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声乐论文:美声唱法教学，“美声”唱法规范的声音特点！声乐论文美声唱法教学，“美声”唱法规范的声音特点！“美声”唱法科学的演唱技巧所表现的歌唱艺术具有很高的审美价值，当然，这种审美观更符合欧洲人的欣赏习惯。不过，在这个
声乐论文:美声唱法教学，“美声”唱法规范的声音特点！
声乐论文
美声唱法教学，“美声”唱法规范的声音特点！
“美声”唱法科学的演唱技巧所表现的歌唱艺术具有很高的审美价值，当然，这种审美观更符合欧洲人的欣赏习惯。不过，在这个世界上一切美好的艺术还是会被全人类所喜爱和接受的。因此，意大利“美声”唱法，在国际上有着很高的声誉和广泛的影响。从总的发展趋势来看，世界许多国家的声乐工作者都在努力寻求意大利“美声”唱法的科学途径,为创立本民族的声乐艺术学派而努力开拓。
“美声”唱法表现出来的声音特点，应该具有哪些规范的内容呢？
所谓声音的“规范化”。指的是一种大致统一的声音标准。这种标准，是以那些世界较的“美声”歌唱典范化的演唱为模式。当我们说起“美声”唱法时，自然会想到那些“美声”学派杰出的代表人：如世界的男高音歌唱家卡鲁索、吉利、多明戈、帕瓦罗蒂等人；世界女高音歌唱家卡拉斯、苔巴尔蒂、丽丽?蕾曼、卡巴耶等人的名字。他们歌唱的精湛技艺和奇妙、谐和、优美、动人的艺术魅力，给了人们巨大的艺术美的享受。每当我们聆听歌唱的歌声（包括录音）时，我们就能够清晰地感觉到，虽然他们每一个人的歌声都有自己独特的音色，但是，更多地体现出来的确是具有众多共性的、统一而又规范的声音特点。
“美声”唱法规范的声音特点，可以概括为八个字：“通、实、圆、亮、纯、松、活、柔”。 “通”：
“通”，是声音通畅的简要概括。歌唱者，掌握歌唱技巧水平的高、低，个重要标志就是“声音通畅”。演唱的声音不通，就不能说是已经掌握了“美声”唱法。从美学欣赏的角度来看，通畅的声音，能给人一种心情抒畅的感觉。同时，通畅的声音增加了歌唱旋律的律动感，这种音乐律动的美感令人陶醉和激动。声音通畅，是以气息通畅为前提的。通畅的声音，是发声器官各个部位在歌唱发声的运动中处于较谐调状态的产物。人的整个共鸣腔体，从上到下保持空间相通、气息通畅的感觉，是声音通畅的。正如沈湘教授指出的那样：“在‘嗓子眼儿’上是找气儿不找劲，感觉气和声音混在一起，一道从‘嗓子眼儿出来’。”沈先生用形象、准确的语言形容声音通畅的感觉时说：“好的声音是吹出来的，特别是在高音区，象吹一个倒悬的瓶口，把高音吹响！气息通畅、声音通畅是扩展音域、统一声区较重要的前题。声音不通扩展音域就会遇到困难；气息不通，就不可能全部声区具有统一的共鸣泛音音色。因此，通畅的声音是解决声音问题的首要技巧。
“实”，是声音结实的简要概括。结实的声音是有音量、有力度、有穿透力和致远力的声音。这是衡量歌唱者掌握美声演唱技巧好坏的第二个重要标志。如果只强调声音通畅，不讲声音的力度，往往容易把声音唱得空洞、暗淡和虚弱，这符合“美声”规范化的声音。只有结实的声音，才能产生出声音的威力。它是表现人物的英雄气概和朝气蓬勃的精神面貌必不可少的声音条件。沈湘教授指出：要想把声音唱得结实、有力，“就必须敢唱，全身积极，不能躲嗓子，把声音唱到腔里，把自己震响！”“声音在腔里有振动的感觉，唱出来的声音就结实。”
“圆”，是声音圆润的简要概括。 声音圆润，是“美声”唱法规范化的第三个重要标志。从美学角度来看，圆本身就是一种美。人的听觉非常灵敏，觉得圆的声音是悦耳的、动听的；尖锐的声音则是刺耳的、难以忍受的。因为，圆润的声音恰恰抹去了声音的尖角。美声唱法特别强调声音的连贯和圆滑，它们都是在声音圆润的基础上表现出来的音乐美感。因此，声音圆润，是意大利“美声”学派区别于其它任何声乐学派较突出的声音特点。圆润的声音是从圆的共鸣腔体（圆管、圆腔）发出来的，这些共鸣腔体就好象是声音的模子。
“亮”，是音色明亮的简要概括。 音色明亮，是“美声”唱法规范化要求的第四个重要标志。集中、明亮的音色，给人一种光辉灿烂的感觉。这种优美的歌声，仿佛把人带进了一个充满光明的美丽世界，使人感到无限的欣喜和欢悦。明亮的音色，是生命、光明和朝气蓬勃的象征。明亮的音色，又是歌声中泛音频率的体现。由于泛音频率很快、很高，所以，音色明亮的歌声具强而有力的、穿透乐队“音墙”的致远能力，能使剧场里所有的观众听到优美的歌声。歌声里较有价值的东西，就是优美动听的明亮的音色。因此，沈湘教授强调指出：“意大利美声学派，是追求美好音色的学派，而不是追求音量的学派。有了好音色，音量自然就会有。如果一意孤行，总是用强制发声的方法去追求音量，不仅学不到美声唱法，弄不好，就要毁掉自己的嗓音。”
“纯”，是音色纯净的简要概括。音色纯净，是美声唱法规范化要求的第五个重要标志。纯净的音色，就如同纯水那样不含任何杂质。音色越纯净，声音越清晰、透明。当听众欣赏到那种既明亮又纯净的优美音色时，这种美的享受是令人陶醉的。听众在欣赏歌手的演唱时，如果听到在明亮的音色中含着杂音，会感到一种美中不足的遗憾。沈湘教授指出：“基音不纯，泛音也杂”是音色不纯的根本原因。解除下巴与前颈、喉结周围肌肉在歌唱发声时的紧张用力、干扰声带正常工作的多余的劲儿，始终保持这些部位的松弛状态，使“声门适度”感更随意，是纯净音色的重要前提。
”松”，是声音松弛的简要概括。声音松弛，是“美声”唱法规范化要求的第六个重要标志。声音松弛，给予听众的心理感受是愉快的。它使听众得到了一种心理上的满足。心理学家认为：愉快的心情，是个人的需要得到满足，个人的目的达到时的情绪反映。这就是说，听众听到的这种松弛的歌声时，是歌声在艺术上表现的美感，满足了听众的需要，达到了欣赏歌唱艺术的目的的心理表现。声音怎样才能变得松弛呢？沈湘教授指出：“自己要想把歌儿唱好，声音又松弛又好听，首要的是心理放松，思想要彻底解放，绝不能有任何顾虑。心理状态总是又积极又松弛。从歌唱技巧来讲，气儿是主要的，呼吸要稳定，它是声音松弛的基础。加上一个好的高的共鸣位置，只要嗓子上没有任何多余的劲儿，排除对声带发音的干扰，声音就松弛了。”
“活”，是声音灵活的简要概括。 声音灵活、自如，是“美声”唱法第七个重要标志。唱美声歌唱演员应该把声音唱得灵活、自如，才能随心所欲地表现歌曲在音乐艺术上的所有内容。它是歌唱者掌握“美声”技巧纯熟的体现。声音灵活，从声音的演唱技巧来说，应该包括以下内容：
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?⑴、音域变化灵活。
歌唱者，根据歌曲旋律高、中、低音的各种变化，可以随心所欲地尽情自如地演唱，不受音域、音区变化的限制，上下音区声音始终保持优美、统一的音色、声音上没有任何负担，这就达到了“音域变化灵活”的要求。
⑵、母音变化灵活。
母音是人类语言的有声部分。母音变化，是语言变化的物质条件。歌唱者，能够在不同音高上根据语言表达的需要去灵活、自如地变化各种不同的母音，而且能各种母音的音色统一、明亮、纯净，这就达到了“母音变化灵活”的要求。
⑶、声音力度变化灵活。
声音力度的各种变化（包括声音由弱渐强，由强渐弱，或是各种不同的强、弱力度）是歌唱演员必须掌握的演唱技巧，它是歌曲艺术处理与艺术歌唱的必然需要。能在低、中、高各种不同音区中，根据作品处理的要求，灵活、自如地去表现声音力度变化，这种演唱技巧具有很高的难度，它是使歌声达到境界的重要手段。沈湘教授指出：“声音的力度，说白了，就是指音量的大小。这种音量的大小和它们的力度变化，总是和歌唱发声时用的气儿有关系。如果说，歌唱状态都找好了，哪都对，想声儿大点，就多给点气儿，想声儿小点，就少给点气儿。声音的力度由弱渐强，用‘吹’的感觉给的气儿就从少到多，从小到大；声音的力度由强渐弱时，用‘吸’的感觉，给的气儿就由多到少。在高音区声音渐强渐弱和运用真假混声技巧有重要的关系，重要是调整真假声的比例：强音的时候真声多，假声少；弱音的时候假声多，真声少。这种真、假混声变化、调整比例关系的技巧，是变化声音力度较切实可行的方法。”
⑷、声音音色变化灵活。
如果听众能从歌声音色的变化感觉到人的情绪、情感、心境的各种变化，就是说歌唱者已经掌握了灵活地变化声音音色、用以表达歌曲思想感情的重要方法。沈湘教授指出：“唱的时候，声音不能总是一种音色。因为，音色是人的情绪的反应。情绪变，音色也要有变化。改变音色，唱的人主要靠自己在‘内视’‘内听’上的变化，当然，方法上应做一些调整：想让音色暗一点，就往后唱得空一点儿，自我感觉声音变暗一点儿；想让音色唱得亮一点儿，就让共鸣集中一点，声音向前反射的感觉多一点，感觉头腔，面罩、咽腔的音色亮一点。”
⑸、歌唱发声咬字吐词灵活。
无论是演唱中国歌曲，还是演唱外国歌曲，在歌唱发声时，必须做到咬字准确、吐词清晰。同时，在音乐旋律的进行中，保持声音的连贯性和优美的音色，这是歌唱者在演唱歌曲时必须掌握的重要方法。沈湘教授指出：“有人说，用洋唱法唱中国歌唱时，有音包字的问题，听起来咬字吐词不清楚。这种批评有些片面。咬字吐词清楚不清楚不是唱法问题，而是人的问题，人没有把咬字吐词的技巧掌握好，或是干脆只注重声音不注重咬字吐词。只要好好研究一下中国语言咬字吐词的发音规律，我想，洋唱法同样可以把中国歌的语言交待清楚。但是，要防止另一种倾向：演唱的时候，在咬字吐词的动作上太使劲儿，容易把声音搞僵，还会破坏声音的连贯性。歌唱发声时的咬字吐词，必须是灵活、自然、准确、清晰的。较要紧的是，念字和发声要统一起来，学会被动念字。这样，唱的时候，不管是高音区还是低音区，灵活、准确、生动、自然的咬字吐词就不会成问题。”
“柔”，是声音柔和的简要概括。 声音柔和，是“美声”唱法第八个重要标志。在歌唱艺术的表现中，既要有明亮结实的声音特色，这种声音里透着一种阳刚之美；又要有柔和细腻、如月光般柔美的音色。这种“刚柔相济”的声音，能极大地丰富声乐艺术的表现力。
关于“美声唱法规范的声音特点”的总结，基本概括了这种唱法声音规范的内容以及演唱技巧方面的要领，为歌唱者明确了追求美好声音的目标。同时，使人们从欣赏的角度出发，进一步认识美声唱法在音乐美学上的价值，从而提高对歌声的鉴赏力。
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为何日本流行音乐（JPOP）在大陆的影响力如此弱
首先，一个国家，永远是自己本地的流行文化较强势，这几乎没有例外。舶来的文化，始终受众是有限的。
外来文化的强弱，一定是和经济地位有关系的。为什么呢，简述就是一个国家的娱乐文化要想建成系统的流行工业，它一定要有经济作基础。美国，英国，日本，韩国其实都满足了这个前提。
在八十年代日本经济发展不可一世的时候，全球的流行文化都有日本的身影。山口百惠，松田圣子，近藤真彦和中森明菜，翁倩玉在国内是有相当拥趸的。只不过当年媒体并不像如今这麽发达，加上日本和我国的恩恩怨怨，在民间不那麽传播顺遂，是肯定的。
在2000年之后，日本的经济已经是泡沫到还没起泡就灭了。本国的唱片工业也是很苦恼，除了捧出一个又一个青春偶像之外，成名的流行歌手几乎全都在下滑。只有国民基础的乐团继续大鸣大放。但和80年代90年代那种辉煌已经不能同日而语了。流行文化，重点就是，只要受众不再觉得你很有型很特别很酷，你怎麽做都没用。
语言也是一个很重要的因素。不要以为美国文化是真的凭空那麽进入我们的生活的。想想在六十年代，苏联歌曲，和苏联风格的歌曲，在中国红了那麽多啊！那时候连中学外语都是学俄语的。到了后来中学普及英文教育，这和英文歌曲流行起来不是没有关系的，因为你学习语言是会涉及到对方文化的方方面面。何况中国还那麽的西化。
日剧和日本动漫之所以红，这个前提也不对了，日剧不红很久了。现在红的是美剧和韩剧。至于日本动漫，那是业界，只此一家的东西，没有哪里的动画漫画可以代替日本动漫，但是有很多流行歌曲可以代替日本流行歌。
我觉得大概如此吧。
艺术统考进入倒计时。12月15日，我省将迎来2020年美术类、文学编导类专业统一考试。今年，美术类统考变化不大，文学编导类统考划出了影视评论写作的作品范围。近年来，艺考文化课分数线逐年升高，高校对考生的综合素质提出更高要求，多年形成的“艺考=易考”印象已经不复存在。
2021年文学编导类文化分提高到普本线
在《关于做好2019年普通高等学校部分特殊类型招生基本要求》中提出了提高艺术生高考文化课门槛，逐步采取使用省级统考成绩等多项举措，高考艺考的公平公正。
在山东，高校艺考文化课分数呈现逐年递增的趋势。记者梳理我省政策发现，2020年美术类、音乐类、书法类文化课录取控制分数线提高到普通本科线的70；文学编导类、播音主持类、摄影类文化课录取控制分数线提高到普通本科线的85。2021年美术类、音乐类、书法类文化课录取控制分数线提高到普通本科线的75；文学编导类、播音主持类、摄影类文化课录取控制分数线提高到普通本科线。
有高校教师表示，新时期的艺术高等教育将朝着学生全面发展、适应时代发展的方向不断推进。
去年许多高考生考术联考后，并没有奋战校考，而是回校抓紧复习文化课。在一些考生看来，文化课考试是艺考生难以跨越但是又不得不跨越的一座“高山”。
青岛一中美术老师尚青鲁告诉记者，高校艺考文化课分数的逐年递增可以筛选出更多真正热爱艺术的人。“文化和艺术不分家，不读书者艺术创作之路走不远。从职业发展的长远考虑来看，文化素质的积淀会对一个艺术生的发展高度起到决定性作用。”
美术校考减少，
速写较易拉开差距
“今年组织美术校考的本科艺术院校仅剩35所左右，这也意味着校考越来越难，考生的竞争压力进一步提升。”青岛十七中高三级部美术负责人冯春燕说。有媒体统计，2019年美术类校考招生计划约为2.3万人，按照1:4的比例发放合格证，预计共发放9万张合格证。按照美术生总数为60万计算，若平均每人获得2张合格证，下证率不到8。“而今年校考下证率更低。”她说。
山东美术考生在报考时会遇到一种尴尬情况：联考分数高，校考分数就低。因为学的内容不一样。去年之前山东美术联考考素描静物，而校考大多考头像。冯春燕说：“相对其他联考考头像省份的考生，山东考生弱一些。考生应根据个人情况做出合适选择，但考生联考顺利通过且得，才能得到奋战校考的底气。”
“从去年起，山东也意识到这个问题，在联考中加入速写，又在素描静物基础上加入石膏头像元素。但今年联考考不考头像，还没有明确说法。” 尚青鲁说，2020年山东省美术类专业统一考试说明中提到，考试科目为造型基础（素描）、色彩基础和速写三科。她说：“考生们可以综合三科各自在全市的排名，哪科弱着重补哪一科，及时补拙。”考生要稳扎稳打，切忌猜题，不要抱有侥幸心理。 “考生一定要重视速写，这将是拉开分数的重要部分。”冯春燕说。
影评“圈”出范围，
“文常”一定要重视
查阅我省2020年文学编导类专业统一考试说明可以发现，我省2020年文学编导类专业统考考试科目仍分为文学艺术常识、影视评论与创作两科，单科为150分。与往年不同的是，今年在影视评论写作方面，省招考院在附录中划出了50部影视作品范围，包括36部电影作品、5部电视剧以及9部电视节目。此外，艺术常识考试增加了戏剧常识。
青岛广电影视传媒艺术学校常务副校长王吉祥告诉记者，此次省考试院在考前给定影视作品范围，对考生和老师来说是一种减负。此前，学生要遍览各种影视作品，老师如同海底捞针般从众多国内国外影视作品中为学生“”。而有了作品范围，考生备考就变得更有针对性，不但节省了时间，而且让考生对作品研究更加深入，更有利于写出高水平的评论文章。
相对于音乐、美术等艺术类专业，编导类属于速成专业，但近年来艺考文化课分数线的不断提高让“曲线进军”的门槛随之提升。青岛北广语言艺术学校执行校长严先生说：“学文学编导的孩子大部分偏科，语文相对较好。考生备考文学编导考试的过程中可以发挥优势。但当文学编导类文化课录取控制分数线提高到普通本科线，这些考生‘曲线上大学’的路几乎被堵上了。”
“得文常者，得天下”，王吉祥告诉记者，文学常识包括选择、填空、名词解释、简答、论述等题型，这些题型大多以记忆和积累为主。“范围给出了，影视评论应该会出高质量、高水平的作品，但考生分数差距应该不大，文学常识才是较大的拉分科目。”
严先生说，影片《哪吒之魔童降世 》既在50部影视评论作品范围内，也是论述题的热点。“写影评时，既要包含视听语言、社会意义，也要分析人物性格与心理，从而回归人的本性。”如今编导艺考中越来越重视对考生思维能力、想象力的考察。影视创作离不开编写故事。“但编不是胡编乱编，你的故事一定要有血有肉，有悬念和冲突，而不仅仅是一个骨骼。”他说，好编导会用任何套路但会用得与众不同，讲法结构细节桥段台词都会有巨量全新信息融入，让旧套路焕发新魅力。
十首电影中的经典古典音乐作品整理
电影被称为“视听艺术”，音乐是电影的主要组成部分之一。一般来说，电影似乎与严肃、典雅、纯粹的古典音乐不太靠边，但事实上，早期的电影其实是在古典音乐的襁褓中产生的，而有些古典音乐也在被电影引用后产生了新的意韵。下面来总结十首电影中的古典音乐作品。
1、《水上音乐》——亨德尔
在电影《乔治王的疯狂》里应用的古典音乐《水上音乐组曲》是德国作曲家亨德尔（Handel）于1717年创作。相传英国国王乔治一世要求于1717年7月17日在英国泰晤士河上举行音乐会，当时此作品为了吸引新任国王的注意，亨德尔技巧性地雇了管弦乐团坐上大船，在河上演奏这部音乐作品给国王听，因此得到了“水上音乐”的美名。全曲具有庆典和皇家宴会般的愉快节奏，是一首也被后世广为喜好的管弦乐作品。整个曲目由数十个小乐章组成，但目前听到的水上音乐已经过多次改编，与亨德尔当初写曲的风貌不太相同。较为广泛流传的是由英国作曲家根据当代乐器编制改编的版本。
2、《维也纳森林的故事圆舞曲》——小约翰施特劳斯
电影《热与尘》中的古典音乐是来自奥地利作曲家、圆舞曲之王的小约翰·斯特劳斯（Johann Strauss）于1868年创作的《维也纳森林的故事圆舞曲》，这首乐曲由序奏、五个圆舞曲和尾声构成，其结构属于典型的维也纳圆舞曲式。旋律构成了一幅极美妙的且色彩斑斓的音画，十分优雅动人。
3、《童年情景》——舒曼
电影《苏菲的抉择》中的古典音乐是由德国作曲家舒曼（Schumann）于1838年创作的《童年情景》钢琴套曲。该音乐作品并没有直接描绘儿童生活，而是从成年人回忆童年情景的角度进行创作。舒曼以准确的音符，洗炼的手法，深入儿童心灵刻画他们的心理活动，使得乐曲的音乐形象幽默、神态逼真并富有情趣。并且此套曲还是写给作者本人未来的妻子克拉拉的一封“情书”。
4、《威风凛凛进行曲》——艾尔加
在经典动画电影《泰山》中，这首由艾德华·艾尔加（Edward William Elgar）于1901年作曲的《威风凛凛进行曲》，这是英国的第二国歌。这首曲子曾在多部经典动画片引用，如：《海绵宝宝》、《怪鸭历险记》、《诺亚方舟》。
5、《查拉图斯特拉如是说》——理查德·施特劳斯
电影《2001年太空漫游》中运用的配乐《查拉图斯特拉如是说》由德国杰出作曲家理查德·施特劳斯（Richard Strauss）创作的交响诗，该曲的创意来源于哲学家尼采的同名著作，是描写无神论者从唯心走向唯物的一个富于哲理的过程。全曲共分9段；段音乐《日出》虽然只有短短的1分30秒的音乐，却把一轮红日喷薄而出的情景刻画的极为深刻，由于这段音乐强大的气势和艺术表现力，常常被喜爱音响的朋友作为试机用的片段。其余8段的标题均来自尼采的原著。的“引子”部分表现日出时人类感觉到上帝的能量，接着由小号悠远地奏出的庄严题旨，一波波地被推向包括管风琴在内的乐队全奏的高潮，壮丽而神圣。
6、《第三钢琴协奏曲》——拉赫玛尼诺夫
电影《钢琴师》中的古典音乐是由俄罗斯的古典音乐家拉赫玛尼诺夫（Rachmaninoff）创作于1909年的《第三钢琴协奏曲》，该曲是作曲家为赴美演出而创作的一首大型作品，以其浓烈的情感表达和艰深的演奏技术而闻名于世。该作品在钢琴协奏曲文献中占有重要的地位，被称为“钢琴协奏曲之王”。
7、《女武神的飞驰》——瓦格纳
在电影《现代启示录》中出现的古典音乐是出自德国作曲家瓦格纳（Wagner）于1856年创作的《女武神的飞驰》，这是一段幕间音乐，流畅的旋律像描绘一幅壮观的大壁画，仿佛看到英武非凡的女武神们挟着风云雷电在九天之上纵马飞驰放声高唱的场景。它既有如画的逼真，又不失其神话的色彩，这首卓绝的《女武神》把交响音乐的配器运用的相当美妙。
8、歌剧《乡间骑士》间奏曲——马斯卡尼
电影《教父Ⅲ》中使用的古典音乐来自意大利作曲家马斯卡尼（Mascagni Pietro）于1890年创作的歌剧《乡间骑士》中的间奏曲，该间奏曲格外甜美，突显了西西里民歌风尚，弦乐如潺潺溪水，渐渐加入的竖琴等的弹拨，宛若溪水在晶亮的鹅卵石上跳跃，让人沉浸在恬静的梦境中。这首曲子并不长，虽然短小但很精制，它可以把人带到中世纪油画般的乡间和农舍中去尽情地沐浴那个层出的时代所带给你的畅想与欢乐。
9、《荒山之夜》——穆索尔斯基
电影《绿野仙踪》中的古典音乐出自俄国作曲家穆索尔斯基（Mussorgsky）之手，他较的作品除了盛传于世的《图画展览会》，还有就是这部《荒山之夜》。这部作品穆索尔斯基从酝酿，构想到创作完成共达成17年之久。这是一部标题性的单乐章乐曲，叙事和描绘的特点兼而有之，音乐的结构也比较自由。
10、《幻想交响曲》——柏辽兹
电影《与敌共眠》中的古典音乐来自法国音乐家柏辽兹（Berlioz）的《幻想交响曲》，这首乐曲以充满想象力的管弦语法，为音乐的浪漫主义开启了决定性的大门。在当时，浪漫主义正从文坛、画坛渐次席卷到乐坛，柏辽兹正好恭逢其会。只不过，法国人讲究优雅细致，不像德国追求的是严肃与厚重，因此在交响曲这样讲究形式结构的曲风上，法国人一向少有杰出的发挥。但柏辽兹这位鬼才却创作了《幻想交响曲》，也打破一般人认为“法国人不擅创作交响曲”的观念。
电影与音乐是不可分割的整体艺术。浩如烟海的古典音乐作品不仅是人类共同的精神宝库，也是电影音乐取之不尽的灵感源泉。古典音乐在电影中，以更多形式展现给观众的同时，电影的画面和剧情，也赋予这优美旋律了更丰富的内容和意义。
音乐艺考基础：有吉他基础如何进一步学习和弦知识
首先要知道，所有的复杂和弦都是由那几个基本的七和弦加上延展音而构成的。
如果你掌握了三和弦的知识，那么步就是熟悉七和弦。
Major 7
Maj7 △7 M7
大七和弦
大三和弦+大三度
C E G B
Dominant 7
7 Mm7
属七和弦
大三和弦+小三度
C E G Bb
Minor 7
min7 m7 -7
小七和弦
小三和弦+小三度
C Eb G Bb
Half Diminished 7 (Minor 7 b5)
??7 m7b5 m7-5
半减七和弦
减三和弦+大三度
C Eb Gb Bb
Diminished 7
dim7 °7
减七和弦
减三和弦+小三度
C Eb Gb Bbb(A)
Suspended 7
7sus4 7sus
挂七和弦
挂四和弦加小三度
C F G Bb
下面几个在其他风格里不常用，但在爵士和声里常用，前方高能预警
Minor Major 7
mM7 -maj7
小大三和弦
小三和弦+大三度
C Eb G B
Major 6
M6 6 maj6
大六和弦
大三和弦+大二度
C E G A
Minor 6
min6 m6 -6
小六和弦
小三和弦+大二度
C Eb G A
Augmented 7
Aug7 +7 7#5
增三和弦+减三度
C E G# Bb
Augmented Major 7
+maj7 maj7#5
增三和弦+小三度
C E G# B
转位：/表示，如F G B D表示为G7/F
复合和弦：—表示，如G F A C Eb表示为 F7 或者G7sus4(9，b13)
复合和弦可以表示非常复杂的和声，这个是高阶内容了，此处不做阐述。
和弦基本上就这么多，下面是和弦的延展音Tension，也就是我们刚才见到的9，b13等等。延展音有一个要求，必须是和弦内音高大二度，因为小二度很不和谐。
以C大调的属七和弦G7为例，G7的基本音是GBDF，那么我们还可以往上加。跳过G下面一个音是A，这就是它的9；跳过B下面一个音是C，但是这个C在挂七和弦里出现，又比B高小二度，所以这里要使用C#，这就是它的#11；跳过D下面一个音是E，这就是它的13。再往上又绕了一圈回来了，不要出现如下的错误
我们还可以升降这些延展音，比如Ab是b9，流行歌曲里常用，A#是#9，拉丁歌曲里常用，Eb是b13，爵士歌曲里常用。注意，只有属七和弦和挂七和弦可以使用这些升降的延展音！
比如我们看到一个复杂和弦：F7(b9 #9 #11 b13)，也就是传说中的Falt和弦，那如何找出这个和弦里的音？
先找F7的基本音：F A C Eb
然后找到基本的延展音：G(9) B(#11) D(13)
然后变化这些延展音：Gb(b9) G#(#9) Db(b13)
那么这个和弦就是 F A C Eb Gb G# B Db
我们把它按照音阶排列起来，F Gb G# A B Db Eb F。这里省略了C，也就是和弦的第五个音，因为这个音在爵士中是较不重要的（当然在摇滚或者金属中是较重要的）。
发现了什么？这是Gb旋律小调的第七个调式。这就是神奇的Chord-Scale理论，当然也是高阶内容，这里不细讲。
当然，你有吉他基础，就要学习和声的排位voicing，这又是另一门学问，对于不同的乐器而言还不一样。举个栗子。G7(9 13)的爵士典型排位FABE，在钢琴上轻而易举的按出来，但是吉他由于弦与手的限制，一般就按不出来，转而使用FBEA的四度叠置和声。这里省略根音G和5音C是因为在乐队里，根音和5音一般由贝斯手来演奏。
上面说的是和弦的纵向表示，那么对于横向连接，又是另一门学问了。较基本的就是要掌握五度圈，熟练掌握了五度圈就攻克了流行和爵士和声中大部分的内容。然后要了解主和弦，副属和弦和属和弦的和声功能关系，再就是离调，调式转换，模进，转调等内容。
以上内容只是冰山一角，看不懂没关系，至少你了解了复杂和弦的构成。剩下的自己买书研究吧。推荐伯克利音乐学院的和声教材，网上应该能找到中文翻译版的。其他几位推荐的我没看过，不知道好不好，我是学钢琴的。
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现在很多家长想让自己的孩子从小学习音乐，培养孩子的音乐细胞。那我们有很多乐器的进行选择学习，我们可以在中音阶梯艺术学校进行对
