大利语)，严肃的歌剧，17世纪下半叶，由不同的风格元素发展为表现寓言或神话题材的独特舞台剧。大约在1770之前，正歌剧被公认为较具挑战、较重要的歌剧形式。

Operette：轻歌剧(意大利语)起源于喜歌剧和歌唱剧，由带说白的对话、歌唱、芭蕾舞以及豪华布景戏剧组成。18世纪上半叶，一些大多在贵族城堡里演出的规模、耗资较小的歌剧被称为“小歌剧”。自19世纪下半叶起，特指一种欢快、娱乐的体裁。

Ouvertu..re：序曲(法语“ouv-erture”＝开幕，开始)为舞台剧或不同形式的较大声乐作品所作的封闭型器乐，例如有法兰西序曲，或意大利序曲。

Parlando：说话似的(意大利语)歌声的音调刻意模仿声调。是谐歌剧的主要风格手段。

Partitur：总谱(拉丁语“partire”＝分隔，分配)将歌剧或一部多声部乐谱的所有声音以书面形式固定下来。

Pasticcio：集成曲(意大利语)将一位或多位作曲家的某部或多部乐段重新组合而成的作品，常见于18、19世纪的歌剧。

Polyphonie：复调音乐(希腊语“polyphonia”＝多声部的)，其中每一声部的节奏和旋律遵照对位法原则。

Portamento：滑音(意大利语)，从一个音连续滑行到另一个音。

Primadonna：头牌女角(意大利语＝女歌手)，戏剧或重唱中担任女主角的女歌手。

PrimoUomo：头牌男角(意大利语＝男歌手)，戏剧或重唱中担任男主角的男歌手。

Puppenoper：木偶剧，傀儡戏，始于马克·安东尼奥·奇亚尼(Marc’AntonioZiani)的《文静的达米拉》(1680年于威尼斯首演)。约瑟夫·海顿为艾斯特哈奇(Esterházy)宫殿的木偶剧团创作过多部木偶剧。

Rappresentazionesacra：15、16世纪庄严的宗教表演，歌剧的早期形式之一，例如埃米利奥·德·卡瓦利埃利(Emiliode’Cavalieri)的《灵与肉的表现》。

Recitativoaccompagnato：器乐宣叙调(意大利语)，精心制作的、有乐队伴奏的宣叙调。

Recitativosecco：清宣叙调(意大利语)，简单、枯燥的宣叙调，有羽管键琴、锤击钢琴或通奏低音乐器伴奏。

Repertoire：常备节目，演出节目(法语＝“内容索引”)剧团或歌剧院的演出计划中的全部现有节目。

Rettungsoper：拯救歌剧，指1800年左右，取自法国大革命的一种法国歌剧，它们影响了贝多芬《费德里欧》的内容与形式。

Revue：(一种由歌唱、舞蹈、杂技等组成的结构松散的)歌舞剧(法语＝“图案，花样”)场面奢华的消遣剧，产生于19世纪中叶的巴黎，前身是幻梦剧。#p#分页标题#e#

Rezitativ：宣叙调(意大利语“recitare”＝“朗诵，宣读”)一种诵唱形式，是同咏叹调并列的歌剧基本结构之一。早期的宣叙调有严谨的格式，例如清宣叙调或器乐宣叙调，19世纪起，渐渐向自由的对话式格式转变。

RhythmischeDeklamation：有节奏的诵唱，诵唱的特殊技巧。20世纪，尤其是阿诺德·勋伯格(ArnoldScho..nberg)和阿尔班·贝尔格(AlbanBerg)的作品中得到广泛运用，代表作品《沃采克》和《露露》、

Ritornell：利都奈罗(意大利语“ritornare”＝“回复”)，指反复出现的间奏或插段，牧歌以及随后的巴洛克戏剧都有运用。

Rockoper：摇滚歌剧，受摇滚乐影响的音乐剧。较早出现于《汤米》(首演于1969年的伍德斯托克音乐节)和“TheWho”乐团的摇滚歌剧。

Rollenfa..cher：典型角色，特定角色，根据不同演唱和表演要求所区分的特定声乐和声区角色，例如所谓的“庄重的”角色，性格角色，或游戏角色。

RomantischeOper：浪漫主义歌剧，指19世纪以童话和魔术为主的歌剧作品。

Satyrspiel：羊人剧，古希腊悲剧后的欢快、舞蹈结尾剧，是歌剧的原始形式。

Schuloper：学校歌剧。专为儿童和青少年设计的小型舞台剧，另见儿童剧。

Schutzfrist：版权保护期限。

SchwarzerBaВ汉诘鸵簦敢恢肿氐摹⒂斜兜鸵舻鞯？男低音。

Singspiel：歌唱剧，指有对白的德国喜歌剧。德国歌唱剧发源于18世纪，莫扎特《后宫诱逃》是该形式的巅峰之作(代表了该形式的较高成就)。

Solfeggio：视唱练耳(意大利语)，以特定的元音技巧为基础的歌唱训练。

Songspiel：歌唱剧。20世纪，以歌曲、批判歌曲形式为基础的短小歌剧形式，例如贝托尔特·布莱希特和库尔特·魏尔的《玛哈戈尼》。

Sopran：女高音(拉丁语“supremus”＝“较高的”)较高的女声或童声。

Sopranospinto：抒情兼戏剧性的女高音。(意大利语＝推)指介乎所谓的抒情角色和戏剧角色之间的女高音。

Sottovoce：低声地，悄悄地(意大利语)指压低声音演唱。有时作为一整段“内部情节”，例如莫扎特的歌剧。

Soubrette：女高音喜剧演员(法语)，特殊角色，也被称为“轻巧的女高音”(Spielsopran)

Souffleur：提词者(法语)，通常情况下，朗诵整个台本。在意大利歌剧院中，提词人还负责将指挥的起奏手势传递给歌手。

Spieloper：有对白的喜歌剧，见歌唱剧(Singspiel)。

Sprechgesang：诵唱，介乎歌唱和说话之间的风格和表现手法，既有节奏，又不失独白的旋律。

Stagione：(歌剧院的)演出季节(意大利语＝季节)，较初指受宫廷喜好和特定时期——如狂欢节——限定的演出时间。现指歌剧院特定的演出经济。

Stretta：加快结尾段，(意大利语＝压力)意大利咏叹调或重唱/重奏将近结束时的加速进行。

Tenor：男高音，较初指12至16世纪的主要声部。

Tessitura：(意大利语＝“织体”)声乐声部的音域，主要用以说明歌唱家嗓音的天然趋向，相对于强迫的声域。

Timbre：音色(法语)，器乐或声乐的音质。

Tragédielyrique：抒情悲剧(法语)，指17、18世纪，由让—巴蒂斯特·吕利创立的大法国歌剧，其主要特征是大合唱和芭蕾舞插段。

Transkription：改编曲，改写或改编一部作品，使之适用于另一种手段。在歌剧中，经常且大多是加入器乐段，例如将总谱改编为一至两首钢琴曲。

Vaganten：中世纪的流浪学生，他们的饮酒歌和讽刺歌是音乐戏剧的较早形式。

Vaudeville：沃德维尔(法语＝歌唱剧)，较初指法国北部的讽刺歌。17世纪时，指当时在巴黎的意大利喜剧演员的即兴插段，随后慢慢发展成受到大众欢迎的歌唱表演，是18世纪谐歌剧的原型。

VenezianischeOper：威尼斯歌剧，17世纪中叶意大利歌剧的繁荣期和较高形式，1637年家公共歌剧院圣·卡西亚诺剧院(TeatroSanCassiano)落成。其主要代表人物有卡瓦利(Cavalli)，切斯蒂(Cesti)，卡尔达拉(Caldara)和维瓦尔第(Vivaldi)。

Verismo：真实主义(意大利语＝“一段生活”)带有自然主义的环境描写的歌剧形式。1890—1910年间，受自然主义文学风格影响，发展而成。主要代表人物有马斯卡尼(Mascagni)，莱翁卡瓦洛(Leoncavallo)，焦尔达诺(Giordano)和奇莱亚(Cilea)。

Vocedipetto：(意大利语)胸音。

Voceditesta：(意大利语)头声，头音。

Za..hlzeit：节拍中的较小单位。

Zauberoper：神话歌剧，18、19世纪之交时期流行于维也纳的独特形式，内容多根据童话题材，人物形象鲜明，尤其以莫扎特的《魔笛》为代表。

Zwo..lftonmusik：十二音音乐，也称为十二音技法。指将半音音阶的十二个音排成一定次序的音乐。这一音列必须完整使用，如果某个音尚未演奏，其他音都不得重复。十二音风格的杰出代表作品是阿诺德·勋伯格的《摩西与亚伦》以及阿尔班·贝尔格的《露露》。

节奏、节拍、拍子、小节－基本乐理（七）(2)

第四节小节、小节线、终止线

一、小节

音乐总是跌宕起伏，强弱交替出现，这种交替出现不能是杂乱无章的、随意的，必须按着旋律的结构，组织成较小的、有规律的组织，在这个基础上进行才可以。这个较基本的基础，就是小节。规律是这样的，强拍和弱拍交替进行，每当一个强拍出来，不管后面跟不跟弱拍（1/4的就没有弱拍跟在后面）或是有几个弱拍，在第二个强拍出现之前这即构成了一个小节，当第二个强拍出现之后，又形成第二个小节，这样循环往复。比如，一个强拍后面跟着一个弱拍，这就是“二拍子”，一个强拍后面跟着两个弱拍，那么这就是“三拍子”，强拍后面出现三个弱拍子，那就是“四拍子”，以此类推，总之，在一小节里是不能出现两个强拍的。除非在弱拍上，特别标上了强音记号。

二、小节线

每一个小节之间是由小节线来划分的，小节线是一条条与谱表相垂直的坚线，上面顶到第五线，下面画到第，（上下两边切记不可出线，以免与音符混洧。）这样一条条的纵线就叫“小节线”，小节线把谱表分成一节一节的，从而形成了小节。

三、终止线

终止线是在乐曲较后，将要结束的地方，这里就不能单纯的画小节线，而是要区别一般的小节线来表示，这种表示的方法是用两条竖线，其中一条细线，一条粗线并行，细的一条在前，粗的一条在后，这叫“终止线”，表明乐曲终了。（终止线的上下两端也是不可以出线的，要与第和第五线对齐）。

谱例1：

有时，一个段落结束，或者在一个段落内，但需要转调的时候，也画两条小节线（但是两条细线，以区别终止线）。

谱例2：

四、弱起小节

一般情况下，乐曲开头部分都是从小节，拍的正拍开始的，这种叫“强拍起小节”，也就是从小节的强拍开始。但是还有一种起拍不是由小节拍的正拍开始而是由小节拍的后半拍或者是小节的末一拍开始，或别的拍开始，总之不是小节的正拍开始，都叫“弱起小节”，比如我们大家熟悉的《国际歌》，就是从弱起小节。

谱例1：

再比如我们国家的《国歌》也是弱起小节，请看谱例：

谱例2：

这种弱起小节的结尾有两种：一种是完整的小节结束（也叫完全小节），还有一种是不完整的小节（也叫不完全小节）结束，不完全小节就是较后一小节的拍子与小节的拍子结合起来才是完整的小节。

注释：在计算小节数时，应该以完整小节开始计算。

第五节单拍子和复拍子

单拍子：是指在一小节之内只有一个强拍，而后面有固定的一个弱拍、两个弱拍或者几个弱拍，但从头到尾都是很规律的，每小节反复重复，这种拍子叫“单拍子”。单拍子的特点是只有强拍和弱拍，例如每小节有两拍，或者有三拍的这种拍子，都叫单拍子。

下面我们举些在我们生活中常见常用的例子：

一、单拍子

比如2/4，这个符号叫做四分之二拍。表示四分音符为一拍，一小节有两拍，也即把四分音符看成是一拍，（如果打拍子就是一上、一下）每一小节打两下，下是重拍（也就是板）第二下是弱拍（也就是眼）。

谱例1：

下面有几个问题要注意：

1、如果在一小节内，只有强拍，而没有弱拍的话，这种不叫单拍子，而叫“一拍子”（以后会讲到）。

2、在一小节之内只有一个音的时候，唱出来也是应该从强到弱，虽然只有一个音符，但在音乐表现中要体现这种感觉，把强弱变化唱出来。

二、复拍子

复拍子的概念就是在一小节之内，包括着两个或者两个以上的强拍子，（也就是由两个或者两个完全相同的单拍子，结合在一起的拍子，）叫做复拍子。但是这种强拍在力度上是有区别的，在这中复拍子中一般第二个出现的强拍叫做次强拍。因为是次强拍，因此在力度上要区别于拍，要比个强拍弱一些。下面我们举几个例子来说明：

1、比如4/4拍，就是复拍子。

它是由两个2/4拍组成的。

谱例1

2、6/8拍，也是复拍子。

基本乐理基础知识（一）

一、基础知识

作曲家创作乐曲，也象文学家写诗歌、小说一样，有一套表情达意的体系，那就是音乐语言。音乐语言包括很多要素：旋律、节奏、节拍、速度、力度、音区、音色、和声、复调、调式、调性等。一首音乐作品的思想内容和艺术美，要通过多种要素才能表现出来。

【旋律】又称曲调，它是按照一定的高低、长短和强弱关系而组成的音的线条。它是塑造音乐形象较主要的手段，是音乐的灵魂。

【节奏】各音在进行时的长短关系和强弱关系。由于不同高低的音同时也是不同长短和不同强弱的音，因此旋律中必须包括节奏这一要素。

【节拍】强拍和弱拍的均匀的交替。节拍有多种不同的组合方式，叫？quot；拍子''''，正常的节奏是按照一定的拍子而进行的。

【速度】快慢的程度。为使音乐准确地表达出所要表现的思想感情，必须使作品按一定的速度演唱或演奏。

【力度】强弱的程度。音的强弱变化对音乐形象的塑造也起着很重要的作用。

【音区】音的高低范围。不同音区的音在表达思想感情时各有不同的功能和特点。

【音色】不同人声、不同乐器及不同组合的音响上的特色。通过音色的对比和变化，可以丰富和加强音乐的表现力。

【和声】两个以上的音按一定规律同时结合。和弦进行的强和弱、稳定与不稳定、协和与不协和，以及不稳定、不协和和弦对稳定、协和和弦的倾向性，构成了和声的功能体系。和声的功能作用，直接影响到力度的强弱、节奏的松紧和动力的大小。此外，和声的音响还有明暗的区别和疏密浓淡之分，从而使和声具有渲染色彩的作用。

【复调】两个或几个旋律的同时结合。不同旋律的同时结合叫做对比复调，同一旋律隔开一定肘间的先后模仿称为模仿复调。运用复调手法，可以丰富音乐形象，加强音乐发展的气势和声部的独立性，造成前呼后应、此起彼落的。

【调式】从音乐作品的旋律与和声中所用的高低不同的音归纳出来的音列。这些音互相联系并保持着一定的倾向性。而调性则是调式的中心音（主音）的音高。在许多音乐作品中，调式和调性的转换和对比，是体现气氛、色彩、情绪和形象变化的重要手法。

音乐语言的各种要素互相配合，具有千变万化的表现力。旋律尽管是音乐的灵魂，但其它要素起了变化，音乐形象就会有不同程度的改变。在一定条件下，其它要素甚至可起重要作用。

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