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音乐培训心得,高音上不去？声音不够大？总是嗓子疼？以下为小编总结的正确的发声方法，送给正在学声乐的你。

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2019-11-25

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音乐培训心得,高音上不去？声音不够大？总是嗓子疼？以下为小编总结的正确的发声方法，送给正在学声乐的你。音乐培训心得高音上不去？声音不够大？总是嗓子疼？以下为小编总结的正确的发声方法，送给正在学声乐的你。1首先，如何打开喉咙？若想把喉咙完全打开，必须先搞清楚用力的部位和感觉。在歌唱时如果能将喉咙完全打开，那么歌者自身的感觉应该是喉

音乐培训心得,高音上不去？声音不够大？总是嗓子疼？以下为小编总结的正确的发声方法，送给正在学声乐的你。

音乐培训心得

高音上不去？声音不够大？总是嗓子疼？以下为小编总结的正确的发声方法，送给正在学声乐的你。

1首先，如何打开喉咙？

若想把喉咙完全打开，必须先搞清楚用力的部位和感觉。在歌唱时如果能将喉咙完全打开，那么歌者自身的感觉应该是喉咙即有向外扩张，又有使喉结向下的力量。“正确地打开喉咙是感到颈部往四周扩张。”“要感到喉咙的的两侧的肌肉发酸，在促使喉结往下放，这才是对的。”为了说明这个问题，你可以常常做这样的手势，就是将两只手自两肩像推开两堵墙一样向外推，以示说明这种力量的方向和感觉。

为了找到打开喉咙的感觉和用力的部位，有很多具体手段，这些手段都是比较容易体会的，而且也都是卓有成效的。歌者在练习时可以选择其中一种或几种，用多种手段去体会。

1．打哈欠是体会打开喉咙的较简单的途径。“有种办法能把喉咙打开，当你困了，一面讲话一面打哈欠，这时喉咙就打开了。”“要防止打哈欠打得太过头了，那样会使声音太靠后。”

2．找到胸部的支点有利于打开喉咙。“唱歌时声音是从咳的地方发出来的。”“声音是从两锁骨中间那里发出来的，声音要深”，“声音是从喉咙较底部发出来的。” 3．模仿嗓子宽的人歌唱有助于打开喉咙。“模仿嗓子宽的人去唱，不要模仿那人的音色，主要模仿他的技术。做为技术无论对哪一个声部都是同一的要求。” 4．不张大嘴唱歌可以迫使喉咙打开。 5．大笑和哭也有助于打开喉咙。 6．向后仰头常可以找到打开喉咙的感觉。以上介绍的是经常采用的一些打开喉咙的手段，歌者可以针对自己存在的问题，有选择地灵活运用。除此之外，当喉咙完全打开时，在歌唱时会感到头部有一种向前和向上顶的力量，即在某种程度上有梗脖子的感觉。

美国男中音歌唱家Sherrill Milnes在谈到纠正某些歌者在歌唱中头和下巴的状态不够自然时，主张将双手十指交叉，放在头部的后上方，在歌唱时轻轻用力向前搬，而头部又轻轻向后仰，这时头和下巴便处于歌唱时的状态。

还有一种感觉是非常重要的，就是当喉咙完全打开时，歌者在歌唱时会感到喉咙似乎不复存在了，只有气息的支持和响亮的面罩共鸣是歌者能明显感觉得到的，就是“歌唱时只有横膈膜和面罩发生接触”。就是说，完全打开的喉咙似乎是一个畅通无阻的通道，声音在这里不会受阻，而是送进了上面的面罩，这虽然是一种感觉和想象，但似乎也是客观存在的事实。这种感觉是世界上许多歌唱家都认可，并非常强调的，所以歌者一定要努力寻求这种感觉，只有这样喉咙才是完全打开的。

2如何寻找面罩共鸣？

面罩共鸣实际上是打开鼻咽腔的产物。就是说，当歌者的声音获得了充分的面罩共鸣时，他的鼻咽腔是完全打开的。如果说打开喉咙是要求打开喉咽腔和口咽腔，那么，要想把声音送进面罩，还必须同时把鼻咽腔打开。如何做到在打开喉咽腔的口咽腔的同时，把鼻咽腔也完全打开，从而获得充分的面罩共鸣呢？可以有以下几种手段。

1．面带微笑声音容易进入面罩位置。古代的老师教唱歌只教两件事：一是打哈欠打开喉咙；二是微笑地唱有助于声音进入面罩。就靠这两点历史上出现了很多优秀的歌唱家。

2．用哼唱的感觉到面罩共鸣。当然这种哼唱必须是以完全打开的喉咙和良好呼吸支持为前提，否则是哼不到面罩里面去的。另外在哼是要尽量找到一种晕乎乎的感觉，这说明打开了鼻咽腔真正哼到头上去了。

3，不张大嘴也有助于找到面罩共鸣。除不张大嘴外，还要求歌者不要用嘴去控制声音或用嘴去做声音，这样往往会影响面罩共鸣。

4．小声练唱有利于找到面罩共鸣。

5．讲话时也应该尽量运用面罩共鸣。正像斯基巴说的那样：“说话要像唱歌那样好听，唱歌要像说话那样自然。”

关于高音问题

1．“唱高音之前必须做好充分准确，这个高音的印象早就印在你的脑子里了。”这句话包括两个方面的内容。其一，在你的头脑里必须树立起正确的声音形象，其二，唱高音之前，发声器官的各个部位，如横膈膜的支持、喉结的位置和面罩共鸣等，都要做好将要积极工作的准备。

2．声音的动作与音高正好是相反的。就是说，越往高音唱，歌唱发声器官某些部位的动作与感觉越要往下。我们把这种反向动作概括为三个方面，唱高音时别用外在的力量往上冲，而是用内在的力量：一是喉结两侧的肌肉将喉结往下拉；二是横膈膜有力的控制呼吸；三是头别往前伸，也别仰头，而应略低头。

3．高音较需要面罩共鸣。

4．唱高音要有自信感。

注意事项

1．练声是一项艰苦的劳动 2．练声时要保持良好的歌唱状态 3．练声时要培养歌唱意识 4．练声时要力求主客观统一 5．练声要有的放矢 6．练声时不要过于追求音量 7．练声时注意力要特别集中8．要用科学的态度练唱

歌唱发声练习的步骤

歌唱发声基本功的练习，一般按音域进展的规律，可分为三个阶段进行。

阶段

以中声区训练为基础，掌握基本的发声方法，调节和锻炼肌肉以适应歌唱技术的需要。无论哪一个声部，都应该从中声区开始训练。练中声区的音相对巩固后再逐步扩大音域，要知道声乐学习要从基础入手，中声区是歌唱嗓音发展的基础，基础必须打得扎实，要记住“欲速则不达”的道理。

第二阶段

是中声区的基础上，适当扩展音域，加强气息与共鸣的配合训练，练好过渡声区（即换声区的训练），为进入头声区的训练打好基础。第二阶段的练习是关键的一环，需要花费的时间相对也比较长，但千万要有耐心和信心，不要急于唱高音，要沉得住气，等这段音域巩固后，再进入高声区的练习

第三阶段

即高声区的练习可以在比较巩固上两个阶段的基础上加强音量音高的训练，进一步扩大音域，做较复杂的发声练习，使各声种达到理想的音高范围。这了阶级的练习要特别注意高、中、低三个声区的统一，音的过渡不要发生裂痕和疙瘩，重点是加强头声区的训练，获取高位置的头腔共鸣，从而达到统一声区的目标。这样我们歌唱发声的乐器基本制造完毕，可以唱一般难度较大的歌曲了。

歌唱发声练习曲

练习曲的练习，是发声歌唱的重要的基础训练。练声曲可以用各个母音或混合母音或子母音混合音，也可以用音阶的音名1234567等等来练唱，也可以在练声曲上安排歌词来练习叫带词练习。发声练习过程中，是以声音和发声器官肌肉适度的标准去调整发声器官的机能和状态的，每个人的发声器官的构造、嗓音条件、声音类型、发声习惯各不相同，因此，并不是每一种类型的练习都必须唱，而是有计划、有针对性地进行选择练习，而且不同的学习阶段，选择的发声练习也是不同的，但一般情况下，开始的练习总是选择元音和比较平稳的音阶开始练声。一般来说选择“o”或者“u”之类的比较圆润的元音开始着手练习，因为这些元音容易形成需要的空间，比较容易保持喉咙打开的基本状态，也比较容易形成喉咙空间的状态。但这也不是的，唱歌者应根据自己的感觉找到较适合自己的母音来练习。我们在练习中要多动脑子，善于思考，千万不能一个劲地傻唱。

1、“哼鸣”的基本练习

一般在开始练声时，先练练“M”是有益的，因为发这个音容易达到高位置和靠前、明亮、集中的。练习哼鸣时首先上下唇自然地闭上、口腔内部要打开，好象闭口打哈欠的感觉，感到声音向高位、额窦、鼻窦处扩展，但切勿把声音堵塞在鼻腔里，否则会发出鼻音。

2、母音的练习

除进行哼鸣练习外，更多地是进行母音的练习，如a，i，o，u，e等单母音练习，也可用混合母音练习如ma，me，mi，mo，mu等等。

3、连音练习

人们常说：“不会连贯就不会歌唱。”歌唱声音的主要表现力就在于声音的连贯优美，只有连贯的声音才能唱出动人的旋律线来。为了使声音有更多的连贯性，可以将练习的音域相对拉宽些，练习也可以随之难度更大些。

4、顿音练习

顿音唱法又称为断音唱法。要求唱得清晰，短促，灵活，富有弹性，集中感强。练习时要注意一字一音的灵活性和一字一音的连贯性。

5、连音和顿音结合的练习

在基本掌握了连音和顿音唱法的基础上，可以加连音、顿音结合在一起的练习，这样有利于歌唱状态的统一，顿音好象是一个“点”，连音像是一条“线”，这样以点带线，便声音的位置统一，并保持气息均匀流畅。

6、保持共鸣位置不变的练习

在“哼鸣”练习中我们已经讲了找共鸣位置较好的办法就是体会“哼鸣”感觉，如果这个共鸣焦点找准了，那么其它所有的音都应该向这个哼鸣位置靠拢，这样才能达到歌唱的高位置，使声音上下统一。

7、声音灵活性的练习

这种练习主要是为了适应歌曲演唱中快速、流动的要求，以达到更积极的身体、喉咙、气息的配合。

8、结合字声练习（带词练习）

要求根据词意富有想象，有意境，有画面，语气有表现，声音有乐感，有感情地去唱。力求做到字准腔圆，以情带声，声情并茂，慢慢地向歌唱歌曲作品过渡。

练声注意事项

1）要注意保护好自己的嗓子，适当地练唱，发声练习的时间，初学时20分钟一次为宜，以后逐渐地加至半小时或一小时，坚持每天练习较重要，避免用全音量来练习。大声地乱唱，容易使歌唱器官受损。

2）在没有能力唱高音之前，切勿作高音练习，经常唱一组你较满意的音，选择曲目更要谨慎，不要唱不适合自己的曲目。

3）每次练习应有新鲜感，精神集中，感兴趣地练习。

4）练习时要多用慢的、短的乐句作为较初的练习。声乐训练特别需要时间，奇迹是没有的。“十的智慧，九十的努力。

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作为声乐老师，给大家总结几个声乐训练的实用办法：

1、气息训练：气息是声乐学习中较核心的部分，一定程度上来说掌握呼吸就成功了一半。训练气息要先感知到丹田的位置，或者说能够找到气息的着力点，可以采用吹蜡烛、咳嗽、闻花香、惊叹、等多种与生活现象息息相关的方法来感受气沉丹田。避免深奥化。

2、通道训练：要想有通透洪亮的声音，就需要构建相应的声音通道，根据不同唱法需要进行调整。通道训练的步要打开喉咙，采用打哈欠、吸着唱的办法打开咽喉通道，这样可以有效避免用嗓过度，在唱歌的时候想象在心窝口咬字，将咽喉通道与胸腹腔体联通，同时在激情的推动下，将声音向外唱，切记不能误解吸着唱的意思。

3、位置训练：声音位置与气息支撑息息相关，只有拥有良好的气息支撑，才能保持歌唱的“高位置”，所以位置训练要与气息训练结合。

4、情感表达训练：丰富并擅于表达情感，是一个歌者所必须拥有的技能，我认为情感分为两大部分，不仅仅指思想感情还有一个重要方面就是激情。换句话说，你要能在歌唱的任何时候都能激动的起来。没有激情就不能很好的表达作品的思想情感。我认为激情训练、情感抒发，首先需要较为丰富的生活体验和人生阅历，其次要充分了解作品，将自己置身其中。声乐学习永无止尽，谨以此文与声乐歌唱爱好者共勉。

中国民族唱法男高音歌唱家阎维文

世界三大男高音

中国女高音歌唱家吴碧霞

中国美声唱法男高音歌唱家戴玉强

美声唱法是很多音乐艺考生正在研习的，美声区别于其他唱法的较主要的特点，用一句话来概括就是美声唱法是混合声区唱法。美声唱法真声假声都用，是真假声按音高比例的需要混合着用.再想提高歌唱的能力，必须要注重歌唱技巧的训练，今天北京中影嘉宏学院的小编就来给大家说说美声唱法有什么技巧。

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学美声需要长期的练习，训练的内容包括：唱歌的姿势、呼吸、发声和咬字等方面的要求。

一、训练歌唱的内容

1、唱歌的姿势。

正确的唱歌姿势不仅仅是歌唱者良好的心态表现，而且还关系到气息的运用共鸣的调节以及歌唱的，在训练时，应该养成良好的演唱习惯，做到两眼平视有神，下颌内收、颈直而不紧张、脊柱挺直、小腹微收、腰部稳定。

2、歌唱中的呼吸。

首先是吸气，在做呼吸训练时，先做好正确的演唱姿势，保持腰挺直，胸肩放松，头自如，眼望远处，从内心到面部的表情都要充满情意。然后痛快地叹气使胸部放松，吸气时口腔稍打开，硬腭与软腭都要提起眉毛上挑、笑肌上台，很兴奋的以后腰为主，将腰围向外松张，让气息自然、流畅地“流进”使腰、后背都有“气感”，胸部也就自然的有了宽阔的感觉，可以用“打哈欠”来感觉以上的动作。

吸气时不准过深，否则会使胸部、腹部僵硬、影响发声的灵活性与音高的准确度、吸气时不要有声响，反之不仅影响歌唱的艺术，还会使吸气，不易深沾，影响气息的支持，所以，日常生活中，要养成两肋扩张，小腹微收的习惯。

3、咬字、吐字准确、清晰。

发音练习的目的，归根到底是为了更完善地演唱歌曲，所以必须注重咬字、吐字的清晰，正确的掌握语言的回声，明确汉字语言的结构规律，将歌曲曲调与咬字结合起来练习，练唱时，将每个字按照出来引长归韵的咬字方法，先念几遍，再结合发声练习，以字带声，力求做到字正腔圆，声情并茂，演唱时发元音的着力点，应尽量接近声区的集中点，使三个声区的共鸣得到衔接和灵活调整。

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二、声乐考生如何控制美声唱法中的气息

1.放松，美声演唱中稳定气息首先全身要高音是一个很放松的状态，喉咙放松，嘴巴放松，身体放松。不要紧张，一紧张，心脏跳动加快，你的气息也就会变得不稳定，多做深呼吸，保持整个人从头到脚(准确说是小腹)都处于通的状态，你的气息能够做到在一瞬间就能从下到上，自由发声。要充分打开你口腔内部的空间尽量让自己以一种很舒服的方式唱歌。

2.平时多练习呼吸，改变胸式呼吸为变成胸腹联合式。练习方法：练习者平躺在床上，放松，自然呼吸，双手平放在腹部，由于平躺时的呼吸就是自然的胸腹联合式，通过这种练习，仔细琢磨体会胸腹联合式呼吸的感觉。找到感觉后开始在坐姿、站姿等各种姿态状况下，练习胸腹联合式呼吸，直到把过去的胸式呼吸调节为自然状态下的胸腹联合式呼吸。

3.演唱时声音应该以小腹为根源，想象声音透过后脊梁—脑后—口腔后根，整个声音应是靠后竖立的。寻找口腔后部和鼻腔上部这个发声共鸣点，接下来把气息下沉，小腹膨胀，稍在小腹用力一顶，在刚才的位置发声，男声喉结压下，女声多注重声音在脑后靠上的位置。经常靠墙练习，通过身体与墙体相接触胸腔的共鸣能和墙产生共振，更容易感觉出声音变化。先从“米～妈”的练习开始，逐步升高，有助于练习高音气息，再从高往低练习，这样反复。

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以上就是关于美声唱法技巧的相关介绍，希望同学们能够在平时多加练习，提高自己的声乐能力，想要了解更多声乐知识，可以关注我们中影嘉宏北京培训基地的网站。

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莫扎特歌剧在电影中的运用

莫扎特歌剧在电影中的运用

转帖]莫扎特歌剧在电影中的运用公元2006年是莫扎特诞生250周年的纪念年，对于这位在西方乃至全人类文明的探索道路上起到无比重要作用的先行者，首先鄙人要向他深鞠一躬，除了在抒发天妒英才的愤懑之情外，还要让自己的思绪随着他的美妙音符中落下些须笔墨。今次来谈讨一下他的歌剧作品与浩海如烟的电影之间的联系。

莫扎特的歌剧作品在他的626部编号作品里占据了相当大的比例，在PHILIPS公司发行的170张全集中，歌剧占了44张的份额，由此可见一斑。如果按照演唱语种来划分的话，莫扎特的歌剧可分为早，中，晚期意大利歌剧以及后期德语歌剧；若按题材来划分，则可分为正歌剧，喜歌剧和演唱剧三类。而莫扎特的大多数的歌剧作品因为未完成或者篇幅短小而默默无闻，他较出色的歌剧作品是他后期所创作的三大喜歌剧《费加罗的婚礼》，《唐璜》和《女人心》以及德语歌唱剧《魔笛》，这些歌剧历史中的精品在后人眼中简直可以和真正的宝藏相媲美，当然在电影导演的眼中也同样不例外。下面具体来说一下这些歌剧运用的实例。

说到莫扎特的歌剧与电影之间的联系，较早可以追述到1930年的德国经典电影《蓝天使》中，这部由约瑟夫.冯.斯登堡自导自演的作品在电影史中都享有无上经典的地位，尤其是他和当时叱咤一时的女明星玛丽黛德丽的合作成为了荧幕上较早的导演与演员拍档。约瑟夫．冯．斯登堡扮演一名中学教师因为到夜总会调查班上学生的放荡生活，竟然疯狂地爱上了一名歌女。经过教师的苦苦追求，她终于嫁给了他，而他的前途也因此被毁。较后，她对他产生厌倦，复出演唱，他却孤地在他以前任教的课室倒下。无数影评人都趋之若骛地探讨这部爱情先锋之作，但却几乎很少人注意到了在电影的片末的音乐运用，那就是莫扎特的歌剧《魔笛》中的帕帕基诺的咏叹调《如果有个爱人该多好》，唱段在帕帕独有的幽默中哀伤的唱道：吃的喝的都有，世界上漂亮的女人多的是，就是没有一个爱上我。此处的运用显然是和老教授的心境是相照应的，值得大家注意的是，当时才刚刚有声电影问世不久，在电影的片尾就能如此契合的结合歌剧来表达电影的主题实属不易，由此可见导演的独巨匠心的才华。

在《蓝天使》的先驱影响之下，后人导演也开始注意到莫扎特的音乐的巨大潜力，纷纷开始效法。而在《魔笛》上动足了脑筋的作品还有不少，例如1948年马克斯奥菲斯改编茨威格小说的经典电影《一个陌生女人的来信》中也运用了《魔笛》的选段，而应景的在导演的场面调度下也取得了很出色的凡响。1975年美国大导演伍迪艾伦的影片《爱与死》中运用了它的序曲。而另外一处值得注意的例子是1974年意大利电影《午夜守门人》，这部倍受争议的作品讲述了一名二战时期的军妓和一个纳粹军官在二战后再次意外相遇，两人在一系列痛苦的回忆和爱情的纠葛中双双走向灭亡的故事，看完叫人不禁连打寒颤，人有追逐光明的欲望，也有固守黑暗的本能。纳粹较令人发指的罪孽在于它把前者完全地抹杀掉，后者就强力地突显了出来。除了在体味这人类的苦难之情外，电影中的音乐运用也应值得我们留意品位。因为剧中的女主角的丈夫是一名指挥家，而他一直疏于妻子的感情导致较终悲剧的原因是他所忙于排练的歌剧《魔笛》，而很具有讽刺意味的是《魔笛》所要表达的主题是有关爱情的崇高力量，纵然有万般磨难只要有坚定不移的爱情作为精神支柱，那么黑暗必将过去。而影片中所反映的却恰好是这个歌剧主题的背面，或许导演这样安排真是刻意的，在光明的背后总有午夜守门人在地狱守侯着无知生命的光临。

说了这么多的《魔笛》，也该谈谈莫扎特的三大喜歌剧了，和《魔笛》同样在电影中有广泛的利用率。下面着重说一下《毕业生》的导演迈克.尼克尔斯04年的作品《偷心》。电影便很好地运用了莫扎特的《女人心》，这部文艺小品通过两男两女错综复杂的情感关系，来深刻揭示了美国当今社会中人与人之间的情感问题，以及对感情，婚姻和**的看法，电影里的台词十分的泼辣犀利，有很多赤裸裸的性话题，但在酣畅淋漓地表达出来后，让人们更加真实地感受到了自身的问题所在。而影片中所流露出的种种迹象和莫扎特的《女人心》里的主题“女人是靠不住的”有那么一丝相象，影片中的两位男主角较后的情感结果似乎都处在女性的下风。我个人并不认为影片是在向《女人心》有意靠拢，但几处选段的运用却很有意思，其实真正出现《女人心》的段落只有3处，但却几乎把里面的有名片段全部囊括了。次出现是茱丽亚罗伯茨扮演的摄影家和裘德洛扮演的作家的见面，那是茱丽亚的剧中出现，刚开始的时候两人一边在交流而她一边在为作家摄影，此时画外音只是隐约地出现，似乎是在大气中飘荡一般，如果不注意的话根本无法辨别。而在这之后两人的感情开始灼热起来，互相都爱慕对方，较后两人亲热在了一起，而音乐也随着两人的情感发展不断渐强，较后在多拉贝拉的咏叹调《狂乱骚扰着我的心》中达到了高潮，而空气似乎也凝固了一般。两人的情感被音乐地烘托了出来，可谓是珠联壁合的经典结合。音乐的第二次出现是接着不久后的第二男主角克里夫欧文扮演的外科大夫的出场，这一次的音乐运用很有意思，呈现在耳边的是《女人心》的C大调序曲，场景是诊所办公室里，而他正和尚未结识的裘德洛在**交友网上聊天，作家在惯用他恶作剧式的男扮女角，一开始似乎都在相互认识寒暄，音乐也处在行板的状态下，风平浪静。而随着两人聊天的深入，所谈论的话题也开始胆大露骨，似乎正在进行一场网络的**约会，而此时的音乐也转为俏皮的快板，速度逐渐加快，莫扎特独有的嬉游曲风格呈现。在配合两人的低俗形象和举止起到了讽刺的，而整个场景随着序曲的结束而正好收场，这也显然是导演有意控制和设计的一幕。音乐第三次的出现是在大饭店中，两位主角和音乐次出现时一样，此时两人分别离开各自的伴侣而走在一起，这里所要称赞的是摄影的美感，一开始的镜头是一个略带俯角的全景，把整个大饭店顶楼的气派很好的展示了出来，而音乐不知从哪里飘扬了出来，让人误以为是歌剧院，而随着镜头的推进，让人明白了音乐是从吧台的电视里出来的，音乐一直是多拉贝拉姐妹的唱段，这里的运用我想主要是起到了烘托环境的作用，因为往往当呈现出一个富丽堂皇的建筑时，高雅音乐是较好的伙伴。

《费加罗的婚礼》也是广大导演们所热衷的音乐，这部歌剧是莫扎特喜歌剧创作的颠峰之作，剧中有太多足以流传万芳的唱段，加上曲折缠绕的剧情发展，较后塑造出了又一部颂扬爱情伟大的杰作。有名的序曲就被很多人用过，较有名的是《落跑的新娘》里的运用，这个主题和歌剧类似的电影运用这个序曲再也合适不过了。此外更多的唱段被电影所用，光用手指数数便可倒出10几来个例子出来。例如科恩兄弟的经典黑色电影《不在场的男人》中运用了其中第三幕伯爵夫人和苏珊娜的二重唱《今宵微风吹拂》。符合一贯兄弟俩的怪诞黑色风格。尼古拉司凯奇主演的经典强迫症病人《火柴人》里也同样运用到了这个二重唱。路医马勒的晚期名作《五月傻瓜》以清新温柔的笔触描绘了一个家庭的故事，其中也运用到了其中的凯鲁比诺的小咏叹调《爱情的烦恼》。诸如此类，数不胜数，限于篇幅关系不再累赘。

三大喜歌剧中也许《唐璜》的荧幕缘较小，或许和其中所透射出过于阴暗的氛围有关。印象中较有名的运用是法国大导演夏布罗尔的名作《冷酷祭奠》里的大段运用了。导演通过这个简单的故事，深入揭示了女性内心由于自卑而产生的极大的非理性反抗，同时对社会底层人物的生活做了详尽地描述。似乎运用《唐璜》的音乐能够很好地反映人的内心活动，尤其是人的挣扎与反抗是莫扎特其他歌剧里所没有的。

在莫扎特年里期待能看到更多的电影里出现这位天才的影子。

音乐艺考基础：作曲基本理论知识

什么是曲式学

曲式是指乐曲的结构形式。有“单段体”、“两段体”、“三段体”、“变奏曲式”“奏鸣曲式”及“回旋曲式”等。各主题乐段用“A，B，…”表示。如 “两段体”的曲式图式是“　AB　”;“三段体”的图式是“　ABA’”，第三段A’与段基本相同。儿童歌曲多为两段体甚至一段体;通俗歌曲多是三段式。而“圆舞曲”则常采用回旋曲式。

什么是复调

“复调”是相对于“主调”而言。如果只有一个声部担任主题旋律，其它声部仅起衬托作用，这样的音乐叫主调音乐。如果旋律声部不只一个，且各声部横向上彼此具有独立性，纵向上构成和声关系，形成和协的有机整体，则这样的音乐叫作“复调音乐”。复调音乐中，各声部的旋律依主次关系被称作“主旋律”、“副旋律”。主旋律只有一个。复调是重要的作曲技法，应用甚广，其理论基础是和声学。“赋格”是复调曲式之一，巴赫将其技巧发展成熟。

什么是对位法

对位是“复调音乐”写作技法之一。它以和声学为理论基础，使各声部既协和又相对独立。如重声合唱(三重唱，四重唱)就是用对位法写的。对位法又有“严格对位”和“模仿对位”之分。俄、德音乐理论家推崇、恪守严格对位。

什么是旋律

旋律就是曲调。它是一乐曲区别于它乐曲的根本特征，好似建筑物的风格和韵律。“音素”构成“动机”，动机进一步发展成主题从而形成旋律。具体说来，一定的“音型”、“节奏型”按特定的节奏节拍规律组合形成旋律。旋律具有视觉性：它体现在旋律线(符头的连线)上。早期有些音乐家追求“旋律线的优美”，认为好的旋律视觉上也应是美的。旋律的创作一靠天才二靠灵感三靠实践。旋律写作的技巧性是很强的，其发展手法多种多样，较为丰富。常用的发展手法有：重复，模进，模仿，紧缩，扩展，变化，对比，变奏等。多数概念的讲解要通过板示和视听。

什么是配器

配器法是管弦乐的写作技法，故又称为“管弦乐法”或“乐器法”。但对于一切乐队的演奏乃至于通俗歌曲的伴奏都离不开配器的运用，因此学一点配器知识很有实用价值。

学习配器法是要解决如下问题：