山东艺考,古典音乐在音乐史上5个时期的简单划分-中音阶梯音乐培训学校

当前位置：

首页 > 音乐艺考培训

山东艺考,古典音乐在音乐史上5个时期的简单划分

编辑:

中音阶梯|

时间：

2019-11-21

所属栏目：

音乐艺考培训|

阅读量：

山东艺考,古典音乐在音乐史上5个时期的简单划分山东艺考古典音乐在音乐史上5个时期的简单划分一般可以这样分的：一、中世纪时期（1450年前）：单声部教堂音乐为主，以格利高里圣咏为代表。二、文艺复兴时期（1450－1600年）：音乐的理论和实践发展，多声部复调音

山东艺考,古典音乐在音乐史上5个时期的简单划分

山东艺考

古典音乐在音乐史上5个时期的简单划分

一般可以这样分的：

一、中世纪时期（1450年前）：单声部教堂音乐为主，以格利高里圣咏为代表。

二、文艺复兴时期（1450－1600年）：音乐的理论和实践发展，多声部复调音乐盛行，器乐开始兴起。

三、巴洛克时期（1600－1750年）：巴赫、维瓦尔第等音乐家诞生，音乐理论有了长足发展。器乐曲盛行，数字低音、调性体系等概念出现。这是一个承前启后的时期。

四、古典主义时期（1750－1820年）：这一时期的音乐单纯、明朗、优美、均衡为主要特点，数字低音已经舍弃不用，表现手法丰富，奏鸣曲等各种曲式确立。莫扎特是这一时期的典型代表。

五、浪漫主义时期（1820－1910年）：现在说的古典音乐作品中的绝大部分出现在这一时期。这一时期诞生了大量作曲家和优秀的作品。贝多芬是古典主义末期、浪漫主义初期的代表。浪漫主义时期特点是音乐开始有标题，作曲家不再纯粹追求音乐美感，而是表达个人情感，呈现以德奥为主流，民族、地域风格各具特色的趋势。

六、20世纪（1900－现在）：新古典主义、新浪漫主义、印象主义等近现代音乐流派出现。

78人！山东省实验中学2019年中考艺体特长生招生项目公布

齐鲁网1月31日讯山东省实验中学消息，根据《2019年济南市普通高中学校招收艺体特长生工作意见》（济教办字〔2018〕30号）的要求，经学校认真研究，并报请市教育局批准，学校今天对今年艺体特长生的招生项目及招生人数向社会公布。招生计划共78人，其中艺术类、体育类各42人、36人。详情可咨询电话：86920846、81605126

音乐剧、歌舞片和音乐剧电影，这三者是不是一个概念

我一直主张，在讨论一些电影术语的时候，尽可能还原成英文加以参照。因为大多数电影术语都是先在英文世界里出现，再引入到中文世界的。当然在翻译和应用过程中，中文术语的含义可能会发生变化，并独立发展，这也是需要考虑的。

音乐剧，就是musical，一种舞台艺术形式，比歌剧大众化，脱胎于杂耍剧场，包含歌曲、舞蹈、戏剧、杂技和综艺表演等元素。音乐剧有说白，还有跳舞（也有的音乐剧如《悲惨世界》无跳舞），融合许多流行唱法；歌剧则以纯唱为主。

歌舞片，如果是在明确的电影语境里，可以直接简称musical，如果为了和舞台上的musical区分，也可以更具体地称之为musical film。这种电影类型，以前在中文里译法不太统一，也有叫「音乐片」的，现在更多叫「歌舞片」。

作为电影的歌舞片，和舞台形式的音乐剧（特指百老汇，也可以加上伦敦西区音乐剧、法国音乐剧等西方国家的舞台艺术形式）确实存在很紧密的关系。一种常见的说法是歌舞片脱胎于音乐剧，我倾向于不采用这种类似「父子关系」的表述，我更喜欢将这二者看成并行的「兄弟关系」。

诚然，早期歌舞片是在借鉴舞台音乐剧的表现形式和故事题材甚至直接改编剧本来发展的，所以人们在为这种类型命名的时候，直接照搬了现成的musical，因为它确实看上去和音乐剧很像。但这个类型术语在被命名后，它也获得了独自的生命力，有了自身的发展。

为什么我说是「兄弟关系」，因为，在有声电影技术发明后，电影和音乐的深度结合将是一种必然（超出纯配乐的功能），所以，即使没有音乐剧这种舞台形式，某种相似的组合电影与歌舞的形式也会被发明出来。现在，既然音乐剧已经有了，有声电影当然可以方便地借鉴、抄袭、复制。我觉得这是一种先来后到的关系，然后双方在互相学习中发展，并丰富这种表演形式。

如果仅仅是在好莱坞的传统下，认为音乐剧和歌舞片差不多，我觉得问题不大，因为两者的合作关系太紧密了，文化特征太相似了，musical这个术语的含义，已经被拓展为泛指一种将歌舞元素融合进故事叙述的表演艺术，它可以是舞台形式的，也可以是电影形式的。但我们较好承认，不少好莱坞歌舞片是和百老汇音乐剧传统关系不大的，但这也不妨碍将两者统一在musical的大概念下。

如果把musical的概念放大到全世界，问题就非常复杂了。比如印度电影中有大量歌舞片，即使是非歌舞片，也可以包含大量歌舞元素。这是因为，歌舞表演是印度的舞台传统，从古典梵语戏剧，到各种民间戏剧，例如什么塔马舍、瑙坦基，还有流浪帕西人的戏剧，一直以大量歌舞表演为主，这自然会影响千百年来的观众欣赏习惯。所以当技术条件具备之后，印度电影很自然地发展出歌舞片这种类型。

类型片理论和术语，基本还是一套西方中心的话语，所以大家也会把西方那套现成的musical说辞，去套印度的情况，遇到其他国家也差不多。而大多数国家并没有严格意义上美、英、法流行的那种音乐剧，但它们的电影当中多半会拥有某种形式的歌舞片，其形成或许部分是源于本民族的舞台歌舞表演传统，或许部分借鉴自好莱坞歌舞片/百老汇音乐剧。在运用音乐剧和歌舞片术语的时候，我觉得了解这种区别和渊源就够了。

至于「音乐剧电影」，在我的印象中，这不算一个被严格定义的学术术语，从字面上来理解，可以视为根据音乐剧改编的电影？或者严格遵守音乐剧传统和规则的那种歌舞片？那么在好莱坞语境下，这个词和「歌舞片」的区别其实不大，但不太好应用到非好莱坞的、非音乐剧传统影响下的那些歌舞片上。

?美声唱法的特点

美声唱法的特点是什么?美声区别于其他唱法的较主要的特点，用一句话来概括就是美声唱法是混合声区唱法。

正如前面说过的，美声唱法从声音来说，是真声假声都用，是真假声按音高比例的需要混合着用的。从共鸣来说，是把歌唱所能用的共鸣腔体都调动起来。这种唱法本身有他自己特有的“味道”，特有的音响特色。学习和掌握美声唱法的过程，等于用我们的歌唱训练来制造我们的嗓音乐器。美声唱法所需要的歌唱乐器唱出来的歌声是有他特有的“味道”的。

有人问我美声唱法与民族唱法的界限是什么?怎样训练?我想可以从唱法训练和共鸣的不同这两方面来区分。

，唱法的训练：如果全面地考虑世界艺术歌唱，这唱法上的区别，是指唱法本身嗓子的力量及其真假声的比例是什么状态，要混合到什么程度，是以真声为主还是以假声为主。

第二，共鸣的不同：美声唱法是全共鸣，有些唱法只用部分共鸣，有的不需要唱到那么高，有的不需要唱到那么低，共鸣腔体的运用，用上部、用下部、用中间，这是区别唱法的几个方面。

美声唱法是混合声区，混合共鸣，声音真假混合，共鸣同时出现。有的唱法共鸣用得比较暗。美声唱法唱歌剧时后边咽腔和鼻咽腔用得多，唱音乐会的后边用得少，到高音也不掩盖。这些唱法虽然都叫美声，但是唱不了歌剧，虽然都是专业的，唱法上的区别也很大。

在国际比赛中，常遇见这种情况，有的参赛者的歌剧选段唱的非常好，到唱艺术歌剧时，就完全不对了;或者艺术歌曲唱得非常有味，很正，但歌剧选曲唱不好，这些情况都不能入眩唱不同的作品要在唱法上有细微的变化，才能适应作品的需要。另外，在世界上各种唱法就更多了，但不外乎嗓音的使用方法和共鸣的组合法的不同，这两方面各种组合的可能性都有。艺术的歌唱包括很好的民歌，好的歌唱者都是根据所唱的作品选择唱法。从另一个角度考虑歌唱中语言的位置，元音的位置不同所产生的共鸣也不同。有些唱法希望保持元音的位置不变，从低到高保持元音不改变，保持共鸣的统一，甚至唱华彩部分，咬住原有元音不改变，绝不允许到高音用A来代替原有的元音。

美声唱法于戏曲唱法老一辈歌唱家向外国人学习美声唱法，学习了美声的发音、共鸣和外国语言唱法，他们学的多是外文歌曲，因为外国人教声乐不会中国语言，更不懂中国语言的讲究。因此，有些老一辈学美声的歌唱家唱中文歌曲往往咬字不够好，吐字不清楚。

解放后声乐界探讨土、洋唱法的过程中，有人提出美声唱法吐字不清的问题，美声唱法开始研究中国语言唱法。在这方面特别需要向民族传统吐字学习，尤其需要向单弦、京韵大鼓这些说唱音乐学习。说唱艺术的吐字完全可以用于美声唱法的语言中。北京的单弦不离开说话的基础，怎么唱，不论多高多低还在说话的范围，这是牌子曲的审美。同样是说唱音乐，京韵大鼓相对地比牌子曲共鸣多些，声音在某种意义上脱离了说话。单弦牌子曲几乎跟说话一样，比说话夸张些，京剧就更夸张了。

咱们习惯了这些个唱法，但其实你仔细听各剧种的语言跟说话已不一样了。京剧已经有一套共鸣的办法，老生更接近语言，“a”更白些，“I”用脑后音，声音那么靠前那么亮。“I”到高音就要用脑后共鸣了。咱们在发“I”音时喉器位置高，发“u”音时喉器位置低。大夫看嗓子时要求发“I”音，，因为发“I”音时喉器上来了，容易看到声带。京戏的“a”，一点多余的音也没有，一点没有音包字，唱“I”元音时，跟说话不一样，声音从后边出来。语言夸张到什么程度，扩展到什么程度，也决定于方法的不同。

在美声唱法中，男声不存在像老生那样的唱法，老生用真声的比例多。女声更接近青衣，指的是真声假声混合的程度，主要区别在共鸣腔体的运用上。尽量解放你可能用得上的共鸣，当然这里有个审美的问题，用太多的共鸣就不自然了，既要用好共鸣，又要用得自然，这得有适当的尺度分寸，可是艺术很难用几尺几寸来衡量。各种类别、各个时代不一样，各种风格、各种形式也不一样。歌剧、艺术歌曲、清唱剧在美声唱法中有各种不同的用法，这需要用歌唱的感觉和灵敏的听觉去辨别。

总之，美声唱法是混合声区，这种唱法在真声的基础上，随着音高的上升，假声的成分逐渐增多而变得以假声为主。要利用更全的共鸣，男女、高低的唱法是统一的，这是美声唱法的较大特点。我国戏曲声部的划分不是按男高、女高、中音、低音;而是按行当，各个行当有各行当的唱法，不同的人物，不同的行当唱法是一样的。在戏曲中，某一类人物是指正面人物、反面人物、丑角等，他们的唱法是不样的。美声唱法表现各种人物，正面人物、反面人物在唱法上是一样的，但是唱出的人物性格是不一样的。美声唱法是高低声部不同，戏曲唱法是行当不同，高低差不多，例如：老生与黑头唱法不一样，但音域差不多，黑头稍低也低不了多少。老生张嘴就是A2，一个弯上去就是B2。行当不一样，唱法就不一样。在我国传统的戏曲里没有真正的重唱，因为我们没有和声的基础，后来样板戏写了和声，那是尝试，传统戏曲不是这样。

关于唱法，可从各个角度来说，嗓子的用法可以有各式各样的，共鸣状态的选择可以有所不同，从语言的形状，加上带共鸣的语言是什么形态，就可以区别是什么唱法。民歌也好，戏曲也好，都有唱法的区别。我们声乐教学会涉及到不同声部，不同唱法，如果美声、民族什么都教，我想这样谈这些问题也许会有些帮助。因为这里唱法上的关系都是一样，但共鸣的比例不一样，唱出来的音响也不一样。美声唱法的学派与风格有学生问我怎样区分美声唱法的学派，我想世界上只有两大学派，一个是好学派，一个是坏学派。我倒想讲讲风格问题。唱不同风格的作品，选择曲目不一样;风格不一样嗓子的用法当然不一样。但从技术本身来看，俄罗斯学派有好有坏，意大利学派也有好有坏。

1988年在意大利那坡里举办玛利亚·卡拉斯国际声乐比赛，请我当，比赛结果进入决赛的10个人中，的男声是一名日本的小嗓男高，还没有高音，整个比赛中连一个像样的男声都没有。意大利的声乐学派也有好与不好之分。真可惜呀!虽然美声唱法出自意大利，但有些老师完全不是传统的意大利学派，去意大利学习的人想找个教美声唱法的优秀的老师很难很难，歌唱的好与不好有唱法问题也有风格问题，譬如：俄罗斯有些唱法口腔用的比较多，尤其是男中音。这是他们语言的特点，也不是方法好坏，不完全因为用他们的作品、他们的语言、训练出来的就是这个味儿，其中有方法问题，如果方法不改，唱其他国家的作品也是这个味儿。现在科学这么发达，又这么方便，人与人的关系就更近了。维也纳放一个新年音乐会，全世界都听得见看得见了。同时，谁也不比谁先知道。学派的距离越来越近了。如果说有区别是语言和风格上的区别，因为风格不同，要求的技术方法也有区别。要掌握原则，也须灵活运用关于歌唱乐器使用问题，好的真好，但也有各式各样的好，好的并不一样，这是一般规律。

总的原则是唱什么就该是什么味儿，唱自己的民歌，你可在语言和共鸣上选择哪个多点，哪个少点，老百姓更喜欢语言比较亲切感情更健康的演唱。歌唱乐器使用有多种方法，但原则上是不能付出太多代价，尽量做到非常省力，既知道该怎么用方法，又不费劲，这种方法就是好的。大的原则清楚了，小的问题可以调整，语言问题更是这样。德国人比较重视语言，他们对歌剧或艺术歌曲的要求也不一样。我跟一个卖唱片的外国人一起听一张唱片，是Perttile唱的，他是继Caruso以后在Seala唱主角的，卖唱片的外国人说他唱得有点“冒”，我说我喜欢;卖唱片的又说“关”(指进高声区的“关闭”也叫“掩盖”)得太多。外国人各有各的喜爱，民族的审美也不一样。所以，允许我们把美声学到手，按我们的办法唱，让它符合我们感情的需要。但一定要合理，你说我要创新，如果违背了科学的方法，那你自找麻烦，在合理的范围内，你可以创新嘛!包括掩盖，那时为唱意大利歌剧用的，为唱好我们自己的东西，我们可以改嘛!为什么不可以?既要掌握原则，也可以灵活运用。但有些基本的原则，你违背到不科学的地步，自己会吃亏的。

（赞是一种鼓励 | 分享是较好的支持，感谢您的阅读）

1、中声区要扎实稳固，才能扩展音域。

2、自己就是自己，每个人的乐器构造不同，所以不要模仿，唱自己。

3、正确的声乐理念来源于了解自己这件乐器。

4、吸气时学会把胸腔打开，肋张开，打开喉，吸气积极状态。

5、歌唱从强到弱，较后回归到气息上去。

6、一个歌唱者，首先看音乐基本功，再看技术基本功，再尊重原作的基础上发挥自己。

7、音乐修养诸问题：

歌唱对音量的误解；

保持本色、不贪婪；

木桶的故事告诉我们，要不骄、不燥、做自己，做平凡的人；

用眼睛去歌唱；