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乐理艺术生,“语境”与管乐演奏

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2019-12-31

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乐理艺术生,“语境”与管乐演奏乐理艺术生“语境”与管乐演奏任何一种音乐表现形式的产生和发展都有他特定的环境和因素。管乐属于西洋音乐，是在西方古代音乐的基础上产生并发展起来的。管乐是西洋音乐的一种表现形式，在这种表现形式中蕴藏着丰富的西洋音乐的内涵和精髓，表现着西方人的社会生活和精神生活，同时也包含了西方人的行为方式。因此，学习演奏西洋管乐，演

乐理艺术生,“语境”与管乐演奏

乐理艺术生

“语境”与管乐演奏

任何一种音乐表现形式的产生和发展都有他特定的环境和因素。管乐属于西洋音乐，是在西方古代音乐的基础上产生并发展起来的。管乐是西洋音乐的一种表现形式，在这种表现形式中蕴藏着丰富的西洋音乐的内涵和精髓，表现着西方人的社会生活和精神生活，同时也包含了西方人的行为方式。因此，学习演奏西洋管乐，演奏者一定要有一个非常好的学习环境，较好是处在西洋音乐的“语境”中。这里所说的“语境”主要是指演奏者所要学习和演奏的音乐产生和所处的社会环境。我们经常所说的一句话叫“一方水土养一方人、一方水土出一方情”讲的就是不同“语境”的作用和表现。演奏艺术的提高需要有一个相应的社会环境。音乐是在人们的社会生活中形成的，反映了人们的社会生活和思想情感。管乐演奏作为西洋音乐的表现形式，是西方人社会生活、社会环境和思想情感的反映。这种反映不光是表现在音乐的内容上，同时也反映在了音乐的形式和表达方式上。因此，西方人在学习管乐演奏上就具有了先天的优势，他们从小就生活在这种环境之中，宗教的思想、社会的习俗、人文特点、城市风格、情感世界、行为方式等等西方音乐的“语境”模式每时每刻都在影响着他们，这种潜移默化的作用使得西方人在管乐的学习和演奏上占尽了优势。

管乐演奏，我们和西方相比还有较大的差距，这是不争的事实。我们一个十几亿人口的泱泱大国少有的管乐演奏。我们有许多管乐演奏者出国学习和工作，可真正能进入世界乐团的却是屈指可数。我国的钢琴、声乐、弦乐的状况和管乐相比则要好得多。我们的管乐老师对比较优秀的学生提出的进一步学习的建议多为“希望你能出国深造”。和西方相比，我们在管乐演奏的技术、技巧方面并不差。这在我们对外交流中，国外的教授、教授来我国讲学中和我们出国留学人员的学习中都得到证实。我们的管乐演奏和西方相比差距不是在演奏技术上，而是主要表现在“演奏意识”上。“意识”是人脑的机能，是人特有的对客观现实的反映。从生理方面说，人的意识以具有第二信号系统为特征，是在劳动生活基础上同语言一起产生的。意识不仅是自然的产物，而且是社会的产物。意识对物质和事物的反映是能动的，对物质和事物的发展起巨大的促进或阻碍作用。在心理学上，意识一般指自觉的心理活动，即人对客观现实的自觉的反映。“演奏意识”是指演奏者对音乐作品的理解和表达，是一种发自内心的演奏状态。要提高我们的管乐演奏水平，首先要加强我们的“演奏意识”。

像西方人在他们自己的国度内无法理解中国的音乐和很难学好中国的音乐一样。中国的演奏家生活在中国文化的“语境”中，围绕着我们的世界，我们的语言、思维、情感方式、生活习惯、信仰等等，都和西方的“语境”相差甚远。在这种情形下，尽管用的是西洋乐器，演奏的大多都是西方的音乐作品，可演奏的音乐要求和我们所处的生活环境，我们的社会现实感觉却很不一致。我们除了技术上的追求，音响上的模仿外，音乐内涵的东西就很难表现出来。解决“演奏意识”上的差距，首先要提高艺术修养。更多更深地学习、了解西方音乐艺术、管乐艺术的产生和发展的历史和社会背景，理解西方人的宗教思想、情感世界，熟悉西方人的生活习俗、行为方式和人文特点等。只有这样才能比较深刻地理解西方的音乐，才能比较准确地把握西方音乐作品的风格。

解决“演奏意识”上存在的问题，较好的方法就是直接进入到西方的社会中，融入西方的音乐“语境”中。实践证明，到西方社会学习音乐，学习管乐演奏是一种较好、进步较快的学习方式。许多出国学子经过学习都有质的升华。我和一些在国外学习管乐吹奏和其他艺术形式的求学者的交流时，他们大都谈到了意识上的改变和提高。

如何解决学习管乐演奏和缺少学习的“语境”二者之间存在的矛盾？日本的管乐演奏水平在亚洲可以说是较好的，日本的做法值得我们借鉴。第二次世界大战结束后，日本为了迅速提高国内的管乐演奏水平，由政府出面，派出了几千人到美国留学，学习管乐演奏。把西方社会的“管乐理念”、“演奏方法”、“演奏意识”带回到了日本国内。这些人大部分都做了管乐演奏的老师，同时，在国内的各个音乐艺术院校都设立了管乐演奏和管乐教育专业。在日本国内形成了一个相对的西洋管乐演奏的学习“语境”。从而，快速地提高了日本的管乐演奏水平。这种方法见效很快，但需要政府的重视、扶持和一定的经济投入。

出国学习虽是较好的学习管乐演奏的办法，但是，由于各种因素，只能是少数人的求学之路。大部份人没有这个条件。只能是在中国境内学习管乐演奏，只能在中国的文化氛围中演奏西方的音乐，无法跳越自身所处的社会生活环境。在这种情景下，我们的演奏者在学习掌握好演奏技术外，还要有意识地加强对西方文化历史的学习，加强对西方音乐艺术发展史的学习，增加对西方音乐的理解，提高演奏诠释西方音乐的能力。弥补在学习管乐演奏中存在的先天不足。

这里我谈谈“语态”在学习管乐吹奏中的特殊作用。“语态”是指语言发声时的形态，是人类在进化和历史发展中逐步形成的一种讲话方式和语言习惯。由于人类进化发展的起源、环境和过程的差异形成了不同的语言。不同的语言种类的发声形态是不相同的。不同的“语态”在管乐学习中形成的吹奏有着较大的差异。西方国家的语言种类比较多，相互之间也有一定的差别，但就其几个主要语种间的语态则有着许多的相同之处。相比之下，东方语言和西方语言之间则有着较大的语态差异。我们的汉语言的发声形态和西语的发声相比也是一样。这里所说的西语主要是指英语、法语和德语等。这些语言是在西方特定的环境中形成的，有着明显的发声特点。是西方“语境”的重要组成部分。

在管乐演奏中，“语态”有着重要的作用，是音乐演奏中不可或缺的部分。因此，区分汉语与西语间的“语态”差别，了解西语发声的方法，搞清西语的“语态”特点，有助于掌握好管乐演奏时的基本吹奏发声方法，提高演奏的声音质量和增强音乐的整体艺术表现力。

“语态”在管乐吹奏中和用气方法在本质上是相同的。和吹奏的用气方法相比较，“语态”包含的内容则更广泛。他包括用气的位置、方法、发声通道的形态和声音气息的形态。我们汉语言的“语态”同英语言的“语态”就存在着较大的差异。汉语言的发声位置比较靠上，喉部用力较多，发音比较紧，音调就比较高。这是民族语音习惯。人们对此已习以为常，也就没有什么特别的感觉。这种发声方法带入西洋管乐吹奏中，就形成了演奏声音发紧的问题。声音不够好是存在于中国管乐演奏中的一个带有普遍性的问题，也是困绕许多演奏者的一个难题，是很多人叹息艺不如人的缺憾之处。西语和汉语相比发声就相对靠下，主要用腹部给气，喉部不像汉语那样紧，相对较松弛顺畅，发声的音调相对较低。在唱歌中就是美声唱法和民族唱法的区别。在我们的传统戏剧中，演唱者所唱出的声音大都是以单薄或比较用力的喉音为主。然而西方的演唱者却是用来自腹部的气息，完全填满的声音为主。这就是语言的发声方法不同的关系。例如用汉语说“你好”可以发现声音是发自喉咙，用英语说"Howareyou"时，声音是来自腹部的。同样，用汉语说“一、二、三、四、五、六、七、八、九、十”这些数字和用英语说，"onetowthreeforefivesixseveneightnineten"作发声比较，就能比较容易地分辨出，汉语的声音基本上都是发自喉咙，而英语的声音则都是来自腹部。我们经常会碰到一个有趣的现象，就是说西语的人学说汉语“你好”不同于我们说的“你好”。他们说你好是用腹部发声，声音比较粗，音调比较低。而说汉语的人初学英语说"Howdoyoudo"则经常带有汉语喉部发声的习惯，声音偏紧，音调较高。

台湾的长笛演奏家、教育家戴念平博士在谈到吹奏者了解到语言的重要性时说：“一位完全不会西方语言，完全不了解西方文化及对空间的概念的人，所吹奏出的声音将永远是薄的。大致来说，在各阶层中，我在台湾听到的演奏都是大音量，但是音的完整紧缩度却是不足的。感觉上并没有和乐器结合为一。所吹出的都是一种直线，很尖锐的感觉。所以我个人认为，若要学得长笛，你必须要学习一种外国语言。学习并不是只会讲而已。而是要说得像一位外国人在讲一样。你必须听起来像个外国人，而不是一个说着外国话的中国人。

管乐的演奏运用的方法就是西语中的发声方法，西方人演奏管乐就比较容易。东方人在管乐演奏中存在着先天不足。因此，演奏者在学习和演奏管乐中，一定要了解并掌握西语的“语态”特点，并把他运用到平时的演奏中。这样肯定会使我们的演奏声音有一个质的提高，会对音乐作品的处理和表现起到很好的帮助和促进作用，会使我们的演奏有一个质的飞跃。

爵士乐的和声特色

提笔总是很难的，关于JAZZ方面的东东，老蛮接触得也不多，只是兴趣所至，在基础和声学结业之后，又接触了点关于爵士和声学的些许东东。老蛮个人是比较喜欢爵士音乐以及拉丁流行音乐的……在这里，希望能跟大家探讨一下爵士音乐。

JAZZ，20世纪初在美国兴起。融合诸多方面的音乐元素，如，欧洲传统音乐、拉美音乐、黑人音乐……这就使得，爵士乐的风格多样化。在融合过程中，爵士乐慢慢有了自己独特的的特点：切分节奏的广泛使用，正规的重音被先现或延迟，独特的和声进行。另外，爵士乐主要由器乐演奏，比较强调即兴演奏，当然，它是与预先编曲相结合的……

在这里，主要讨论一下爵士乐的和声特色。

典型爵士乐的和声是以七和弦为基础，广泛使用替代和弦，在各种七和弦里大量使用延伸音，以和弦独特的方式序进。

只要分别弄懂了这句话包含的几个术语的意思，就会发现爵士乐独特的和声特点。

和弦的延伸音

所谓和弦的延伸音，是指在七和弦之上叠加的更高位的和弦音。如G7（5、7、2、4）再叠加一个9度音就成了G79（5、7、2、4、6），再叠加一个11度音就成了G711（5、7、2、4、6、1）。

泛音列是构成延伸音的理论基础。以C为例，构成一个泛音列就是（1、1、5、1、3、5、b7、1、2、3、4、5、6……）。前六个泛音构成一个属七和弦（1、3、5、b7）。其余的泛音9度、11度、13度是该和弦的“自然延伸音”。在此基础上，可以构成人工的“变化延伸音”，它们是b9度、#9度、＃11度和b13度。

从上例可以看出，泛音列产生的基础和弦是属七和弦，爵士乐中较广泛使用的也正是属七和弦的延伸音。当然，其他和弦的延伸音在爵士乐中也有用到。如：Dm9（2、4、6、1、3）

一般在乐队里，低音进行总是由低音提琴提或bass演奏，键盘乐器经常使用省略跟音的和弦。因而爵士乐演奏，一般都是使用简化的三个音或四个音的和弦。

三个音的的九和弦：3音－7音－9音

三个音的十三和弦：7音－8音－13音

四个音的九和弦：3音－5音－7音－9音

四个音的十三和弦：7音－9音－3音－13音或3音－13音－7音－9音

（关于延伸音，还有有很多是需要了解的，奈何这篇东东只是对爵士和声特点的初步介绍，不可能说得很详细）

延伸音的运动，也比较复杂，由于缺乏譜例的说明，也不好细说。概括来讲，延伸音在本和弦内二度下行解决（如：G911解决到G9即5、2、4、6、1解决到5、2、4、6、7）；换和弦时二度下行或保持（如：G713解决到CM79即5、4、7、3解决到1、3、7、2；）。当然，延伸音也能跳进至其他音或上行至其他音进行。随着延伸音的解决，十三和弦变为十一和弦、九和弦或七和弦；十一和弦变为九和弦或七和弦；九和弦变为七和弦或三和弦。随着延伸音的解决，和弦由高度不协和变为较协和……

是不是很烦啊，呵呵……和声啊，就是这么让人找不着边……

替代和弦

初识和声的人一定都知道，调性中I、IV、V三个和弦分别代表主功能、下属功能、属功能。和声功能体系中I、Ⅲ、Ⅵ属于主功组能内的和弦，Ⅱ、Ⅳ、Ⅵ属于下属功能组内和弦，Ⅲ、Ⅴ、Ⅶ属于属功能组内的和弦。其相同组内的和弦是可以相互替代的，这就使爵士乐的和弦替代理论的基础。

一、主和弦的替代

当主和弦进行到属和弦时，主和弦可以由Ⅰ－Ⅵm和弦组替代，同样属和弦也虚改为Ⅱm－Ⅴ的替代进行。如：Ⅰ－－－|Ⅴ7－－－|改为替代和弦进行的话则是：Ⅰ－Ⅵm－|Ⅱm－Ⅶ－|

当主和弦持续时间较长（2小节以上），可以在主和弦保持不变的同时，在旋律之外的另一声部加入某些声部运动。如同一个短小的副旋律，它使主和弦的色彩发生一连串为妙变化。一些常加的声部运动有5－6－7－6，其和弦标记为Ⅰ－Ⅰ6－ⅠM7－Ⅰ6，为了理解需要，说明一下，就是一个四拍时值的Ⅰ（1、5、1、3、5、1），用时值分别为一拍的Ⅰ（1、5、1、3、5、1）－Ⅰ6（1、5、1、3、6、1）－ⅠM7（1、5、1、3、7、1）－Ⅰ6（1、5、1、3、6、1）四个和弦替代。大家会发现，一内声部的音符走向为5－6－7－6。

还有其他一些常见的替代，如8－7－6－7；8－7－6－5；5－＃5－6。

在小调中常见的替代还有，5－＃5－6－5；5－6－7－6；8－7－b7－6

二、下属和弦的替代

Ⅱ、Ⅵ都能代替下属和弦，在爵士乐中Ⅱ比Ⅳ更常用。

研究一下bⅦ7（b7、2、4、6）与Ⅱ7（2、4、6、1），就会发现bⅦ7包含Ⅱ7大部分音，可以看作是Ⅱ7和弦延伸而来，因而，bⅦ7也可以替代下属和弦。

三、属和弦的替代

bⅡ、Ⅱ都能替代Ⅴ。Ⅶ较少替代。

当一个属七和弦延续时值较长时，可以在属七和弦不变的基础上转换其延伸音以改变色彩。

常见的延伸音转换进行有以下三种可能：9－b9－8【即（5、7、4、6）－（5－7－4－b6）－（5、7、4、5）】；10－＃9－9－b9；13－b13－12。

由于缺乏譜例的说明，老蛮说得比较麻烦，看的人更不必说有多难受……呵呵（幸好今天一早就把市场上的臭鸡蛋、西红柿全给收购了……）

爵士乐和声学是一门正处于发展中的学科，与起古典和声学相比，它没有一个固定的条条框框，古典和声学中的一些忌讳（如，和弦进行忌讳出现平行五、八度，和弦要严格按功能关系序进等……）在爵士乐的和声中并没遭封杀。由于爵士乐存在极大的即兴因素，产生了不少很有争议、偶然的和弦与和弦序进。反正，很不好说明就是了……依老蛮的看法，呵呵～～只要是能出点意思的和弦与和弦进行，用了都没事儿，它是没有固定对与错的。不像当年老蛮做古典和声作业时，出现一个属功能到下属功能的进行，作业本上就会有一把鲜红的“大叉叉”……搞得如今配和声的时候还紧张兮兮的……

怎样练唱三连音？(2)

什么是音乐中的织体？详述织体知识

织体（texture）是音乐的结构形式之一。

结构这个词的含义比较宽泛，在音乐作品中，它常常会涉及两个方面：一是在"时间"上的形式，一是在"空间"上的形式。

时间上的形式称为"曲式"（musicform），这是音乐专用术语之一。一部作品，无论它是长达一个小时的交响曲，还是短至1分钟的小曲，都有结构形式。它可能只有一个段落，其中包含几个乐句，也可能由三个甚至更多的段落组成。无论怎样的形式，必须是在时间的铺展中、在听完全曲之后，我们才能知道它的全部结构是怎样的。这就是音乐在"时间"上的形式——曲式。

另一种结构是"空间"性的。音乐是不可见的，是纯属听觉的，这"空间"怎么来感受呢？实际上，这是借用了视觉印象中的概念，同时它也可以在乐谱上直观地看到。在听觉上，是指在一段时间内，我们听到的音响有多少个层次，这些层次的关系是怎样的。比如你可以在几十秒之内（假如高度熟练的话，只要几秒钟）就能分辨出此时的音响是单一的旋律线条，还是在旋律下方添加了和声背景的支撑，或是有好几条不同的旋律交错、重叠……这种"空间"结构在音乐中也有个专门术语——织体。

"织体"这个词翻译得很巧妙，它可以使我们产生形象化的联想。比如我们都穿的毛衣，它的结构可以是紧密的、厚实的，也可以是稀薄的、有露孔的。它可以是平平整整的，也可以是有许多类似浮雕的凸起花纹的。在音乐中，我们也有类似的写法，如果您有机会打开一份管弦乐队的总谱（总谱是作曲家写作管弦乐曲时用的一种记谱形式，所有的乐器都写在上面，与它不同的是分谱，那是每一种乐器自己的那一份乐谱，比如在管弦乐队中，小提琴手谱架上的谱子，只有属于他自己的音符，而长笛或是定音鼓演奏什么，这上面就没有。指挥用的则是包括一切的总谱了，因为他要掌握全局）的某一页，你可以一眼就看到，它是音响浓厚的，还是疏朗透明的。音响浓厚的，肯定是谱纸上大多数甚至所有的声部都用音符填写得满满的，而音响疏朗透明的呢，则是只有少数几件乐器在演奏，大部分乐器则是"休止"，五线谱上很空。

让我们从听觉上来感受不同织体的特色。先请听一首古老的圣咏，这是至少一千五百年以前就普遍用于西方基督教会的一种音乐形式，在织体上属于较简单的一种，即只有一条旋律，而没有任何附加的和声伴奏或不同的旋律线条。虽然这里的演唱者不止一人，但他们唱的是同一条旋律，因此听上去是单线条的。这种音乐结构称作"单声织体"，"声"是指声部，或者说是一个旋律线条，在英文里"声部"称作voice或者voicepart。

谱例一：圣咏《VictimaePaschaliLaudes》

曲例一：圣咏《VictimaePaschaliLaudes》

单声织体可以说是较原始的，因为我们任何人只要张口唱歌，肯定是单旋律的。在人类音乐的初级阶段，大多数就是这种简单的形式。西方的多声音乐产生于大约公元9世纪，从此便在多声写作技巧上下功夫研究，出现了和声、复调技术。而中国的汉族音乐始终保持着单线条的美学特征，在长达几千年的历史进程中基本上都是单声织体的，如《春江花月夜》，其优美婉转的旋律可以由一个人从头至尾唱下来。又比如《二泉映月》，可以在无伴奏的情况下用一把二胡独奏。

与单声织体相对应的概念是"多声织体"，它是多个声部或多个旋律线条的同时叠置。比起单声织体，多声织体肯定要复杂些，音响会比较丰满。它的数个声部有多种结合方式，有时是一条旋律加上和声伴奏，有时则各个声部都是具有个性和独立意义的旋律。

下面再听一首圣咏，它也是非常古老的，但是音乐形式已经不再是简单的单声织体了，而是在某些地方出现了二声部。请仔细分辨其中的单声织体和多声织体，它们在听觉上是不同的。

谱例二：兼有单声和二声部织体的圣咏

曲例二：兼有单声和二声部织体的圣咏

这只是较简单的多声音乐。但这一步迈出之后，西方音乐从此与东方音乐出现了巨大的差异，他们把更多的精力放在了对多声形式的开发上，较终形成了系统化的复调音乐与和声音乐。复调这两个字从字面上来说与多声一样，"复"就是多的意思，"调"是指曲调、旋律，"复调"就是不止一条旋律。不过"多声音乐"的范畴更广些，它是单声音乐的对应，而复调音乐则是指一种获得了发展的、技术精湛的写作形式。在复调音乐中，没有谁为谁伴奏的问题，其中的每一条旋律都有着同等重要的地位，而和声音乐，虽然也是由多个声部构成的，但它的形式是一条主旋律加上和声伴奏，旋律与伴奏有明显的主次之分。概括一下：和单声音乐概念相对的，是多声音乐，而多声音乐则包括复调与和声音乐这两大类别。

复调，就是有两条或两条以上的各自独立的旋律构成的音乐形式。这里以匈牙利作曲家巴托克（Bartok）的一首小提琴二重奏为例，两把小提琴各有一条旋律，合在一起又是个和谐的整体，请仔细分辨这两个交错叠置的旋律线条：

谱例三：巴托克44首小提琴二重奏《哀歌》

曲例三：巴托克44首小提琴二重奏《哀歌》

BLUES摇滚音乐的历史

Blues音乐是居住在美国的黑人在艰难困苦的生活中创造出的音乐风格。它发源于密西西比河的三角洲地带，起源于20世纪初，早期为人们劳作时的劳动号子。Blues较初主要是人声的叙述，后来才加上了乐器的伴奏，它对爵士乐、摇滚乐、乡村乐和西方音乐都有相当大的贡献。

在上个世纪的20年代，Blues以它个性的歌词、和谐的节奏以及忧郁的旋律逐渐兴起。Blues音乐中包含了很多诗一样的语言，并且不断反复，然后以决定性的一行结束。旋律的进行以和弦为基础，以I、IV、V级的3个和弦为主要和弦，12小节为一模式反复。旋律中，将主调上的第3、5、7级音降半音，使人有着苦乐参半、多愁善感的感觉冲击。虽然Blues音乐中主唱是焦点，但是乐器的即兴演奏也是非常精彩的。乐器演奏者可以超越和弦的界限随意发挥，除了旋律的忧郁动听外，还包括小刀刮擦声和滑棒使用的声音，以及模仿主唱的哼唱声。

乡村Blues：较早的Blues被称为乡村或三角洲Blues，是由19世纪南方的乡下人兴起的。尤其是在解放之后，巡回歌手、吉他手、还有口琴的演奏者，开始有意识的发展这种音乐，并且把关于爱情、自由、性和生命的悲痛融入到了Blues音乐中。早期重要的音乐家有CharliePatton、SonHouse（发明了滑棒）和RobertJohnson。

古典Blues：当美国的黑人搬到象Memphis和NewOrlean的都市中去打工的时候，Blues逐渐转为更大程度上的都市化现象。进入都市的Blues通常以男、女性歌手在钢琴或是爵士乐团的伴奏下演唱，Blues的名声越来越大。不久，一些唱片制作商开始为Blues歌手出版作品，如W.C.Handy’s1914年出版了《St.LouisBlues》、MamieSmith1920年出版了《CrazyBlues》。随着Blues音乐的发展，爵士乐和流行音乐也开始借鉴它的旋律，并且拥有了大批的听众。

电声Blues：在第二次世界大战后，Blues的中心已经移到象芝加哥这样的城市，在那里云集了许多的音乐家。当时，B.B.King和BuddyGuy尝试用加了扩大器的电吉他以及磁鼓来加强声效，在50年代，这种风格被许多白人音乐家所认可。十几年后，EricClapton又继续将Blues音乐发扬光大。同时R&B也逐渐兴起，并被白人音乐家所接受，如ElvisPresley和BillHaley就把R&B带入了摇滚乐。英国乐队RollingStong、LedZeppelin也是从Blues音乐起家，而后渐入重金属摇滚乐的。

Blues音乐发展到今天，已经逐渐被纳入主流音乐的行列，他的许多元素被更多的运用到摇滚乐及流行音乐中。但是传统的Blues音乐还是有着强大的实力，这个领域的音乐家有JohnLeeHooker、EttaBaker、JuniorWells和BuddyGuy。

第三讲学认五线谱

首先，五线谱是由三个主要的部分组成的:音符、谱号、谱表。

节谱表

现在我们首先来介绍一下谱表：

用来记写音符高低的表格，就叫做“谱表”。

五线谱，顾名思义是由五条线组成的。的确，是由五条平行的“横线”和四条平行的“间”组成的。这就是五线谱的谱表。它们的顺序是由下往上数的。

　较下面条线叫做“第”，往上数第二条线叫“第二线”，再往上数是“第三线”、“第四线”，较上面一条线是“第五线”。

由于音符非常多，所以“线”与线之间的缝隙也不能浪费的，也就是“线”与“线”之间的地方叫做“间”。这些间也是自下往上数的。同“线”一样。较下面的一间叫做“间”。往上数是第二间、第三间、第四间。下面请看谱例:

每一条线和每一个间都代表着一个音的高度。

然而这五条“线”和四个“间”还不够表达我们的情感心声，如果还有更高的音或者更低的音出现怎么办呢？于是就产生了更多的“线”和“间”。

　这些临时多出来的“线”和“间”叫做“上加线”和“下加线”。上面多出来的线叫做“上加线”，上面多出来的“间”叫做“上加间”。下面多出来的“线”和“间”叫做“下加线”和“下加间”。这些“线”和“间”向上下两边呈放射形。“上加线”和“上加间”是自下而上，往上数的，分别叫做“上加一间”、“上加”、“上加二间”、“上加二线”、“上加三间”、“上加三线”…………以此类推。

在五条线下面加出的线是从上面向下数的（与上加线相反）。分别称作“下加间”、“下加第”、“下加第二间”、“下加第二线”……也是以此类推。（如下图）

这里面有一个需要注意的有两点：

1、“上加线”和“下加线”根据音符只需要画一条短线，不需要很长。够表示音符就可以了。（如下图）

　 2、在表示“上加间”和“下加间”的时候，不需要再把这个音符上面或下面的线画出来了。（如下图)

第二节谱号

在五线谱上确定音高的位置---也就是音名位置的符号叫做谱号。

谱号就象男女有别一样，在五线谱上看上去是相同的音，由于谱号的不同而代表着不同的音高，这些谱号分别有高音谱号，低音谱号，C谱号三种。

　在五线谱上标有高音谱号的叫高音谱表，标有低音谱号的是低音谱表，同样，标有C谱号的就是C谱表，亦叫中音谱表，或叫次中音谱表（后面要详谈）。一般用高音谱表的乐器大部分是属于高音乐器，象小提琴、二胡、高胡、长笛、小号、双簧管、笛子等等，还有包括人声的男女高音声部，通常高音谱表用得较为普遍，除了特殊乐器声部以外，大部分用高音谱表来标写。使用低音谱表的一般是一些低音乐器和人声的低音声部，比如象大提琴，大管、大号、低音黑管等等。而C谱表则多用于中音提琴等等……

谱例1：　高音谱号（G谱号）

谱例2：　低音谱号（F谱号）

谱例3：　C谱号

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