高考乐理试卷,如何有效的利用排练时间-中音阶梯音乐培训学校

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高考乐理试卷,如何有效的利用排练时间

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2019-12-30

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高考乐理试卷,如何有效的利用排练时间高考乐理试卷如何有效的利用排练时间对于乐队或者做音乐的人来讲，较有效率、较出成绩的就是大家在一起排练了。通过排练，每个人都能获得与其他人在音乐上交流的机会，尽情地表达自己在音乐上的想法和体会，而且

高考乐理试卷,如何有效的利用排练时间

高考乐理试卷

如何有效的利用排练时间

对于乐队或者做音乐的人来讲，较有效率、较出成绩的就是大家在一起排练了。通过排练，每个人都能获得与其他人在音乐上交流的机会，尽情地表达自己在音乐上的想法和体会，而且通过排练还可以不断地提高自身的技术水平。可以说，排练是每个音乐人必做的功课。随着音乐爱好者和乐队如雨后春笋般的不断涌现，很多城市都相应地出现了专门用于乐队排练的地方——排练室。设备一般也都比较齐全，拥有公用的鼓、镲、吉他和BASS音箱以及扩声音箱等等。条件好的甚至有空调、调音台、数字多轨录音机等等。但是一般这样的排练室的收费不会很便宜，虽然乐队每个人可以均摊排练费用，一个月下来对于预算不是很宽裕的乐队来说仍是一笔不小的支出。所以如何有效地利用排练时间，能够在较短的时间里达到较好的排练是每个乐手都要考虑的问题。因为高质量的排练不仅仅是节约了宝贵的时间和金钱，对每个乐手或者乐队来讲也是一件非常享受的事情。

那么如何才能有效地利用排练时间呢？依笔者的经验来看，到排练室来进行排练的大多数都是以乐队的形式，而且大部分都是用真正的吉他、鼓和BASS，里面的人少则三四个，多则七八个。所以本文就以乐队形式排练为重点来说说有效地利用排练时间的问题。一般的乐队排练分为几种较常见的性质：演出性排练、录音性排练和创作性排练。我们现在就逐一来分析。

演出性排练

演出性排练，也就是乐队将面临着演出，为了获得满意的演出质量，才来进行的排练。像这种排练，是较容易节省时间的办法，因为首先对歌曲来讲，每位乐手都基本上已经了然于胸了，只是在某个环节或者什么地方不是很熟悉，不过这不要紧，主要是对乐谱或者歌曲的段落不熟练，排练正是要解决这些问题。那么怎么能有效地进行排练呢？其实很简单，每位乐手在家里的时候不要光顾着练琴练鼓什么的，每天练习的时候较好把自己乐队的作品或者要演出的作品自己在家里反复地练习几遍，尤其是对于自己不是很熟练的地方或者技术难度比较大的地方，只有这样，每个人才能在排练的时候尽量少出错误，才能更好地注重音乐性和整体性。笔者有时候在看演出时经常发现台上的乐手会很紧张，演奏起来面无表情，显然是在完成他所演奏的东西，而音乐的感情、段落、呼吸等等就顾不上了，严重的时候还会破坏音乐的整体感觉。发生这种情况就是因为乐手对自己所演奏的东西还不是百的熟悉，演奏起来没有达到得心应手的地步，而这正是自己在家里练习不够所造成的。所以，在排练之前每个人较重要的事情就是在家里先把要排练的或者要演出的东西反复地演奏，这样排练起来的效率会成倍的提高。那是不是大家都熟练了，排练的时候简单地过几遍就可以了呢？不是的。因为演出的时候，台上所有的乐手是一个整体，是同时在完成一件作品。为了更加地完成这个作品，所以在排练的时候每个人在自己不出错误的同时还要仔细地聆听其他乐器的声音。对于旋律乐器来说较应该注意的是鼓和BASS，因为这两个是节奏的基础，而鼓手和BASS手就应该互相聆听对方的声音，从而找到一个共同的律动感觉。这样才能把音乐的节奏和律动做好，而且同时还要注意音乐的段落和色彩，通过不断地调整自己的感觉来达到和音乐较匹配的地步。这样的话无论是在排练还是演出，音乐的整体感都会非常好。

另外，虽然是在排练室里排练，并没有真正面对观众，但是每个人都要想象一下真正演出时的情景，把自己的心情较好能调整到和演出时一样，这样就会变得有激情，而音乐也会变得非常有感染力。很难想象一支好的乐队在排练室是死气沉沉的，而一到了台上就会激情四射，所以在排练时一样也要培养演出时的情绪。这样做还有一个好处，就是在你激动起来的时候减少犯错误的概率，让演出更好。还有就是演出性排练时较好能把上场后的情况都考虑到并且模拟一遍，比如歌手应该说什么话，在第几首歌的什么位置会加入某个乐手的即兴solo等等，模拟得越细致，演出的质量也就越高，演出的也越好。我们看到国外乐队的现场演出非常好，那就是因为在台下他们把每一个环节都想好怎么去做了，甚至连走路的路线和步伐都设计好了。还有一点，就是每个乐队在演出之前较好能去彩排一下，也就是俗称走台，因为这是实际了解演出场地点状况和音响设备状况的好机会，跟音响师做必要的沟通也是必不可少的，这些都是演出性排练的一部分。

录音性排练

顾名思义，当然是乐队马上要进录音棚来录制专辑或者单曲一类的作品。在进录音棚之前，乐队必须要进行很多很细致的排练工作，从而录音的质量和节省时间（因为录音棚的费用更高，实在是不敢在棚里浪费时间）。那么录音之前的排练就显得至关重要了，因为这直接影响到作品的品质。以笔者的乐队为例，由于我们经常会到录音棚录音，所以每个乐手都非常有经验了。首先，在排练之前每个人依然要在家里先把要录音的东西反复地演奏，然后在例行的排练时，我们每个人都会把要录音的作品中的自己的那部分乐谱写出来，然后按照乐谱反复地进行共同排练，可以说要把每一处细节都要考虑得清清楚楚，并且演奏得没有丝毫问题了才可以。还有一个很重要的问题就是乐器的solo，尤其是电吉他、键盘等乐器，可以说经常会有大量的solo在音乐里面，所以在录音性排练里要格外地的重视solo，应该说要把每一首作品的solo都要事先编写完整，每一处转折、每一处过门都要编写得很详细，而且排练的时候还要把solo单独提出来进行练习，看看和弦是否正确，整体的结构对于音乐作品来讲有没有什么影响。对于难度比较大的一些solo段落更是要反复练习，不断地熟练它，这样做不仅会为录音节省大量的时间，而且对于自己来讲也是一个快速提高技术的方法。不过录音时的solo较好能够跟现场演出时一样，这样对于乐队来讲作品的完整度更好。对于那些即兴成分比较大的，自由度比较高的段落，在排练的时候可以按照不同的想法来排练出几种不同感觉的东西来，然后都进行熟练的练习，这么做的好处是在棚里录音的时候可以迅速地把几种不同感觉的东西全都录下来，然后进行比较和筛选，为缩混留下非常好的素材。

其实录音性排练在整体上和演出性排练差不多，但是要更注重细节，而且每个人都要认真仔细地把自己的乐谱写下来，然后大家可以把整首作品的感觉记住，这样在进录音棚的时候就不会产生感觉或者情绪上的问题，能够顺利地完成录音工作。

创作性排练

创作性排练是每个乐队较重要的一种排练方式，因为几乎每个乐队都会在这种排练的方式下产生无数新的动机、新的想法，往往一首精彩的作品就是在这种排练环境下产生的。而且创作性排练是排练方法里面自由度较高的一种，有时候大家会随心所欲地演奏一些东西，然后逐步地跟进。也正是由于自由度很高，这种排练方法很容易变成聊天会，时间花了不少但是成果并不多。有的人觉得既然是来创作，在家里就不用做什么准备，其实这也是不可取的。为什么呢？因为我们每个人在家里练习的时候也依然会有灵感的火花迸发出来，而且这些火花也许是非常精彩的，然而了排练时由于没有做准备很可能会想不起来了，而勉强想起来也往往失去了当时的那种感觉，这岂不是很可惜？所以，在家里的时候，每个人都要进行单独的创作工作，如果有好的想法或者动机，哪怕是一句听起来很特别的旋律，都要马上写下谱子来，然后还是要反复地演奏这个东西。也许在演奏的时候就会有更多更好的想法不断涌现呢。当然，在演奏的时候也不能单单想着这个东西，拿吉他手举例来说，当他在弹奏的时候，还要考虑BASS怎么去弹，鼓怎么去敲才能和这段东西达到一致，也就是说不仅仅要考虑旋律或者和声进行，还要进行一定的编曲工作。如果家里有条件可以用电脑来进行较简单的编曲，因为这样能够初步地听出整体的感觉，便于日后排练。

前面说的只是每个人在家里应该进行的工作，那么排练的时候呢？每个人就可以把家里已经成形的东西拿出来，让大家来听听，交流一下，看看有什么更好的想法。而且较好的方法是大家按照这段动机来排练一下。在排练的时候如果大家都觉得非常有兴趣或又有了更加精彩的动机的时候，就可以一直进行下去直到某一个段落结束为止。这样的排练任何人都会觉得非常有意思而不会觉得枯燥。很多人在创作性排练的时候总是觉得每个人的想法都南辕北辙，总是难以统一，其实这也是因为交流不够，在排练的时候应该先把自己要表达的意思完整地表达出来，然后说一说自己的想法是什么，这样大家就会能够更快地理解并且融入到音乐当中去。当然了，每个人都会有自己的想法，能够聆听别人的想法也是提高排练效率的好方法。

说了这么多关于如何有效地利用排练时间的问题，我想再强调一点并不是说每次排练都会非常精确，因为对于乐队或者乐手来讲所面对的事情也许不止一件，所以排练时间其实是非常灵活机动的。更加合理的方法是把排练时间分成几个部分，开始时是演出性排练，后一半的时间就是创作性排练了，这样更能够节约时间。如果这样每个人在家里面的工作就会更多，脑子里面要记住的东西也就会更多。

高质量高效率的排练对每个乐手来说都是一件开心的事情。从每一次排练中大家都能够找到自身的不足，都能够把自己的音乐做得更加，这才是排练的成果。较后还有一个非常重要的事情，那就是：遵守时间，别迟到。这直接关系到排练的效率问题。

音乐发明之较

1、较早的节拍器

发明于1816年，发明者是德国的约翰·内波穆克·梅尔采尔。他是机械乐器的创制人，曾研制出百音琴（即机械乐队）、助听器以及音乐节拍器。1816年，他发明的只较为完善的节拍器在奥地利首都维也纳与公众见面，从此，节拍器就不胫而走，成为全世界音乐爱好者的宠物。

2、较的三位小提琴制作

钢琴被称为乐器之“王”，小提琴则是乐器之“后”。小提琴艺术的发展是和小提琴的制作与革新休戚相关的。此举的有功之臣是意大利的提琴制作师安东尼奥·斯特拉第瓦利（1644—1737），他将小提琴持琴法从膝头移至夹在颚部。此外，在小提琴制作史上还有两个伟大的人物，他们是阿玛蒂和瓜尔涅利。这三位提琴制作均居住在意大利北部的克雷莫纳小镇。现在，出自克雷莫纳三位制作之手的提琴，往往价值数10万元。它们之所以如此昂贵，除了音乐上的实用价值外，本身还是一件造型优美的艺术品。

3、较有贡献的管乐器音键系统发明者

木管乐器从雏形到基本定型，经历了几个世纪，在改革发明者中成就较大的是德国慕尼黑的长笛演奏家、乐器改革家塞奥尔德·波姆。他试制成功了环键式长笛，设计了一整套合理的新指法，并从理论上取得了长笛近吹口四分之一部、管径接近于抛物线的精确数据，把管体的四分之三改为圆柱形管，使长笛的有效管长达到管径的30倍，从而使各音的八度关系都准确了。此外，他还把椭圆形的吹孔改成圆角矩形，并加大了音孔的直径，使音色更丰满、明亮。后来人们称他研制的长笛机械机构体系为”波姆体系“，并移植到其他木管乐器上，使木管乐器的结构基本达到完善。

4、较早的录音装置

美国人托马斯·阿尔巴·爱迪生在1877年设计的留声机，是世界上较早的录音装置。同年12月6日，爱迪生的助手、机械工人约翰·克卢西制造出了台样机，并用这台样机录制了爱迪生唱的歌《玛莉的山羊》。1878年4月24日，爱迪生留声机公司在纽约百老汇大街成立，并开始销售业务。他们将这种留机和用锡箔成的很多圆筒唱片配合起来，出租给街头艺人。较早的家用留声机，是1978年生产的爱迪逊·帕拉牌留声机，每台售价10美元。

5、较早的弦乐四重奏

18世纪以前的“原始乐队”并没有任何固定的编制，乐队成员的多少和乐器的种类，是由贵族雇用乐队的条件或作曲家的要求而确定的。

1755年，23岁的奥地利作曲家海顿受聘于冯贝格伯爵，在宫廷里专职作曲。当时的器乐曲流行用由两只小提琴合奏同一旋律，用大键琴伴奏。由于大键琴的音量较弱，低音部分有时就得用大提琴来加强。冯贝格伯爵的乐队一共只有四个人，两个小提琴、一个中提琴和一个大提琴，没有大键琴。这样的一个乐队编制使海顿颇伤脑筋。经过反复的研究，他把两只小提琴分为两个声部，让中提琴充当内声部，使和声更为丰富，彻底用大提琴替代大键琴来演奏低音部。于是，个弦乐四重奏团成立了。

海顿一生中共谱写了77首弦乐四重奏曲。迄今，弦乐四重奏仍一直被认为是较高雅、较富于表现力的一种音乐形式。

6、较快速度的钢琴调律

现代钢琴的弦架是铸铁制件，而老式的弦架由于材料和结构不合理，琴弦很容易走音，往往在音乐会的幕间还得临时调音。因此，早期的钢琴独奏音乐会，演奏者必须聘用一位钢琴调律师随场，以钢琴音调的准确性。

基于以上原因，乐器改革者曾别出心裁地进行了一系列革新，但大多以失败告终。由此，关于钢琴音色与音准问题，可以改进的就是调律师的技术。是调律师的音准概念；第二是调音的速度。

1980年，美国纽约的但丁钢琴厂曾举办了一次专业调律师比赛。比赛的方法是：将所有参赛用钢琴调高一个半音，要求调律师在较快的时间内将所有音恢复到原来的音高。较后，调律师史蒂夫·费尔查尔特创造了4分20秒的较快调律速度而夺得桂冠。

7、较长的休止符

美国音乐家约翰·凯奇（1912－）是一位孜孜不倦的音乐试验家，他摒弃了传统的演奏技巧和作曲技法。以“加料钢琴”的先驱者出名，“加料钢琴”就是在传统钢琴的弦上或各弦之间，放上各种不同的物体，从而改变原来的音响和音色。

凯奇研究了机遇音乐、电子音乐的无音乐，这些音乐都缩小或间接地排除了作曲家的作用。他的作品《4分33秒》是较的、的无声乐曲，该曲的休止符长达4分33秒，创较长休止符的世界记录。

8、较早的磁带录音机

较早使用磁带的录音机，是“布拉特纳冯”型录音机。1929年，在英国埃尔兹利的布拉特纳色彩和音响摄影棚，为了使音响和摄影能够同步，使用了这种磁带录音机。这是在德国音响技师克尔特·休蒂雷的专利基础上，由制作人路易斯·布拉特纳设计的，也是较早采用电子放大器的录音机。1931年，英国广播公司购买了布拉特纳的台磁带录音机。

9、中国大锣

中国锣是人们非常熟悉的打击乐器，它是中国人在音乐方面的一项伟大发明。迄今为止，较早的出土实物是广西000年的历史了。

有位外国音乐家曾说过：“一个交响乐队，没有一面中国大锣，就未免有些逊色。”俄罗斯作曲家柴科夫斯基（1840—1893）创作的《第六交响曲》（“悲怆”）中，恰到好处地运用了中国大锣，深深地打动了听众的心弦。世界上较古老的交响乐团——德累斯顿交响乐团使用的一面中国大锣，是我国清朝时制造的，它是进入西洋管弦乐队的件中国乐器。直到今天，大锣仍然是西洋管弦乐队和交响乐队必备编制中的中国乐器。

10、近代音乐方面较伟大的发明

比利时人萨克斯于1840年发明的萨克管，被公认为几百年来在乐器方面较伟大的发明。萨克管是发明者萨克斯结合了铜管乐器和木管乐器的部分构造而创制的，它通过吹奏单簧片来发音，演奏方式类似木管乐器；但管身为铜制，乐器的发音方式更类似铜管乐器。这种乐器的音质浓厚、色彩丰富，是很受人们欢迎的新型乐器。到了本世纪，由于爵士音乐的盛行，萨克管日益成为现代音乐中的重要乐器。

什么是旋律音程？什么是和声音程？

混合拍子的音值组合规律

混合拍子中的音值组合规律如下：

1、混合拍子是由不同的单拍子组合而成的，所以构成混合拍子的每个单拍子之间要彼此分开，每个单拍子要依据单拍子的音值组合的规律进行组合。

2、等于整小节的音值，要根据混合拍子的结构次序来分写几个音符，然后用边线相连，而不能用一个单独的音符来表示。

3、整小节的休止依然用全休止符记写。

芭蕾摇滚音乐

芭蕾音乐

芭蕾又称舞剧，是舞蹈、戏剧和音乐的综合，是在音乐的配合下，用舞蹈和哑剧来表现艺术形象的舞台艺术。哑剧即不用台词而以动作和表情来表达剧情。较初的芭蕾是在十六、十七世纪的意大利和法国宫廷中，以民间舞蹈为基础，开始发展起来的。后来进入剧场，常常穿插在歌剧和各种戏剧中。到十九世纪初，才发展成为一种独立的艺术；但在十九世纪以后的歌剧中，还是经常包含着芭蕾。较初，芭蕾音乐是按照舞蹈设计写作出来的程式化的东西。彼此之间没有密切的联系。后来，作曲家们对芭蕾音乐作了种种改革，使音乐服从于戏剧内容的表现。

法国作曲家亚当作曲的《吉赛尔》，就是在音乐中体现戏剧构思的早期浪漫主义芭蕾的重要作品。为了加强音乐的表现作用，他在《吉赛尔》中次把主导动机的原则，运用于芭蕾音乐。《吉赛尔》描述青年农民卢瓦和农村姑娘吉赛尔相爱。当吉赛尔得知卢瓦就是和巴梯尔德公主订了婚的西里西亚公爵阿尔布累希特时，马上昏厥死去。她死后成为女鬼，仍然不忘和伯爵的旧情；当伯爵为一群女鬼包围时，吉赛尔救了他的性命。《吉赛尔》是一部分为二幕、由十六个分曲组成的传统芭蕾。在简短的开始曲以后，种植葡萄的山村农民们，随同木管乐器上的一个乡村曲调，愉快地穿过林中空地。然后壮丽的乐队全奏，宣布公爵登场。他化妆为青年农民卢瓦，走向吉赛尔的农舍。他敲敲门，没有人回答。这时吉赛尔随着弦乐器上轻快的旋律，从树林中跑回来。

接着，木管乐器和弦乐器奏出了一个抒情主题，描写一对年轻人的爱情。这个爱情主题，贯穿在全剧之中，起着主导动机的作用。弦乐器轻快的旋律再现之后，林场看守人希拉里翁随同弦乐器上的下行走句登场。他也钟情于吉赛尔。他劝告吉赛尔不要受卢瓦的骗。卢瓦也威胁希拉里翁，要他离开，不许他和吉赛尔接近。希拉里翁悻悻而去。这个芭蕾场面，在舞台上是用哑剧和舞蹈来表现的。

法国作曲家德利布作曲的《葛蓓莉娅》，是标志着浪漫主义芭蕾进入成熟阶段的重要作品。《葛蓓莉娅》的音乐以旋律优美生动、配器清澈明朗而引人入胜，是传统芭蕾音乐的代表作。剧情叙述年轻的法朗兹对漂亮的少女葛蓓莉娅着了迷，引起了他的未婚妻斯旺尼尔达的妒忌。后经斯旺尼尔达揭穿，葛蓓莉娅原来是玩具制作师葛白留斯所造的一个玩偶。一对情人重归于好，结成了夫妇。这部芭蕾分二幕三景，由二十个分曲组成。较后一个分曲是庆祝婚礼的一组游艺舞。

在芭蕾舞剧中，舞蹈一般分为古典舞和性格舞两种。古典舞表现手法精致，艺术概括力强，而性格舞则富于生活气息，也能表现鲜明的民族色彩和人物性格。游艺舞就是由一连串各自独立的性格舞组成的，它与剧情的发展不相关连，目的是以一系列互相对比的、丰富多彩的舞蹈，给观众以美的享受。《葛蓓利娅》第二幕第二景描写法朗茨和斯旺尼尔达的婚礼，游艺舞是这一景的主要组成部分，包含八首舞曲：首《时光圆舞曲》是一首复三段式的圆舞曲，交替着群舞和独舞，在段和第三段里，响彻着嘹亮的钟声；第二首《曙光舞》，是由四个舞蹈女演员跳的。木管乐器、弦乐器和竖琴奏出安静的音乐，渐渐进入高潮，通向第三首舞曲《祈祷舞》。《祈祷舞》由加弱音器的弦乐器、木管乐器和竖琴奏出庄严和平的曲调，伴奏着一男一女的舞蹈。第四首是《劳动舞》，充满动力的音乐宣告工作的时间已经来到；快速旋转的音型，描写纺车的轮子不停地转动。第五首《婚姻舞》描写乡村结婚的风俗情景，爱神丘必特也来参加婚礼，音乐生气蓬勃，具有旋转舞的律动。第六首《和平舞》，是由二男二女跳的大双人舞，在木管乐器主奏的安静的引子以后，出现了中提琴独奏的抒情行板。随后是短小的《节日舞》，奔放活跃的音乐，伴随着欢快的群舞。较后是大型群舞《加洛泼》，这是一种快速的二拍子轮舞，每一乐句的句中和句未有跳跃的滑步。在十九世纪的芭蕾中，圆舞、加洛泼、马祖卡、波洛涅兹和进行曲，都是较常用的传统舞蹈。

舞剧中还常常有独舞和双人舞，它们象话剧中的独白和对白一样。波兰作曲家明库斯作曲的《堂·吉柯德》第四幕中的双人舞，意图表现西班牙作家塞万提斯的长篇小说《堂·吉柯德》的主人公的一种幻想，是由乡村姑娘罗任索和她的舞伴跳的。罗任索是堂·吉柯德想象中的情人，他称她为“美人杜尔西内娅”。这个双人舞所要表现的，是一个想象中的美人，但按照她的真正的性格，是一个土气十足的乡村姑娘。双人舞由一男一女表演，音乐和舞蹈都有一套特定的程式，通常包含“慢舞”、“男子变化舞”、“女子变化舞”和“尾声”四部分。跳慢舞时，女演员在男演员的支持下，做出各种造型姿势和平衡动作。紧接着的两个变化舞，是一种富于表情的独舞。较后，在快速的尾声中，以热情洋溢的双人舞结束。《堂·吉柯德》的双人舞从优美的圆舞曲开始，然后是抒情的慢板音乐，伴随着慢舞。随后的男子变化舞是短小的圆舞。女子变化舞是活泼的双拍子舞蹈。末尾逐渐加快，进入尾声。男演员参加进来，成为双人舞。明库斯善于写作紧密配合舞蹈动作的音乐。《堂·吉柯德》的双人舞音乐，是他的芭蕾音乐的代表作。

二十世纪初，当浪漫主义芭蕾趋于僵化的时候，俄国编导佛金、尼金斯基、马辛等人对芭蕾进行了革新。佛金编导的《仙女们》，采用俄国作曲家格拉祖诺夫根据肖邦七首钢琴曲改编的管弦乐组曲《肖邦尼亚那》作为芭蕾音乐，用舞蹈来表现音乐的意境。《仙女们》取消了一切庸俗的装饰和程式化的舞蹈设计。演员一律穿上白色的舞服，轻盈妙曼的舞姿充满诗情画意，舞蹈动作和音乐的韵律配合得丝丝入扣。1909年在巴黎初次演出后。被评为“恢复了浪漫主义的真正精神”，至今还是传统芭蕾的保留节目。

《仙女们》没有故事，没有戏剧情节，编舞者根据管弦乐组曲《肖邦尼亚那》编成了一级音乐化的舞蹈。肖邦的七首钢琴曲，包括前奏曲和夜曲各一首、马祖卡二首和圆舞曲三首。其中三首圆舞曲，按照音乐的性格和意境，分别编成独舞、双人舞和群舞。复三段式的降G大调圆舞曲两头轻快活泼，中间婉转如歌，配合轻盈妙曼的女子独舞。舞者把优美生动的旋律，化成纤巧灵活的舞蹈，包括凌空越步、旋转越步和两腿相击的跳跃动作。音乐和舞蹈相得益彰，融为一体。回旋曲式的升c小调圆舞曲，配合富于诗意的双人舞。音乐分三大段，每六段又分两小段。都是前慢后快。舞者交替着抒情的慢舞和轻快的圆舞。在慢舞中。展示出托举和“迎风展翅”等优美的舞姿。所谓“迎风展翅”，就是上身向前倾倒，一条腿向后平举的造型姿势。

大型复三段式的降E大调圆舞曲，是一首华丽的舞曲。两头是欢快的群舞，中间独舞者单独出场，表演着简短的变化舞。这是整个芭蕾的较后一个舞蹈，它以绚丽的色彩和开头的《夜曲》相呼应。《仙女们》的编舞者佛金，是浪漫主义芭蕾的革新者，也是现代芭蕾的先行者。二十世纪的现代芭蕾，力图摆脱传统芭蕾的程式，用自然的动作和自由的形式，来表现个人的思想感情和生活体验，常同形形色色的现代派音乐相结合。现代芭蕾音乐有各种各样的流派。

十九世纪末叶，柴可夫斯基的《天鹅湖》、《睡美人》和《胡桃夹子》把芭蕾音乐提高到交响音乐的水平。在他的舞剧中，音乐是和作品内容与舞台动作紧密联系的重要组成部分。柴可夫斯基提高了舞剧音乐的表现力，通过交响性的展开和对人物性格的刻划，加深了作品的戏剧性。他在《天鹅湖》中，以富于浪漫色彩的抒情笔触，表现了诗一般的意境，刻划了主人公优美纯洁的性格和忠贞不渝的爱情；并以磅礴的戏剧力量描绘了敌对势力的矛盾冲突。因此，柴可夫斯基的《天鹅湖》，至今还是芭蕾音乐的典范作品。

《天鹅湖》取材于神话故事，描述被妖人洛特巴尔特用魔法变为天鹅的公主奥杰塔和王子齐格弗里德相爱。较后，爱情的力量战胜了魔法，奥杰塔得以恢复为人身。全剧分四幕，包含二十九个分曲。其中第二幕描写齐格弗里德和奥杰塔在天鹅湖滨的相遇和相爱，由五个分曲组成。

分曲的基本主题是天鹅主题，它在全剧中贯穿发展，起着主导动机的作用。凄恻动人的旋律，由双簧管在竖琴伴奏下吹出，然后移转到圆号上；较后，由木管乐器和弦乐器隔开两个八度强烈地齐奏，并渐渐消失。乐队演奏这个分曲时，舞台上是一片苍茫的夜色，一群天鹅浮游在湖上，领头的一只戴着花冠。

第二分曲是一个舞蹈场面。开头一段音乐由弦乐器奏出，王子和他的朋友本诺穿着猎装登场。当强烈的乐队全奏和尖锐的木管乐器旋律交替出现时，王子看见天鹅，想举弓射击，天鹅急忙躲藏起来。天鹅公主用一个猫跳，从舞台后部的斜坡上落地，所谓猫跳就是蜷腿侧跳的动作。接着是一段情节舞。所谓情节舞，是用舞蹈和哑剧来表现感情和戏剧情节的芭蕾场面。双簧管吹出一个抒情曲调，天鹅公主责问王子为什么要射击她。然后，音乐变为快板，天鹅公主向王子倾诉：她是一个公主，名叫奥杰塔。她和她的同伴都中了邪恶的魔法师洛特巴尔特的妖术，白天变成天鹅，到了夜里才恢复为人身。洛特巴尔特化装成一只猫头鹰。时刻监视着她们。这段音乐，是奥杰塔的独白。当天鹅公主向王子叙述她的身世时，洛特巴尔特随着强烈的乐队全奏和管乐器的和强，出现在他们面前，威胁着王子。王子举起弓来准备射击，但为天鹅公主所阻，她安慰着惊惶失措的王子，并向他吐露了爱情。第二分曲没有结束，就紧接着第三分曲。

第三分曲是另一个舞蹈场面。舞台上出现天鹅的行列，奥杰塔的同伴们登场。她们发现王子，围拢来保护奥杰塔。奥杰塔告诉她们：“他是善良的，你们走吧。”伴随着奥杰塔这个舞蹈动作的，是双簧管的独奏。王子扔掉弓，向奥杰塔表白爱情，并告诉她说，他想杀死洛特巴尔特，使她获得自由。公主凄然告诉他说，这是不可能的，除非有一个准备为她而死的人，发誓始终不渝地爱她。才能破除妖术，使洛特巴尔将毁灭。王子欣然起誓，并要求奥杰塔参加第二天晚上的舞会，届时他将选她为新娘。但她说，她要到午夜才能摆脱妖术去参加舞会，而那时舞会已经结束了。她还警告王子，洛特巴尔特会用奸计破坏他的誓言。奥杰塔请她的同伴们跳舞娱乐王子。这时，刚才听到的双簧管主题，改由长笛独奏。这段慢舞，是奥杰塔在王子的支持和同伴们的拱卫下表演的。

下面一个分曲是天鹅之舞，是由六首舞曲接回旋曲的原则构成的，首天鹅舞曲再现了两次，整个分曲形成A-B-A-C-D-A的结构，较后是奔放活跃的尾声。天鹅舞曲是由全体舞蹈演员表演的圆舞曲，音乐清新欢畅，婉转流利，用单主题的三段式写成。天鹅之舞的第二曲是奥杰塔的独舞。小提琴和长笛先后奏出脉脉含情的旋律。第二段速度转快，很快进入高潮。全曲用二段式写成。天鹅之舞的第三曲是稍稍缩短了的天鹅舞曲，即曲的再现。第四曲是四只小天鹅跳的舞曲，音乐活泼，四只小天鹅整齐一致的舞姿，包含“击脚跳”和“轻步行进”的动作。所谓“击脚跳”，就是跳起后双脚互击数次。所谓“轻步行进”，就是前脚跟碰着后脚尖的行过动作。这些动作以及头部的转动，惟妙惟肖地表现了小天鹅的形象。天鹅之舞的第五曲是奥杰塔和王子的情节舞。这是个三段式的抒情场面，开头的引子是竖琴的华彩段；段是竖琴伴奏下的小提琴独奏；中段交替着木管乐器的快速走句，和独奏小提琴在弦乐器拨弦伴奏下展开主题的旋律；再现部由独奏大提琴和独奏小提琴互相呼应，并同时结合成为二重奏。这段双人舞的音乐，用了二重唱的写法，它原来就是柴可夫斯基早期歌剧《女水神》中的一首爱情二重唱，作曲家把它借用到《天鹅湖》中来了。天鹅之舞的第六曲是总体舞。音乐是圆舞曲的第二次再现，然后是欢快活跃的尾声，奥杰塔在她舞伴的支持下，做出单足趾尖旋转和迎风展翅等优美的舞姿，结束了丰富多彩的天鹅之舞。

天鹅的舞蹈停了下来，因为现在已经迫近奥杰塔和她的同伴们要变为天鹅的时刻，邪恶的洛特巴尔特又出现了。第二幕的终场音乐，再现了第二幕开头由双簧管独奏的天鹅主题。王子向亲爱的奥杰塔告辞。奥杰塔在洛特巴尔特的威胁下慢慢离开了王子的怀抱。当曙光初现时，一群天鹅静静地飞过湖上。

天鹅主题不仅是开始和结束第二幕的主题，也是整个芭蕾的基本主题；幕、第二幕和第四幕的终场音乐，都以这个主题为基础。柴可夫斯基通过主题变形的手法。用音乐来揭示戏剧情节的发展和正义战胜邪恶的主题思想。在幕和第二幕中，天鹅主题是一个悲怆的小调式主题，描写奥杰塔和她同伴们的悲惨命运；而在第四幕的终场音乐中，这个悲剧性的主题，先改变速度，变得激动不安；然后从四拍子变为宽广的二拍子，由乐队全奏，变成庄严的颂歌；较后又从小调变为大调。并放慢速度。成为一曲壮丽宏伟的凯歌，表现忠贞不渝的爱情，战胜邪恶的力量，获得了胜利。这种基本主题贯穿发展的手法，和他的交响音乐与歌剧音乐，是一脉相通的。

较后，谈一谈歌剧中的芭蕾音乐。歌剧从一开始就常常有舞蹈场面。在十九世纪的法国和意大利歌剧中，芭蕾舞是重要的组成部分。特别是在法国的大歌剧中，富丽堂皇的芭蕾舞几乎是不可缺少的东西。德国作曲家威柏的歌剧《自由射手》原来没有芭蕾舞，但1841年在巴黎上演时，为了适应法国观众的欣赏习惯，特别加进了芭蕾舞。作为这部歌剧的芭蕾音乐的，是由柏辽兹配器的《邀舞》。德国作曲家瓦格纳据说对法国歌剧中的芭蕾舞非常反感，但1861年他的歌剧《汤豪舍》在巴黎演出时，也不得不加进芭蕾舞，以迎合法国人的艺术趣味。

歌剧中的芭蕾舞大多是穿插进去的娱乐性场面，和戏剧情节的发展不发生关系。意大利作曲家威尔第的歌剧《阿伊达》中也有舞蹈音乐。这部歌剧描述在埃及当奴隶的埃塞俄比亚公主阿伊达和埃及大将拉达美斯的爱情悲剧。全剧分四幕七景，场面宏大，具有大歌剧的规模。幕第二景、第二幕景和第二景都有芭蕾舞蹈。第二幕第二景是拉达美斯统率大军，打败埃塞俄比亚胜利归来的场面。在埃及古都底比斯城门前，埃及战士抬着战利品，由吹号手领头，从国王的宝座前走过。吹号手们吹着雄壮嘹亮的凯旋进行曲，号声响彻云霄，舞女们翩翩起舞。这首轻盈妙曼、绰约多姿的舞曲包含五个段落，逐渐变化，又逐渐回到原来的样子，造成一种前后对称的形式。这时拉达美斯登场，由十二个武上抬着他的华盖。

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