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简谱乐理基础知识入门：怎样欣赏摇滚音乐

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2019-12-31

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简谱乐理基础知识入门:怎样欣赏摇滚音乐简谱乐理基础知识入门怎样欣赏摇滚音乐怎样欣赏音乐音乐是通过有组织的音（主要是乐音）所形成的艺术形象，表现人们的思想感情，反映社会现实生活的艺术。创作、演奏（演唱）和欣赏，是音乐艺术实践的三个方面。欣赏音乐是一种审美活动。美的标准是由一定时代、一定民族、一定社会群体的审美趣味所决定的。欣赏音乐有三个阶段：1、官

简谱乐理基础知识入门:怎样欣赏摇滚音乐

简谱乐理基础知识入门

怎样欣赏摇滚音乐

怎样欣赏音乐

音乐是通过有组织的音（主要是乐音）所形成的艺术形象，表现人们的思想感情，反映社会现实生活的艺

术。创作、演奏（演唱）和欣赏，是音乐艺术实践的三个方面。欣赏音乐是一种审美活动。美的标准是由一定时代、一定民族、一定社会群体的审美趣味所决定的。欣赏音乐有三个阶段：1、官能的欣赏；2、感情的欣赏；3、理智的欣赏。官能的欣赏主要满足于悦耳（即好听），是比较初浅的欣赏。要对一个音乐作品进行全面的领略，从而获得的艺术享受，就必须进入感情的欣赏和理智的欣赏。

要从官能、感情和理智三方面全面地欣赏一个作品，就要具备以下几方面的知识：1、作者和作品的时代背景。2、作品的民族特征。3、作者的创作个性。4、作品标题的内容。5、音乐语言的表现功能。6、曲式和体裁。其中音乐语言的表现功能及曲式和体裁知识，是基本乐理的常识。下面对这两项基本乐理的常识，做简单介绍。

旋律又叫曲调，是按照一定的高低、长短和强弱关系而组成的音的线条。它是塑造音乐形象较主要的手

段，是音乐的灵魂。

节奏是各音在进行时的长短关系和强弱关系。由于不同高低的音同时也是不同长短和不同强弱的音，因此旋律中必然包含节奏这一要素。

节拍是强拍和弱拍的均匀的交替。节拍有多种不同的组合方式，叫做“拍子”。正常的节奏是按照一定的拍子而进行的。

速度是快慢的程度。为使音乐准确地表达出所要表现的思想感情，必须使作品按一定的速度演唱或演奏。

力度是强弱的程度。音的强弱变化对音乐形象的塑造也起着很重要的作用。

音区是音的高低的范围。不同音区的音在表达思想感情时各有不同的功能和特点。

音色是不同人声、不同乐器及其不同组合的音响上的特色。通过音色的对比和变化，可以丰富和加强音乐的表现力。

和声是两个以上的音按一定规律同时结合。和弦进行的强和弱、稳定与不稳定、协和与不协和，以及不

稳定、不协和和弦对稳定、协和和弦的倾向性，构成了和声的功能体系。和声的功能作用，直接影响到力度的强弱、节奏的松紧和动力的大小。此外，和声具有渲染色彩的作用。

复调是两个或几个旋律的同时结合。不同旋律的同时结合叫做对比复调，同一旋律隔开一定时间的先后模仿称为模仿复调。运用复调手法，可以丰富音乐形象，加强音乐发展的气势和声部的独立性，造成前呼后应、此起彼落的。

调式是从音乐作品的旋律与和声中所用的高低不同的音归纳出来的音列，这些音互相联系并保持着一定的倾向性。而调性则是调式的中心音（主音）的音高。在许多音乐作品中，调式和调性的转换和对比，是体现气氛、色彩、情绪和形象变化的重要手法。

音乐语言的各种要素互相配合，具有干变万化的表现力。旋律尽管是音乐的灵魂，但其他要素起了变化，音乐形象就会有不同程度的改变。在一定条件下，其他要素甚至可起主要作用。例如，贺绿汀的管弦乐曲《森吉德马》，段轻柔缓慢，用拖长的和弦和陪衬声部来烘托旋律。开头由双簧管和长笛吹出富于田园风味的曲调，在弦乐器和弦的衬托下，音色显得柔和而平静，描写了辽阔的蒙古草原的美丽景色。后来旋律先后改由圆号、小提琴和小号吹奏出，色彩渐渐明朗起来。第二段快速而强劲，弦乐器拨弦奏出轻快活跃的伴奏音型，旋律和段相同，音色也改变不大，但由于速度、力度以及伴奏乐器的节奏都起了变化，因此表现了不同的音乐形象，反映了内蒙人民载歌载舞的愉快生活。

另外，还有曲式，是音乐材料排列的样式，也就是音乐的结构布局。曲式有乐段、多段式、回旋曲式、变奏曲式、奏鸣曲式、回旋奏鸣曲式、混合曲式、套曲形式等。另外，还有中国古典和民族乐曲独特的曲式。曲式是为表现不同音乐形象、内容的需要而设置的。

体裁是音乐的品种，有歌曲、舞曲、进行曲、谐谑曲、叙事曲、夜曲、序曲、交响诗、协奏曲、交响曲、组曲等等，各有其不同的特点，适合于表现不同的题材内容，这也是欣赏音乐作品时必须知道的。

Roots Reggae（根源雷吉）

RootsReggae美国摇滚和Ska（牙买加流行乐）民族摇滚的杂交，其代表乃强烈的歌唱和虔诚的拉斯特法里主义歌词；这可能是Reggae音乐较容易理解的一种形式，也是较全球性的一种。Rootsreggae浮现于70年代初，并马上发展成为慢拍摇滚的追随者。

幻想曲和即兴曲

幻想曲和即兴曲，原来都是即兴创作的乐曲。所谓即兴创作，就是不预先把谱子写出来，而是在乐器上一面创作一面演奏。在十九世纪以后，即兴创作已不流行，不管幻想曲也好，即兴曲也好，都是把谱子先写出来再演奏的了，但在格调上还是带有一些即兴创作的特点。

幻想曲和即兴曲不一样，即兴曲是有明确的形式的，幻想曲则根据作曲家的想象自由发挥、不拘一格。例如德国作曲家巴赫的《半音阶幻想曲》，就是这一类型作品中杰出的范例。这个曲子包含两部分：部分根据一些音阶式的走句和和声音型不断地模进和转调，纵横驰骋，即兴发挥；第二部分是悲壮的宣叙调，节奏一张一弛，显得热情奔放；作为两部分之间的过渡的，是一系列琶音和弦和上下奔驰的走句。这首幻想曲的形式极为自由，充分显示了才思横溢的即兴风格，它的丰富的和声语言，也是开风气之先的，其中包含许多变化半音和半音阶进行，所以称为“半音阶幻想曲”。

早期的幻想曲象前奏曲一样，常常放在赋格曲、组曲、奏鸣曲等乐曲的前面，作为这些乐曲的开始曲。巴赫的《半音阶幻想曲》就是一首赋格曲前面的开始曲，总的曲名是《半音阶幻想曲和赋格》。又如莫扎特的《c小调幻想曲》就是把幻想曲和另一种形式严谨的乐曲即奏鸣曲结合在一起的作品。这首幻想曲包含五个不同速度的段落，个段落是缓慢的柔板，包含两个主题：个主题用模进的手法，把一个宣叙调一般的乐思铺展开来。这个乐思悲壮肃穆，表现出思虑重重的形象；第二个主题淳朴明朗，象一首歌，采用歌曲常用的二段式。第二个段落是快板，也由两个对比的主题构成：个主题是热情激动的，表现出紧张的情绪；第二个主题则从容不迫，充满抒情的气息。第三个段落是小行板，包含一个优雅动人、诗意盎然的主题，也象个段落中的抒情主题一样，采用二段式的结构。第四个段落又是快板，表现一种奔放活跃的情绪。较后在第五个段落中回到个段落的个主题。五个段落一个一个不断地转换，表现变幻不定的心情和意境，象一首浮想联翩的诗。

十九世纪以后的幻想曲，大多是独立的作品，不再放在赋格、组曲、奏鸣曲等作品的前面作为开始曲了。而且近代的幻想曲有了一种新的含义：常常是指自由发挥现成主题的作品。如波兰小提琴家和作曲家维尼亚夫斯基的小提琴和乐队幻想曲《莫斯科回忆》就是采用俄罗斯歌曲作家瓦尔拉莫夫的两首歌曲作为主题的。既表现了诗的意境，又发挥了小提琴的演奏技巧。首歌曲是《红衣裳》，原来的歌词是少女和母亲的对话。少女唱道：

好妈妈呀，不要为我缝制红衣裳，

你呀真是白操心计，为我办嫁妆。

做姑娘的自由生活，快乐又逍遥，

匆匆忙忙嫁个丈夫，日后会懊恼。

母亲唱道：

我亲爱的女儿哟，我的小姑娘，

当我年青时候。我也这样想。

怎能永远做小鸟，天天去歌唱？

怎能天天做蝴蝶，花间去飞翔？

第二首歌曲《跨上马鞍》是一首轻快活泼的歌曲，原来的歌词是：“跨上马鞍，骑着快马，向前飞奔，象一头雄鹰。离开乡土，摆脱痛苦，奔向纯洁的地方，去会见黑头发的人。”这首幻想曲是从壮丽的引子开始的。引子取材于《红衣裳》开头的曲调，独奏小提琴奏出绚丽多彩的华彩段。所谓华彩段，是节奏自由、突出华丽的演奏技巧的装饰性段落。引子以后出现了《红衣裳》的主题和它的变奏；然后是《跨上马鞍》的主题和它的两个变奏。主题比较朴素，基本上保持着歌曲的原形。变奏时运用了华丽的演奏技巧。《红衣裳》的变奏部分和《跨上马鞍》的第二变奏，独奏小提琴用泛音奏出曲调来。所谓泛音，就是用左手轻轻按在琴弦的适当部位，让琴弦分段震动，发出清澈透明、象长笛一般的声音来。

德国作曲家瓦克斯曼编曲的《卡门幻想曲》，是采用法国作曲家比才的歌剧《卡门》的音乐作为主题，写成的小提琴独奏曲。歌剧《卡门》取材于法国作家梅里美的同名小说。卡门是一个放荡泼辣、向往着自由无羁的生活的吉卜赛姑娘，她诱惑下级军官唐·霍赛，使他堕入情网，跟着自己参加了走私贩子集团。但卡门同时又爱上了斗牛士埃斯卡米尔尧。唐·霍赛在极度愤怒中杀死了卡门。《卡门幻想曲》根据歌剧《卡门》的六段音乐，发展演化而成：段音乐是第四幕群众欢呼斗牛土上场的音乐；第二段音乐是幕卡门演唱的《哈巴涅拉》舞蹈歌曲；第三段音乐是第三、第四幕之间的幕间曲《阿拉贡舞曲》，这是西班牙东部一种活跃的三拍手舞曲；第四段音乐是幕卡门把一朵鲜花仍给后·霍赛时描写爱情的音乐；第五段音乐是幕卡门对唐·霍赛唱的舞蹈歌曲《塞季笛尔雅》，这是一种快速、热情、载歌载舞的三拍子西班牙舞曲；第六段音乐是第二幕开头的吉卜赛舞曲，这是一群吉卜赛姑娘弹着吉他跳的舞，卡门唱着热情洋溢的歌。《卡门幻想曲》的编曲者把以上各种音乐素材分别加工发展，并有机地结合起来，写成一首由独奏小提琴和乐队演奏的幻想曲。在变化发展各个主题时，充分发挥了独奏小提琴各种华丽的演奏技巧。小提琴家萨特、钢琴家布松尼等，都曾以歌剧音乐为主题，写过《卡门幻想曲》。瓦克斯曼编曲的《卡门幻想曲》，是其中流传较为广泛的一首。

以上所讲的是幻想曲，下面再谈谈即兴曲。即兴曲开始出现于十九世纪之初．是一种音乐格调具有即兴创作性质的乐曲，但并不是真正即兴创作出来的作品。在形式上，即兴曲并不象幻想曲那样自由，常常采用变奏曲、三段式、复三段式等规范化的形式。舒柏特写过八首钢琴即兴曲，大都采用复三段式的形式；但音乐挥洒自如，并不受形式的束缚，好象是水到渠成，自然地流注出来的。如他的《降A大调即兴曲》分三大段：大段具有浓郁的抒情气息，象一首真挚纯朴的歌曲。其中又分三个小段：小段中从容不迫的歌唱性旋律，在第二小段中变为强劲有力的和弦进行，好象昂奋热情的语言，第三小段回复了小段亲切如歌的主题。第二大段从头至尾贯穿着三连音节奏的分散和弦，有如溪水潺潺，川流不息。其中也分三个小段，也象大段一样，两头比较平静，中间向高潮发展。较后，第三大段是大段的再现。

肖邦有一首《幻想即兴曲》，它的曲名，意味着这个曲子既有幻想曲的特点，又有即兴曲的性质。这首钢琴曲也分三段，在段中，上下奔腾的快速旋律，表现出奔放激动的情绪；中段气息宽广的歌唱性主题，妩媚动人，充满柔情；第三段是段的再现，但速度更快，热情更加高涨。当音乐从高潮上平静下来时，中段的抒情歌唱性旋律的个乐句，又在低音部出现，但这已经是“尾声”了。

音的性质有哪些？音的四种性质

声音有高低，强弱，长短，音色等四种性质。音的四种性质，在音乐表现中都是非常重要的，但音的高低和长短则具有更为重大的意义。一首歌，不管你用人声演唱或用乐器来演奏（音色），用小声唱或是大声唱（强弱），虽然音的强弱及音色都有了变化，仍然很容易辨认出歌曲的旋律。但是，假如将这首歌（相对之间）的音高或音值加以改变的话，则音乐形象就会立即受到严重的破坏。因此，不管创作也好，演奏演唱也好，对音高和音值应加以特别的注意。同样，不同的音色和不同的强弱对于音乐的表现作用也是不容忽视的，音色对于音乐形象的性格描绘十分重要；强弱是表现乐感的极其重要因素。

下面分别对这四个方面加以介绍。

音色

音色是由于发音体的材料性质、结构形状、发声方式、及其泛音的多少等不同方面来决定的。

如：铜做的锣、镲与木制的梆子、木鱼所鼔击发出的声音就截然不同；

铜做的号与木管吹奏所发出的声音也是截然不同的……

如：同为铜制的乐器，锣与小号的声音却不相同，这是由于发声方式不同所造成的；

如：同为木制的大管与双簧管吹出来的声音也不相同，这是由于乐器的内部结构不同而引起的；

如：同为铜管乐器的小号与大号，音色却有极大的差异，是由于乐器的何种大小不同引起不同的共鸣，泛音的多少也对音色有很大的影响。

……

在乐队中常常要把不同的音色混合在一起使用，形成复合音色，但由于每一个个别的乐器（或人声）有着各自不同的音色特点，我们仍能够从复合音色中分辨出不同的旋律来。在音乐中，不同的音色有不同的音乐表现特性，把握好音色的运用，对于更好地表现音乐有着十分重要的作用。

音的长短

发声体振动保持延续时间的长短就是声音的长短。延续时间长，发声的时间就长；延续时间短，发声的时间也就短。音的长短也叫做音的时值。

不同长短的音相互结合起来，就产生了音乐的节奏、节拍，被称为旋律的骨架。所以说音的长短在音乐中是十分重要的。在演唱、演奏音乐时一定要掌握好音的时值。

音的高低

声音的高低是由发声体振动的频率所决定的，不同的频率就决定了不同的音高。振动次数（赫兹）多，声音就高，反之亦然。音的高低简称为音高。

在音乐中所使用的音一般在16Hz--7042Hz之间，要比一般钢琴所包含的音域稍宽一些，而再比这些音高或低的音就失去审美意义了，所以不予使用。

在音乐中音的高低是整个音乐的灵魂，音高的变化往往会带来音乐的形象的改变；如果在演唱、演奏中有音不准，就会扰乱整个音乐的进行。

音的强弱

音的强弱是由发声体振动的大小范围（振幅）来决定的。一般来说，发声时用于振动的力量大，发声体振动的振幅就大，于是音就强，反之亦然。

在音乐中，音的强弱会形成有规律的节奏、节拍重音，产生音乐的基本律动，不同的音乐风格就有不同的强弱规律；音乐情感的表达也同样离不开音乐强弱的变化。

可见音的强弱是十分重要的。

器乐曲的基本分类

音乐作品总的可分为：声乐、器乐、戏剧音乐（包括歌剧音乐、舞剧音乐、戏剧配乐等）三类。但由于戏剧音乐的音乐部分也不外是声乐和器乐，所以通常把它分别并入声乐和器乐中去。另外，音乐作品又有创作音乐和民间音乐之分，通常讲的“外国音乐作品”都是指专业创作的音乐作品。

器乐曲从曲名、曲式结构、演奏方式等等方面来看都是各种各样的。但它基本上又可分为两、三大类。例如标题音乐与无标题音乐；室内乐和交响音乐；单声音乐和多声音乐。多声音乐中又可分为复调音乐与主调音乐。以上各种类型，也是音乐作品的各种体裁，是各有特点的。此外还有古典音乐与现代音乐之分等。

【无标题音乐】这类器乐作品没有指示乐曲具体内容的文字标题，而只用曲式名称如：“奏鸣曲”、“赋格”、“变奏曲”等作为曲名，或用乐器体裁名称如：“前奏曲”、“练习曲”、“小步舞曲”等作为曲名。由于同名的乐曲很多，为了有所区别，就加上乐曲的开始调名，例如""C大调奏鸣曲"、"e小调交响曲"，或者再加上作者创作此种体裁的作品的编号，例如莫扎特《第四十交响曲》，李斯特的《匈牙利狂想曲第二号》，肖邦的《夜曲——作品第九号之二》等。

无标题音乐在创作时，没有用音乐来反映客观现实的意图，而只求通过音乐艺术来抒发某种主观情绪，表现某种精神意境，甚至主要着重音乐艺术本身的音响美和形式美的追求与体裁风格特征的体现。因之很难加上名副其实的文字标题。有的作者不愿借助于文字标题来说明乐曲的内容，而只希望欣赏者自己去心领神会。所以只以曲式名称或音乐体裁的名称作为曲名，而不设标题。

【标题音乐】是以文字或标题阐明作品思想内容的器乐作品。其渊源可上溯至十六世纪以前。十九世纪上半叶标题音乐因欧洲浪漫派音乐家的提倡而盛行。标题音乐的名称也于此时产生。重要作曲家有：柏辽兹、李斯特等。

标题音乐比起无标题音乐来，由于它的表现力的尖锐性和生动的音乐形象更易于被广大群众所了解，因此它在器乐作品中占有很重要的地位。

【室内乐】原指西欧宫廷贵族中演奏、演唱的世俗音乐，以区别于教堂音乐及歌剧音乐。十六世纪初发源于意大利，如“室内奏鸣曲”、“室内康塔塔”等。十八世纪末叶以后，室内乐是指由少数人演奏、演唱并为少数人所欣赏的音乐。现今，多指各种重奏曲（有时也包括独奏曲），使用少数乐器伴奏的独唱、重唱曲等。室内乐的演奏者，需具备独奏的技巧，同时要有同别人合作的能力。

【交响音乐】它是指用管弦乐队演奏的管弦乐曲。它可以采用任何曲式谱曲（通常是中大型结构的），而较典型的曲式结构则是“交响曲”。交响曲是由三、四个乐章组成的管弦乐队演奏的模范大曲。我们不可把“交响曲”与“交响音乐”两者混为一谈。

【复调音乐】它是主调音乐的对称，多声部音乐的一种。它是以若干个旋律同时进行而组成相互关联的有机整体。在横的关系上，各种声部又彼此形成良好、协调的和声关系。复调音乐还分：（1）因对比的方式所写的复调音乐称“对位音乐”，简称“对位”，即对位式的复调音乐。（2）以模仿方式为基础所写的复调音乐，通称“卡农”，即“轮唱”或“轮奏”。（3）用衬托的方式所写的复调音乐称“支声复调”。复调音乐以对位法为其主要创作技法。

【主调音乐】它是复调音乐的对称，多声部音乐的一种。其中有一个声部（通常是高音部）旋律性较强，处于主要地位，其他声部则以和声等手法对主旋律进行烘托和陪衬。

【歌剧音乐】欧洲十六世纪以来一种社会影响较大的音乐与戏剧相结合的综合艺术体裁。欧洲十八、十九世纪的歌剧音乐一般包含有序曲及幕间曲、咏叹调及其它抒情性的独唱、宣叙调及咏叙调、合唱及重唱等。

序曲：它是当歌剧还未开幕前，由管弦乐队演奏的音乐，其使命在于综合地叙述全部歌剧发展的重要关键场面，奏出剧中代表主角的旋律，它仿佛是剧情的缩图。合唱常用于歌剧中的群众场面。

咏叹调：歌剧主角的独唱，相当于戏剧中的独白，它的任务是表现歌剧中主要人物各自的特性，描绘他们的“肖像”。咏叹调是歌剧中较精采的音乐，它有完整的结构形式和情感层次，可以单独演唱。

宣叙调：接近于咏叹调的一种短小的乐曲，它经常出现在咏叹调之后。宣叙调又名"朗诵调"，是一种朗诵式的歌曲，相当于戏剧中的对白。　　

第四讲学画各种谱号

节：高音谱号（G谱号）

画这个谱号是从第二间开始的。从第二线开始向上紧靠着第三线顺时针往下画半个园，再紧贴着第画一个大于起口的圆形，然后，躲开这个圆形的开始的缺口，向上、向右、冲出第五线再向左，逆时针画一个小圆，回来，在第四线上定义。然后，从中间下来，穿过第三线、第二线，再穿过第，伸出尾巴来后，再左转，顺时针画半个小小的圆，结束时涂上一个小黑点点。这样，一个高音谱号就可以大功告成了。看起来复杂，实际画起来你会发现并不是很困难的。

谱例1：