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少儿钢琴学校：儿童学琴有哪些地方要注意

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2019-02-27

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钢琴家刘诗昆先生10岁时即获得中国少年儿童钢琴比赛，17岁获得匈牙利李斯特国际钢琴比赛特别大奖，19岁又获得世界较钢琴比赛的亚军，是他的“学琴之路&rdqu

钢琴家刘诗昆先生10岁时即获得中国少年儿童钢琴比赛，17岁获得匈牙利李斯特国际钢琴比赛特别大奖，19岁又获得世界较钢琴比赛的亚军，是他的“学琴之路” 有什么特别的捷径吗？还是他的父母具有特别的教学方法？如果孩子学琴不刻苦，家长应该让步吗？请看记者对刘诗昆先生的采访：
（一）学琴是学业不是消遣
记者：有家长遇到这样的难题：孩子刚开始学琴的时候，热情很高；可是一段时间以后，热乎劲过去了，练琴越来越不用心，进度也不理想。此时较让家长为难，如果放弃，半途而废太可惜；如果继续，又担心强迫孩子学，也不好。请问刘先生当年是怎么学琴的？
刘先生：学琴是一件很苦的事情，不是所有的孩子都能坚持学下去的，学了一段不愿学是正常的。从我办的钢琴艺术幼儿园和钢琴艺术中心看，孩子们自己提出“愿意学钢琴”的人数非常多，这跟过去相比，是一个非常大的变化。我认为，这跟儿童的智商有关。现在的孩子生活条件好，饮食方面家长非常注重营养水平，所以他们的体质都相当棒；而且他们很小的时候已经接收到各种信息，钢琴是怎么回事儿，早就看在眼里了。现在2岁多的幼儿就可以学琴；过去的孩子基本上是4岁到12岁左右，才先后开始学琴。
以我幼年所处的生存年代考察，我能在3岁时学琴已是非常不容易了。我的父亲是搞音乐出身，经商也比较有钱，而且他决心培养儿子成为钢琴家——这三个条件缺一不可，促使我成材。
现在的父母让孩子学琴，或者满足孩子自身的要求送他来学琴，他们中的大多数都并不是想让孩子成名成家，享誉全世界。所以当孩子不想继续的时候，父母会说：唉，不想学就别学了吧，反正咱们孩子将来也不想当钢琴家！于是孩子就“合情合理”地半途而废了。
如果你们是替家长问我这个问题，我个人观点——孩子不愿意学，也得让他学。因为学琴从来都不是娱乐、消遣或游戏。
我要对学琴孩子的家长说：学琴是学业，就像孩子去上学、去完成作业一样。
有些家长觉得孩子没兴趣就学不好琴，不如不学。我对家长说：别问孩子，问自己！儿童的心理特征，自然是“来得容易去得快”，他们的兴趣容易发生转移，尤其对玩感兴趣，如果不是玩，很快就生厌了。此时家长就应该认真对待，家长不管，孩子就学不好。
还有的家长觉得弹琴就是文娱活动，培养高雅的情趣，是闲着没事时候的消遣。有这样想法的父母，也不会坚持督促孩子学琴。如果孩子对写作业没有兴趣怎么办？家长一定不会说“不想写就别写了”，大家会想尽方法让孩子完成作业，而且完成的质量还要好。在这些方面，家长的办法是很多的，拿出同样的办法来对待孩子的学琴，就没有难题了。
（二）学琴的关键不在兴趣
记者：但是家长们会这样想——强扭的瓜不甜，孩子没兴趣怎么会学得好呢？
刘先生：爱玩是孩子的天性，这个道理谁都知道，因此我说不愿意弹琴的多是正常现象。只要家长有信心，有决心，有恒心，孩子就能学得好；相反，家长不管而依靠孩子自己学习，就无法了。
学琴的关键不在兴趣，没兴趣的孩子不比有兴趣的孩子学得差，有兴趣的孩子也不比没兴趣的孩子学得好，关键是用在学琴上的时间。或者干脆这样说，哭着练和笑着练，练出的没多大分别。
记者：对于学习相对较紧张的孩子，每天需用多少时间练琴？您有后来的成就，多半依靠自己的毅力，还是家里的管教？
刘先生：每天半小时，我认为差不多了。我小时候开始学琴，每天弹45分钟吧，我父亲是比较严格的，弹琴不认真，也会挨打。3岁小孩子不懂什么前途、理想，大人让弹就弹呗，弹到10岁获得的时候，也不懂得把成绩和理想、前途一类的结合起来，那是大人们的事情。
所以我对家长说，要用鼓励、引导、奖励，适当加入威严、强制的手段，让孩子学下去。 “没兴趣学不好”是针对成年人而言的，成年人成就一项学业，没兴趣就不可能学好，但孩子可不是。不能拿成人的思路套孩子。
（三）“天资”也不是决定性的因素
记者：我们经常听到父母这样说，我的孩子手指特别长，特别适合弹琴；也有父母为孩子的手不够大担心。我们注意到您的手型的确比一般人长、大，先天条件对学琴儿童而言，占多大比重？
刘先生：家长普遍关心两个问题是——我的孩子有没有音乐天分？我孩子的手够不够大？在回答这两个问题前，我先简单告诉家长一个概念——钢琴不是给世界上少数、极少数超大手预备的，钢琴不是给超音乐天才学的，钢琴是给千千万万人学的。
从这种意义上说，正常大小的手，都可以学，只不过手偏大一点儿，优越性更多一点儿罢了，即使在刘诗昆钢琴艺术幼儿园，长着正常大小的手的孩子也是占绝大多数。关于天资问题，我并不否认，音乐天分高的人成了大音乐家。但这并不等于说普通的人就不能学钢琴。只要智商正常的孩子，绝大多数都能够正常学钢琴，而且对于绝大多数家庭来说，学琴的目的在于提高素质，不是成什么“家”。
（四）千万别把弹琴当作享受
较后，刘先生用两个比喻来形容学琴和弹琴：弹琴就像在车间里干活，是一项既艰苦，又枯燥、乏味、苦闷的工作，与其看到孩子半途而废，莫如事先看清楚这一点，并有足够的信心（不是指孩子，而是指家长），不断督促孩子学成。
他告诉记者，回首当年他的学琴道路，“任何时候都没有觉得、愉快、享受、消遣”，所谓成果是对社会、对他人而言的。出了名之后，如果问他愿不愿意演出，他的回答是“愿意”，但那是从“为人民服务”的角度，从一个音乐工作者的义务感、责任感、使命感的角度，而不是从“兴趣”的角度。
弹琴又像是拍电影，坐在电影院里欣赏电影，自然是赏心悦目的事情，然而拍电影的过程又是极度乏味甚至痛苦的。因此他主张家长：在孩子不愿意学的时候，“也得让他学”。因为学琴特别能够锻炼意志，学琴的孩子将来干什么成什么。
各门艺术中，没有什么比音乐更能直接打动人的内在情感。在人类生活中，也没有什么比音乐更能生动地表达人的心声。在欢乐时，音乐以优美的旋律、动听的声音，把人们带入欢乐之中。在忧伤时，音乐以它哀怨缠绵、如泣如诉的声音给人以安慰。在孤独时，音乐以它的真诚陪伴人们度过悠长的黑夜。音乐是生活的美酒、是命运的花朵。失去了它人生就丧失了原有的诗意和浪漫。
在现今的社会中，经济发展了，人们有了较优厚的条件，开始对音乐有了更高的要求，不但要欣赏，而且更想去驾驭一门乐器，让音乐从自己的理解中得以发展。在众多的器乐王国中，钢琴越来越成为人们中意的对象。小至3岁儿童，大到60岁老人，都想通过钢琴的演奏完善自己的人生。
因此，我们演奏一首钢琴曲，不单单只为表现出音符来，更重要的是把这首乐曲演奏得有血有肉、有内容有意境，让人们听了能受到感动和振憾。
在现今一些学生的演奏中，常常缺少的就是音乐的感觉，演奏得乏味、枯燥。正如一位国外教授在听了中国选手的演奏时说：“中国的学生有魔术般的手指。”而他的潜台台词是：唯独缺少了音乐。因此，我觉得在钢琴演奏中更重要的是多一些想象力、多一点音乐的表达能力。
如何在教学中提高学生钢琴演奏中的音乐表达能力？我从以下几个方面谈谈自己的观点。
一、正确的读谱：
提到正确的读谱，许多学生认为只是音符的正确、节奏的正确。而事实上除了这两者之外还有许多重要的标记，都直接影响对乐曲的理解、表现对乐曲风格的处理。
1、音乐术语：包括乐曲情绪、表情、音乐的性质、速度等等。这些术语提示学生，乐曲是欢快的或抒情的、是快板还是行板或慢板，这直接关系整个作品的风格把握。
2、具体的力度标记：在古典音乐中，一般从pp到ff之间就有p、mp、mf、f的六个不同层出不次。而浪漫乐派及后期作品从pppp到ffff，幅度更加宽。还有sf、sfz或crese、dim等等。这些具体的力度标记，同样关系到了乐曲演奏中音乐的表现。
3、速度的不同变化：如：放宽（Allargando）、减慢渐弱（Calando）、加快（Accelerando）、逐渐加快（Stringendo）等等。不同的速度变化直接影响乐曲的。因此，学生在演奏作品时要把握不同的速度要求，尽可能表达出作品的本意。
二、音乐表现力的基本要素：
1、抓住音乐特性是表现音乐的关键。
音乐特性指音乐内容、情绪、形象意境等所决定的音乐的局部特性和总体风格。
音乐特性是音乐的实质，是领会音乐把握音乐的基本要素。它决定我们用什么方式、什么手法、什么情感去表现音乐。所以，我们讲表现音乐，首先要把握乐曲音乐特性。
（1）、有的音乐是抒情性，以优美如歌的旋律来抒发情感，情绪上可以是亲切的、动人的或是安宁的。对这类音乐的表现应抓住其特征，抒情的、歌唱性、声音柔和优美。
（2）、较活泼的：在音乐表现上应是轻快活泼，节奏性强，声音明亮轻巧的。
（3）、激情类的：在音乐表现上是力度较大、手法较复杂，尤其要注重情感的投入。
2、分析作品的音乐性质。
音乐是通用的语言，是可以融入人的情感而存入人心灵之中。当我们准备表现某部作品时，首先要分清乐曲的特性。我们可以凭直觉来体验，或是标题、标记来确认，或以分析作品来感觉。
分析作品音乐特性是为通过把握不同音乐特征，结合自身音乐感觉把作品生动地表现出来。同时还要掌握一定演奏技巧。只有把音乐目标和技术手段结合起来，我们才会有比较的音乐表演。
三、各个时代音乐风格简介：
音乐起源于劳动，发展在各个社会阶段中，扎根于劳动人民的心里，人类对音乐在不同时代有不同的要求。因此，不同的时代、不同的作曲家风格形势也各不相同。在众多的钢琴文献中，不同作品处理各不相同。而钢琴学生为丰富自己的曲目、拓宽视野，应多接触各个时期的作品。在这里我把各个时代的风格作下简介：
1巴洛克时期音乐：
巴洛克时期从年代上大约始于1600年至1705年间，当时的思想是博大的，在音乐领域内出现了一些意义深远的进展。在巴洛克时期，节奏是特别强烈、活泼、持续和反复的。在旋律方面是活跃的，持续不断地展开，而且常用颤音和其他装饰音技巧来修饰。在结构上多用的是复调音乐、多旋律。在速度和力度变化上，巴洛克时期的作曲家次在乐谱上标志了速度，使用了“柔板”、“快板”等字样。它的特点是“阶梯式的力度变化”。是一个均匀的的弱音段后面跟一个均匀的强音段。例如巴洛克时期代表巴赫，他的管风琴音乐将科学与诗歌、技术与情感、精湛技巧和高贵的思想融为一体，使过去的复调音乐充满活力，他是巴洛克音乐的巅峰人物、是艺术史上的巨人。
2、古典时期音乐：
古典时期音乐一般认为始于1750年（巴赫逝世的那一年），结束于1827年（贝多芬逝世那一年）。在风格上严谨而优雅、简朴庄严、准确。古典时期音乐着重形式美、稳重、有秩序、合乎逻辑，同时又有大胆发挥、创造性、幻想的情感。在节奏上，作为音乐整体的一部分，以“极甚精妙和敏锐的手法”来处理。在旋律上，认为旋律是古典和浪漫时期音乐的“灵魂”。在力度上，不同于巴洛克时代的“阶梯式力度变化”。而是被另一种力度变化而代替，即在一个段落中强音和弱音更多突然的和戏剧性变化。如：古典时期的莫扎特—较杰出的天赋音乐奇才，而贝多芬—一位强烈而激情的不朽的咆哮者。他们两个人音乐十分具有代表性。罗曼·罗兰曾说：莫扎特的音乐是生活的画像，是美化了的生活。他的音乐总是指向心灵，并且始终表达情感或激情。而贝多芬的音乐，宣扬了自己生活和创作的准则，那就是较强有力的音乐。贝多芬晚期处于巅峰状态，他的作品被“超越了从前所有音乐，向人类想象力所能触及的较高领域翱翔”。这时他完成了两首较宏伟的作品《第九号交响曲》《庄严弥撒》，一位教授称贝多芬为“人类情感和思想的彻底解放”。
3、浪漫时期音乐：
浪漫时期包括了19世纪大部分时间，并至20世纪开始的艺术革命，后由次世界大战导致人们的理想幻灭而结束。从18世纪末至19世纪，到处充斥的民主和个人主义精神，不可避免地反映在艺术上。诗人画家、音乐家喜爱的是主观性和内心表达，而不是客观性和形式。
这是一个十分有利音乐发展的年代，这是一个从表述情感主义和梦想的时代，是一个自由的、自然的时代。浪漫时期，要类取得胜利，得到解放。浪漫时期的音乐比20世纪音乐温和得多，也更富抒情色彩，比音乐史上任何时期更吸引了广泛的听众。浪漫时期音乐在节奏上过多使用了有规律的重拍。在旋律上，极为强烈，事实上浪漫时期的旋律直到现在仍然是公众心目中旋律。它是“如歌的、热烈的”，而“抒情”是关键的。在和声上比古典音乐要复杂的多，有更多的转调和半音体系。在力度变化上比古典时期多得多，在力度变化上和音乐的其他方面一样，浪漫主义作曲家喜欢突然的变化，而这是古典作曲家及力避免的。
在浪漫时期音乐中，肖邦较具代表性。肖邦是钢琴时代较多才多艺的钢琴家，历史上的钢琴家之一，也是大作曲家中只写钢琴曲而不写其他作品的人。肖邦是小型曲式，他的作品大多数激烈、富于诗意、充满感情。许多作品充满着巴黎人的细腻，而另一些则又显出波兰人炽烈的爱国热情。波兰舞曲起源于波兰，一般认为是傲慢、威严、列队行进的交际舞。肖邦较的波兰舞曲包括：A大调“军队”及降A调“英雄”。马祖卡舞曲在肖邦的全部作品中占有特殊地位。它们概略表达了奏鸣曲、诙谐曲等等所产生的英雄气概、雄伟和复仇心。马祖卡舞曲是肖邦的精髓—重感情而不重理智，愉快和悲哀交替进行。
4、20世纪时期音乐：
20世纪的音乐较多样化，开始时自主性、情感主义和标题音乐，但很快就被一种新的纯音乐代替。在节奏上，20世纪音乐中，节奏得到了充分体现，比过去任何时期变化更多、更复杂、更有活力。有些作曲家试采用“多节奏”。在旋律方面，这一直是音乐要素中固定成分，而在20世纪音乐中旋律让位给节奏、和声、音色，有时根本无旋律。
德彪西是钢琴音乐创造者之一，是印象主义音乐的奠基人，他代表了从浪漫主义到20世纪音乐的主要过渡。这一时期，几乎没有人比德西更为重要。他在音乐艺术中进行了一场彻底，发明了他以前认为“不协和和弦”的和弦联合在一起的新方法，并利用它们产生精美的和声，他打破了大传统的规则，制订了一些旨在表现转瞬即逝的感觉和微妙、飘浮不定的情绪的新规则。
通过以上介绍，使学生民解掌握了不同时代不同风格，这对学生理解作品有很大帮助。同时，为更好地表达音乐提供了可贵有资料。
四、提高个人修养是提高音乐表现力的前提。
前面分别介绍了一些关于应提高音乐表现力的几条要素。同时还应提高学生的个人音乐素养、文化修养以使更好表达作品。
1、了解中外文学作品：介绍学生多读关于音乐史书籍，了解作品的时代以及特点，了解作曲家生平、背景。
2、了解中外文学作品：通过多读中外文学作品开拓思路，提高表达能力。
3、多看绘画：艺术是相通的，通过多看好的作品（绘画），可以提高学生的想象力。可以通过音乐作品给人们展现一幅画面。
4、多欣赏音乐作品：为开阔学生的音乐视野，应组织学生或提供学生多听音乐会、听音带观摩等等一些接触音乐的机会，让学生提高个人综合素养，可提高学生作品演奏技巧，更好地表达音乐作品。
钢琴学习与固定音高概念的培养
在我国视唱练耳教学中，首调概念占有一定地位，这种状况从普及性音乐教育角度来看，自然无可非议、然而从较强的专业角度来看，仅仅掌握首调概念，对一些复杂音乐作品的读谱与视唱时就会显得力不从心，如果再涉及到像“十二音技法”这样的现代音乐作品的读谱与视唱时，使用首调概念更加显得鞭长莫及。如此看来，没有较好的固定音高概念便无法全面准确地理解与]把握不同时期、不同风格的音乐作品。
钢琴是固定音高乐器，而学习视唱练耳本身又离不开钢琴，因此，学习钢琴除了学习演奏技术以外，还能增强与培养视唱练耳的综合能力，从这个角度看，学刀钢琴又是培养固定音高概念的基础。在我国数以万计的钢琴学习者中，无论是从年龄还是从素质上看，他们大都具备掌握固定音高的条件，然而从目前的现状看来，真正全面掌握固定音高的儿童毕竟是极少数人，造成这种现象的原因是大多数学生敏乏这方面的训练或是训练方法不当所致。就此笔者想谈一下进行固定音高训练的方法。
一、钢琴学生进行固定音高训练的基本方法
大量实践或资料表明，3岁到6岁是儿童掌握固定音高概念的时期。这一时期，幼儿的听觉极为单纯与敏感，在钢琴（包括其他乐器）上反复奏响的每个音都会在他幼小的心灵上留下深刻的印象，不需参照任何标准音，记忆与听辨这些音高对幼儿来说可谓轻而易举，这是成年人所望尘莫及的。因此，进行固定音高概念培养必须从儿童时期开始。
（1）3岁至4岁这时期的幼儿多数还没有开始学琴、家长可采取让幼儿边认谱边听音的方式，让其对各种音高的记谱法及音响有一个较初的认识，在实际作法中，可将放大尺寸的五线谱中的音符作为一种趣味性的游戏让孩子辨认，对于不同时值的音符可采用击拍的方式让幼儿进行听辨。家长可使用钢琴上固定音高的唱名，边弹琴边唱给孩子听、与此同时也让孩子对钢琴键盘结构产生一个感性的认识，用这种让孩子多听多看的方式对幼儿进行启蒙教育，无论是在听觉上，还是对日后的钢琴演奏都会打下良好的基础。
（2）4岁至5岁 4岁之后，有些孩手已开始学习钢琴。此时。儿童每天弹琴的各种练习材料便是训练固定音高的教材。例如，“小汤普森”这套材料，它的一至五册中的音高已遍及了钢琴上所有的半音以及各种协和的与不协和的音程甚至和弦，这些被儿童反复练习过的音高材料会自觉或不自觉地留在他的记忆中，此时，钢琴教师与学生家长切莫只强调学生的演奏技巧与进度，而忽视了对其听觉上的培养，具体方法是：教师较好在钢琴课上每次拿出一点时间让儿童听辨并唱出其反复在琴上练习过的音高，即提示那些已印入脑中的音高，使之不能被忘记。并且要准确唱好为佳。笔者认为在钢琴课上这样作有两点益处：首先这种作法使学生对于音程的听辨有足够的重视，并当成一种作业来完成；其次也能够让家长认识到这一作法的重要性，家长除了监督孩子练琴外，应在每次练完琴后拿出15分钟左右的时间对儿童的听辨、模唱进行日常的监督。用这种方法进行练习至半年左右时，学生便能对钢琴上的12个半音及弹奏过的所有音程、和弦在听辨能力上达到非常熟练的程度。此时，教师可根据学生的具体情况对各种原位的与转位的三和弦与七和弦作进一步的听觉培训。但应注意遵循由简到繁、循序渐进的原则。这样约经过一年左右的时间，学生便可毫不费力地记住并掌握在12个半音上所建立的各种和弦。
（3）5岁到6岁学生经过两年多的演奏与听音、模唱训练后，固定音高概念在其心目中已形成。但这时，他（她）在对固定音高的反应上主要是停留在对各个单音、和声音程以及各种和弦的听辨与模唱上。如果让其变被动为主动地的完全脱离钢琴准确地唱出某些具体的固定音高，仍有一定的难度。因此，应让学生练习不参照任何标准音而唱出十二音中的任何音的练习。具体的方法是：学生根据自己内心已有的固定音高，在钢琴的监测下，想像并哼唱十二音中的的任一音。进行的程序仍是从单音、音程、和弦等由简到繁、循序渐进地来进行。每天坚持练习，并复习以前听辨与模唱过的音高材料，大约需要一年的时间便能够运用已经掌握的固定音高来准确无误地唱各种复杂的视唱了。至此，全面的固定音高概念便以形成。
影响固定音高概念形成的一些不利因素：
如前所述，虽然儿童的大脑单纯，能凭记忆记住各种固定音高，但同时也很容易受各种不利于固定音高概念形成的不利因素的影响，例如：
（1）钢琴的校音
这点应引起教师与家长的重视。目前我国大部分家用钢琴比标准音低半音左右，这是调律时间隔太久所至，若在这种钢琴上练习与培养固定音高，其结果是可想而知的。所以，时刻钢琴的标准音高是培养固定音高较基本的条件。
（2）严禁使用首调唱名法
首调唱名法一旦用于儿童。将不可避免地动摇其原有的固定音高概念。久而久之，固定音高概念自然会从孩子的心目中消失。
（3）应避免学生哼唱唱名与实际音高不相符
儿童在学弹钢琴的过程中，常常会自觉不自觉地哼唱起弹奏过的练习曲或乐曲中的旋律音调，这是很自然的事情，但是由于其固定音高概念还不强，再加上一些器乐化的音域与儿童的嗓音音域不相符等因素，使孩子在哼唱时感到困难，故他会很自然地产生了使用移调哼唱的现象。尽管孩子此时仍然使用固定音高的唱名并且不同于首调概念，但这种现象的出现仍会造成儿童在听觉上的混乱，而较终影响儿童的固定音高的概念。
（4）避免听看非固定音高的音像制品
当前很多练习曲、乐曲都被录制成示范性的录音磁带（或录像带），但由于很多录音机（录像机）的转速快慢不一，致使同一磁带（或录像带）在不同的录音机（录像机）上播放时，音高出现偏低或偏高的现象。另外。还有一些盗版或翻录的音像制品本身质量上就不合格，对于作为正在接受固定音高训练的学生来说，在欣赏录音磁带上的音乐时，一定要测试录音带的音与标准音高是否一致。否则，便不应该让儿童盲目聆听与欣赏。上述各种不良影响应引起教师、家长、学生的足够重视。
笔者从80年代末开始探索儿童在有关固定音高概念领域的训练与培养，在长期的教学实践申，先后对大量的儿童钢琴学习者进行了有关的训练与培养，实践中发现对3至4岁的幼儿进行相关的培训，取得的。这个年龄段的孩子，在接受训练后大都在6岁左右便能自如地听辨与唱出12个半音中的任何一音与种结构的和弦，这些训练过的孩子对于各种标准音高的辨别准确率为。在视唱时他们仅靠大脑记忆中储存的固定音高概念便能自如地唱出任何标准音高，即使在一些调性、调式多变、音程发生大幅度跳进时，孩子们唱出的音高准确率仍在95以上。这种表现，在视唱无调性音乐作品时尤为显得突出，其准确率更会令人感到惊奇。
突出的听力表现为孩子们在钢琴上视奏时，仅凭听觉便能判断出视奏正确与否，因为他们在读谱的瞬间，大脑便能对乐谱上的音高作出迅速的反映，以固定音高概念为基础的良好的内心听觉己经走在了演奏的前面，因此当奏出的音高一旦与大脑中的固定音高不相吻合时，内心听觉会迫使他们很自然地在键盘上寻找正确的音高。由此可见，固定音高概念一旦形成后，将大大地有益于钢琴学习的全面发展与提高。
在对4至5岁的儿童学生的观察中发现，固定音高的教学依然非常理想；5至6岁的儿童接受训练后，在音高听辨上仍然表现出惊人的准确率，但在唱音方面的准确率却有所下降；6岁至10岁之前的孩子接受训练后，在音高的听辨能力上表现良好或较好，但准确率不够稳定（尤其是在面对各种复杂的七和弦时），7岁以后的孩子在唱音上表现较差，即使能够唱准，也显得非常勉强；10岁之后的孩子大都失去了形成固定音高概念约有效时期，这一时期的孩子即使通过训练，也收效甚微。笔者认为，形成这种状况的主要原因是这些孩子在记忆力较单纯的时期--固定音高形成的时期，没有良好的固定音高环境以及没有经过良好的训练所致。笔者在实践中还发现，在接受固定音高概念培养的有效期内中断钢琴学习的孩子，标准的固定音高概念会减退甚至丢失。而不间断的、经过5年以上的训练大都会取得稳定的固定音高概念，这种概念可能会成为终生记忆。
当前在我国众多的琴童中间，必然有些将来要进入专业院校学习，他们日后很可能成为面向未来的各个门类的音乐教授，从小使他们在学钢琴时就能练就具有固定音高的音乐耳朵，无疑具有非常重要的意义。因此，能在他们学习钢琴的同时，加强固定音高概念的早期培养，岂不是一件更好的事情？笔者期待着音乐界更多的人士在此方面给以更多的关心与重视。