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声乐分几种唱法:美声唱法是产生于17世纪意大利的一种演唱风格。以音色优美，富于变化；声部区分严格，重视音区的和谐统一；发声方法科学，音量的可塑性大；气声一致，音与音的连接平滑匀净为其特点。这种演唱风格对全世界有很大影响。21世纪的美声唱法是以传统欧洲声乐技术、尤其是以意大利声乐技术为主体的演唱风格。在文艺复兴思潮的影响下，
声乐分几种唱法:美声唱法是产生于17世纪意大利的一种演唱风格。以音色优美，富于变化；声部区分严格，重视音区的和谐统一；发声方法科学，音量的可塑性大；气声一致，音与音的连接平滑匀净为其特点。这种演唱风格对全世界有很大影响。21世纪的美声唱法是以传统欧洲声乐技术、尤其是以意大利声乐技术为主体的演唱风格。在文艺复兴思潮的影响下，逐渐产生了歌剧，美声唱法也逐渐完善。佩里根写出意大利较早的歌剧《达芙妮》，1600年又写出了
声乐分几种唱法
美声唱法是产生于17世纪意大利的一种演唱风格。以音色优美，富于变化；声部区分严格，重视音区的和谐统一；发声方法科学，音量的可塑性大；气声一致，音与音的连接平滑匀净为其特点。这种演唱风格对全世界有很大影响。21世纪的美声唱法是以传统欧洲声乐技术、尤其是以意大利声乐技术为主体的演唱风格。在文艺复兴思潮的影响下，逐渐产生了歌剧，美声唱法也逐渐完善。佩里根写出意大利较早的歌剧《达芙妮》，1600年又写出了歌剧《犹丽狄茜》。作曲家的创作，使歌剧突破了以往的唱法。歌剧中要求咏叹调和宣叙调相结合；要求合唱和重唱相结合；宣叙调需要足够的气息支持，要求明亮优美的声音能穿透交响乐送到观众耳边。歌剧的出现，使美声唱法趋于完善。美声唱法传入我国，是在五四运动以后，并逐步在我国古老的大地上生根，发芽。美声唱法对我国声乐艺术无疑是起了巨大推动作用。我国年青选手纷纷在国际声乐比赛中获奖，更进一步说明运用美声唱法来解释和表达外国声乐作品的艺术水准已达到相当水平。但如何使中国声乐走向世界？如何把美声唱法的优点不断的与我国声乐艺术、语言特点相结合而形成中国声乐学派，这还有大量艰苦细致斩工作，需要广大的专业和业余的声乐爱好者去不懈的努力。意大利文中称美声唱法为Bel canto。我国在开始引进这种唱法时，把Bel canto翻译为“美声唱法”，并把学习这种唱法的人统称为“美声学派”。其实Bel canto这个词意大利语的真正含义是“的歌唱”。我们仔细分析一下，“美声唱法”与“的歌唱”之间，在含义上是不尽一致的。“的歌唱”不仅仅包括声音，它还应该包括歌唱的内容及歌唱者的风度、仪表、气质等等。而“美声唱法”很容易的被顾名思义地理解为具有“美好声音”的唱法。把“的歌唱”理解为“美好的声音”，用田玉斌老师的话说，这种不全面、不准确的理解，使我国的声乐在发展中走了一些弯路。在很大程度上把美声唱法理解为只重视声音，声音高于一切，而忽略了其它方面的学习。因此致使不少学习美声唱法的人，在学习和实际歌唱中，要么重声不重字，要么重声不重情，甚至有的歌者非但不重字和情，就连声音也是装腔作势，唱起歌来很不感人。基于以上原因，在声乐界有人曾主张将“美声唱法”改为“美歌唱法”。其目的也是为了能准确地认识美声唱法的，含义，以避免在理解上乃到在实践佧莂出现偏差。其实，“歌”与“声”是不能划等号的。“声”是“歌”的“载体”，但决不反映“歌”的内容。在对“美声唱法”的称谓上已经约定俗成的情况下，再去在名称上大做文章，是无实际意义的。我们可以延用“美声唱法”这一习惯称谓，但关键是如何使美声唱法与我国的歌唱语言相结合，使歌唱者既能唱好外文歌曲，也能唱好中文歌曲。运用好美声唱法，还应该知道美声唱法包括哪些实际内容和原则。基诺.贝基先生在讲学中的有关美声唱法的一系列主张和论述，经田玉斌老师概括整理为以下六个方面内容：（1）美声唱法有声部之分；（2）美声唱法要求声区统一；（3）美声唱法要求母音一致、吐字清楚；（4）美声唱法要求声音连贯；（5）美声唱法要求具备良好的音乐修养；（6）美声唱法要求声情并茂。以上六点是美声唱法的重要内容，也可以说是六个重要原则。之所以称之为原则，是因为学习美声唱法的人必须严格遵守，而且是缺一不可的，否则很可能是不完全和不的美声唱法。 美声唱法起源于欧洲，它的产生不仅与欧洲音乐的发展过程有着密切联系，而且作为人类文化意识形态的一部分，它同样也是社会、时代发展的产物。13世纪前的欧洲音乐均为单声部音乐，其中，古希腊的声乐也以单声部为主，并受到严格的诗歌韵律的支配，主要以独唱、齐唱、领唱、说唱和吟唱为歌唱形式。在这一时期产生了诸如《荷马史诗》、《伊利亚特》、《奥德赛》这样出色的作品，它们是由盲人诗作者荷马创作并以说唱的方式演唱的。可以说这就是比较初期的声乐表现形式。随着古罗马帝国不断对外扩张，欧洲进入了长期的教会统治的时期，在历史上被称之为“中世纪”，教会教义几乎垄断了一切思想意识领域，歌唱同样成为各种宗教的附属品。古罗马帝国扩张不仅带来了领土的扩大，也为音乐世界带来了许多来自亚洲、非洲、欧洲的优秀艺人及丰富的音乐文化，他们聚集到罗马并使之成为当时欧洲较大的音乐中心。当时的教会演唱圣诗和朗诵《圣经》，这就成为了较早的合唱形式。教堂中用拉丁文演唱与宗教相关的内容即为被称咏的音乐形式。公元590年，罗马教皇格里高利一世选编、修订了配合教仪的《唱经本》，即的《格里高利圣咏》，实际上相当于规定了教堂中演唱教义的歌调。圣咏是欧洲声乐艺术的萌芽，它要求庄严、肃穆的演唱配合教堂的氛围。虽然圣咏有宣叙性和旋律性两种歌调，但由于它只是单旋律音乐，使人乏味。随着发展，演唱者将它作了一些华丽、流畅的“再创造”，形成了新的、更好的演唱方法。在圣咏音乐流行的时期，从11世纪起出现了一些促进音乐艺术的发展、丰富声乐艺术内容的音乐形式。由于当时手工业和商业得到了发展，城市开始出现了针对宗教音乐的世俗音乐，它要求人们用音乐反映生活和世俗的情感。此后，又相继出现了游吟歌手、恋诗歌手、民歌手等专业的歌唱者，他们虽无法完全摆脱宗教的浓厚色彩，但已可堪称为对宗教音乐的大胆突破。 阉人歌手促使技巧的发展。13世纪中期的欧洲音乐逐步突破单声部，开始进入复调音乐时期，声乐演唱也为多声部合唱形式，分别由女高音(soprano)和女低音(Alto)担任，圣咏旋律则由男高音(Tenor)担任，后来又加入了男低音声部(Bass)。由于圣经的古训规定“妇女在教堂中应保持缄默”，因此，演唱中的女声部均由男童声代替。这些男童是被阉割的男童声歌手，在声乐发展史上被称作“阉人歌手”。他们的出现曾为欧洲声乐艺术的发展做出了巨大的贡献，并奠定了“美声唱法”的基础，也在一定程度上推动了歌剧的产生与发展，他们盛极的时代同时也带来了美声唱法的黄金时代。早在4世纪，意大利就建立了专门训练童声演唱圣咏的歌唱学校，他们遵循古训，严禁妇女在唱诗班演唱，由于童声会随着年龄的增长而发生音色的变化，而不能唱出符合圣咏需要的优美自然的歌声，所以出现了这种不人道的“阉人歌手”现象。他们的声带及喉头不会随着年龄和身体的成熟而变化，阉人歌手具有女声的声带，同时又具备男子的体魄，所以，无需用假声就能发出悦耳的女声。虽然他们的声音不如真正的女声柔美，但他们华丽、轻巧、明亮的音色，宽广的音域，能令听众激动不已。在阉人歌手兴起和盛行的时期，不仅排挤了女声，甚至在一定程度上几乎了男声在歌坛上的地位。阉人歌手在欧洲盛行了近两个世纪之久，还有学校和教育机构专门训练阉人歌手。意大利阉人歌唱家法瑞奈里和卡法瑞里就是阉人歌手盛行时期的典范，他们的演唱技巧已经达到出神入化的地步。不容置疑，他们将欧洲的声乐水平推进到了一种较高的境界。18世纪末19世纪初，欧洲封建制度开始动摇，人们纷纷要求废除这种不人道的歌唱现象，同时妇女们也要求冲破封建束缚走上舞台，加上此时的男声也通过“关闭”的技法（close技法）提高了高音演唱能力，因此，阉人歌手在18世纪末开始走向衰落。 美声的发展与歌剧的诞生有密切的关系，如果说阉人歌手的出现奠定了美声唱法的基础，那么歌剧的诞生和发展又从更符合歌唱艺术发展的文化层面促使了美声的发展。歌剧诞生于文艺复兴运动的极大影响之中，当时，佩里、卡契尼、蒙特威尔第等作曲家，在歌剧创作中为了仿效希腊悲剧的朗诵调，他们使旋律与歌词内容、情绪变化，以及语言的起伏紧密结合，在歌剧中主要起着展开情节的作用。他们突破了传统和保守的束缚，创造了采用自然声音，由各角色来演唱自己段落的宣叙调演唱形式。为了使宣叙调的演唱更具有古希腊人在广场上演悲剧朗诵的那种声音，就不能采用声音微弱的童声和假声，而需要采用有足够气息支持，有丰厚声音共鸣，丰满宏亮而咬字清晰、真切、并富于穿力的声音。“这些就促使佛罗伦萨小组的成员除了创作之外，还必须研究解决如何演唱的问题，于是就在前人，特别是维基的三幕仅供清唱用的16世纪恋歌剧《安菲帕那索》的演唱经验基础上，发展出了美声唱法”(摘自尚家骧的《欧洲声乐发展史》)。卡契尼提出要以宏亮致远的声音演唱歌剧的要求；蒙特威尔第则进一步使歌剧音乐戏剧化，写出了歌唱性的宣叙调和具有强烈感染力的咏叹调，这些都使得歌唱家们感到提高自己的演唱能力和技艺是良好表现音乐作品的基本保障。同时，蒙特威尔第在威尼斯建造了世界上第—座歌剧院，使歌剧从较初的宫庭和贵族的厅堂走入了正规的歌剧院，也为社会各阶层的观众提供了良好的欣赏场所。这样，随着观众层次的扩大，欣赏要求不断提高，必然地促使歌唱家们开始研究训练完善他们的歌唱技术，以便自己的演唱能达到卡契尼、蒙特威尔第所提出的宏亮、致远、富于戏剧性的声音要求。于是，许多卓越的歌唱家以他们高超的演唱技巧、华丽的嗓音，穿过庞大的乐队“音墙”，清晰地把歌声送到剧场的每个落，征服了观众，使歌唱艺术达到了新的高峰，所以可以说“美声”随着歌剧而得到极大的发展，是文艺复兴时期人文主义思想在音乐艺术上的表现；它不仅是一种歌唱技术和一种演唱网络，而且还是一定美学原则和艺术思想的体现。透过17世纪欧洲诸多乐派中较具影响力的四大歌剧乐派佛罗伦萨乐派、威尼斯乐派、罗马乐派、那波里乐派对演唱风格的要求，我们不难看出它们对“美声”的发展的重大意义。佛罗伦萨乐派：在佛罗伦萨歌剧乐派中有—个小组，他们突破传统的演唱形式，采用自然的声音，男演男角，女演女角。在贵族的宫庭里，在文人的聚会上他们都会尽情地演唱，弗朗西斯科·卡契尼就是当时较早、的女歌唱家之一。为了能使演唱再现古希腊人在广场上演出的悲壮，佛罗伦萨小组的成员开始了对声音及唱法的探究。传统的童声或假声已不能满足现实的需要，一种强调充分的呼吸，丰满、明亮的共鸣，清晰真切的咬字及宏亮而致远的音质的演唱要求被提出。他们不仅创作歌剧，而且还要不断地对演唱、发声的技巧进行研究。于是，随着《达芙妮》、《犹丽狄契》等抒隋音乐剧的诞生而产生了代表佛罗伦萨乐派风格的演唱要求：在自然、朴素的演唱基础上要求甜美、柔和、典雅，旋律优美抒隋给人以舒适之感。威尼斯乐派：在17世纪的歌剧史上，蒙特威尔第创立了威尼斯歌剧乐派，为早期意大利歌剧奠定了基础。如果说佩里和卡契尼是歌剧音乐抒隋的创始人，那么蒙特威尔第则是音乐戏剧性的创始人，可以说歌剧诞生在佛罗伦萨，发展在威尼斯。蒙特威尔第创作的宣叙调加大了乐队伴奏的比例，丰富和烘托了独唱的气氛，他的部歌剧《奥菲欧》与佩里和卡契尼的《犹丽蒂契》来自于同—题材，而他写出了戏剧性的悲剧。在歌剧的创作上，蒙特威尔第首先使用了减七和弦，大胆地使用了转调和半音音阶，在乐队伴奏上，他了弦乐器的拨弦和揉弦的技巧。威尼斯乐派使歌剧走向社会，并使其走上了“花腔”——加花演唱的道路，他们追求华丽的演唱技巧和声音，他们以高超的声乐技巧出现在舞台上，引起了阵阵狂热。这种戏剧性的宣叙调和咏叹调使Bel canto的演唱获得了更大的表现力。罗马乐派：作曲家卡瓦里埃原是佛罗伦萨人，后定居罗马，成为了罗马有名的作曲家，同时也成为了罗马乐派的代表人之一。歌剧这种体裁在罗马乐派中成了宗教的附属品。卡瓦里埃在宗教的气氛包围中，创作了寓言性的，颂扬封建道德的歌剧《灵魂与肉体》，以他为代表的罗马乐派的歌剧创作虽然在题材和形式上模仿佛罗伦萨乐派，在演唱上局限于宗教风格，但同时也具有自己的特点，在舞台布景、装置、服装上追求富丽豪华的场面。那波里乐派：17世纪下半叶，意大利的歌剧被那波里歌剧乐派所取代，同时也为Bel canl0的演唱提供了更广阔的天地。其中包括A·斯卡拉蒂。A·斯卡拉蒂是一位颇有才能的作曲家和歌唱家，他创作的歌剧具突破性，使美声从此走向一个新的发展阶段，而且也逐渐形成了那波里的美声风格：重视声音的明净、优美的音质和华丽的声韵。同时，他还为社会培养出了许多教授美声的教师。美声是借鉴、融合了圣咏、阉人歌手高超华丽的演唱方法，伴随着歌剧的创始与发展，逐渐成熟和完善并成为—个科学的声乐体系，它能在世界声乐史上达到一个光辉的顶峰，所依靠的正是那些严格、准确的技术要求和训练，依靠的正是那些动人的声乐作品和杰出的歌唱家们炉火纯青的高超技艺。由于“美声”这种歌唱方法与风格，很快得到欧洲各国声乐表演和声乐教学的采用和接受，并在它的发展中，逐步从地区性扩展为国际性，形成一种具有演唱风格，声乐技术，美学原则和教学理论的声乐学派。 阉人歌手的衰落一部分原因是由于大歌剧的兴起。欧洲文艺复兴运动促使人们冲破封建的、神学的、禁欲主义的束缚，个性得到解放，爱I青成为人们歌颂的主题，资产阶级浪潮对封建制度进行强烈冲击。进入19世纪，阉人歌手这种不人道的现象逐渐被禁止。l8世纪后期，大歌剧主题大都离不开对个性解放的要求和对爱情主题的叙述，并提倡采用现实主义的创作方法。因．此歌剧舞台上逐步改变了由阉人歌唱家担任女角的演唱方式，奠定了男唱男角，女唱女角的新演唱形式，这是欧洲歌剧的—个重大转折。为了实现男高音演唱技巧的飞跃，以配合不断发展繁荣的歌剧舞台，经过两百多年的教学和几代人长期实践探索，l9世纪随着“掩蔽”唱法出现使男声获得了稳定的高音，它标志着男高音演唱技巧的质的飞跃，并在歌剧舞台上，以男角为主角的局面逐步形成。可以说，l9世纪是男声的黄金时代，无论从演唱技巧的发展，演唱人才辈出，还是以大量的男角为主的作品涌现，均证明了男声在歌剧中的重要地位。以贝里尼、唐尼采蒂、罗西尼为代表的意大利歌剧，以及法国歌剧都反映了这一时期的声乐演唱水平，声乐史上称这一时期为美声唱法的“全盛时期”。19世纪意大利伟大的歌剧作家威尔第的充满爱国主义激情的歌剧问世，标志着歌剧创作的新发展。由于他成功地在咏叹调上的创作，使得对声音的要求也进一步提高，既要有扎实的歌唱技术，强烈的情感表现方式，震撼人心的戏剧性，又要具有抒隋性和流畅、灵活和柔美。以马斯卡尼为代表的真实主义歌剧演唱技巧又上了新的台阶。而瓦格纳的歌剧由于注重乐队的配置，加重了乐队在歌剧中表现的分量，因此想获得较清晰的演唱，演员们必须在发声上要为扩大音量而努力提高发声的技巧。为适应不断发展起来的歌剧舞台，美声唱法在发声技巧上经历了多次的飞跃，总而言之，歌剧的发展推动了声乐艺术的发展。 19世纪初，欧洲的文学艺术出现了一种新的潮流或新的风格，这就是所谓的“浪漫主义”或“浪漫主义文艺思潮”。浪漫主义形成于法国资产阶级革命后以及拿破仑专政时期。浪漫主义的文学艺术，反映了当时欧洲资产阶级和小资产阶级知识分子的思想感情和对社会生活的态度。浪漫主义的文学艺术，不仅是—个创作方法和作品风格问题，而且还是—个内容复杂的世界观和艺术观的问题。在音乐创作方面，浪漫主义的形成是在19世纪初的20年代。“它的奠基者是奥地利作曲家舒伯特和德国作曲家威柏”。(摘自张洪岛的《欧洲音乐史》)舒伯特的创作是艺术歌曲、交响曲、室内乐等，威柏主要是歌剧创作。浪漫主义作曲家在音乐创作手法上作了许多革新，比如，在主题的音调上加强了抒情的因素，在器乐作品中贯穿了歌曲性的音调等。而在歌曲的创作方面，歌词大都采用名家的诗作，诗意盎然，讲究诗词和音乐浑然—体和“诗化精神”，要求将诗词的内涵充分地用音乐表现出来，同时，加强了伴奏、尤其是钢琴伴奏的表现功能和作用，形成了与歌声共同塑造艺术形象，推进高潮、揭示歌词意境，表现歌词未尽之意的新型关系。随着以舒伯特、舒曼、布拉姆斯等作曲家为代表的德奥浪漫主义艺术歌曲的兴起，便出现了不同于歌剧咏叹调演唱的艺术歌曲演唱风格。虽然艺术歌曲的演唱同样运用“美声”技术，但它的演唱风格和技术要求却因内容需要，有别于歌剧。一是艺术歌曲的内容大都是浪漫主义诗人的文学杰作，要表现这些诗歌细腻的情感、浪漫的隋调、高雅的格调，就需要运用轻声、半声，以及高音区上渐强渐弱的技术来丰富声乐的表现力。二是艺术歌曲通常用钢琴伴奏，在声音的音量上要求控制，并与歌剧演唱强烈的音响形成了对比。三是艺术歌曲还具有室内乐的性质，不以表现戏剧性的激情见长，而以抒情为主。从而形成了以多种音色、清晰的吐字、细致的语调，以含蓄为贵、阴柔见长的艺术歌曲的演唱特点。正如德国当代较的艺术歌曲演唱家施瓦尔茨科普高度概括的那样：演唱歌剧犹如用大刷子醮着涂料进行粉刷，演唱艺术歌曲则像是画“工笔画”，需要极细的笔来描绘。以舒伯特为代表的艺术歌曲的问世，还使欧洲的歌曲创作进入了—个崭新的境界，在欧洲声乐艺术的发展中占有重要的地位，并且还形成了与歌剧以及教堂音乐平分秋色的局面。随着艺术歌曲创作的繁荣，还出现了以音乐会演唱为主的职业歌唱家。16世纪意大利歌剧的兴起，确立和发展了美声学派的声乐技术和演唱风格；19世纪德奥艺术歌曲的兴起和繁荣，不仅出现了与歌剧不同的演唱风格，还造就了许多专门从事艺术歌曲演唱的歌唱家。由此可见，音乐创作的繁荣和发展，歌曲创作手法的革新和开拓，对音乐表演和声乐演唱以及音乐教育都起着十分重要的促进作用。20世纪的声乐舞台可谓是百花齐放，各领风骚，多种演唱风格与流派并存。他们的竞争带来了演唱方法的多种多样，同时也是美声唱法日臻科学和完善的表现。
大学读钢琴专业的体验及日常是怎样的？
师从某钢琴演奏家，进校的时候答应老师每天至少8小时练琴。
综合性大学乱七八糟的课很多，每天练琴像打战一样，六点半起床，七点赶到琴房楼刷一间满意的琴房。
老师给我布置的曲子又长又难，我必须花很多时间研究、练琴，老师气场太强大以至于好长一段时间上课手都是抖的。
哦对了，从小到大都是好孩子的我，因为翘了无关紧要的课去练琴被辅导员抓到，人生次写了检讨书。
除了学校的老师，我在校外还有找别的老师上课，跟对合适的老师太重要了。
大学生活丰富多彩，方式也是各种各样，完全取决于你想怎么过。
跟我同一个老师的同学，也有过得极潇洒的。
较后，千万不要去综合性大学，会有很多奇怪的公共课。
不过就算考上了综合性大学也不要气馁，只要自己愿意努力，一样不比别人差。
前几天跟个欧洲音乐学院回来的硕士交流，拿着我的谱子各种翻一副没见过的样子。
不会呼吸的人能唱好歌吗？
不可能！！！
气息是我们发声所必须的能量支撑，没有好的气息就不能为唱歌提供柔软的温床。
呼吸是我们人类较原始的本能，但如何使用好这种本能，对我们的发声和歌曲演唱有极其直观的作用。我们的呼吸是一套太极拳法，只有你掌握诀窍学到精髓，才能游刃有余地四两拨千斤。
今天歌唱讲堂平台老师
就要带大家一起走近呼吸
唱歌时呼吸的原理
生理学家将呼吸分为三种：安静呼吸、剧烈呼吸、发声呼吸。
日常说话时的呼吸比较平静、比较浅，不须用很大的肺活量。
而唱歌时的呼吸运动就不同了，吸气的动作很快，呼气的动作很慢，如果遇到较长的乐句，一次呼气可长达十几、二十秒钟，而一首歌曲的变化，全靠呼气和吸气肌肉的坚强而又灵活的运动来完成，这是日常说话那种平静的呼吸所无法做到的。
呼吸系统图
原理
歌唱通过从肺部呼出的气息形成动力，通过声带振动发声，之后经过喉、咽腔等共鸣器官扩大和美化。歌唱吸气时，声带的声门打开，呈三角形状态：歌唱呼气时，气息从肺部呼出，经过声带，激起振动，声带闭合，挡气，声带这种多次反复的运动就是歌唱发声的全过程
呼吸的分类
1、上胸式呼吸
吸气时胸部明显抬高，吸气量又少又浅，声音干瘪无力 。 （英雄气短的代表，大多数人的呼吸方法）
推荐指数：负分
2、腹式呼吸
吸气时软肋扩张、小腹鼓起，呼气时小腹收缩。但由于吸气过深，导致中低音区沉闷，声音缺乏灵活性。
推荐指数：50分（并不较好）
3、胸腹联合式呼吸
吸气时肺感觉扩张，横膈膜下降与腹胸形成对抗。全面调动整个腔体共同控制气息，呼吸肌肉负荷均衡，不易疲劳。
推荐指数：100
在这三种呼吸方式里，上胸式呼吸是普通人标配呼吸，也就是地球人都会的呼吸。
腹式呼吸是懂些声乐基础的朋友们理解的不完全版呼吸法。
下面我们就要开始正式的练习了！
毕竟只说理论就是耍流氓！
呼吸的正确方法
方法：口鼻同时快速吸入，像被吓了一跳，倒抽冷气一样，配合横膈膜，腰腹肌肉力量，做到短促、干脆、有爆发力。
短促是指吸气短促，没有过程；爆发力是指在吸气的瞬间，腰腹部要快速弹出，有爆发力；干脆是指整个吸气动作要干脆利索。
如果这张图你看不太懂，没关系，下面这张更详细。
如果这样你都还没找到正确的方法，没关系，你还可以躺着像卷福这样～
找到感觉以后，站起来再呼吸感受一下
加油啊，胜利在向你招手！
呼吸的日常训练
无声训练
1.慢吸慢呼：闻花香的感觉
2.慢吸急呼，急吸慢呼：梨花带雨的抽泣，下巴掉地上的惊愕
像这样↓↓
或是这样↓↓
3.急吸急呼：狗狗喘气（可自行脑补学习）
有声训练
1、顿音练习（音与音之间断开，参照狗喘气的方法）
2、连音练习（把不同高度的音与音唱得连贯流畅）
3、顿、连音结合练习（训练综合控制气息能力）
气息必备Tips
1、吸气时位置深（气息往下沉）
2、吸气容量足够（但不过量，不憋气）
3、气息控制得当（腹肌的弹力韧力训练和慢吸慢呼、慢吸快呼、快吸快呼）
气息话外音
1、学呼吸，是忘掉之前的错误习惯，建立新习惯的过程
我们成长过程中，因为各种原因，使得说话、哭喊吵闹，都没有合理的用到气息。所以流行演唱中呼吸的学习和训练，就是为了认识到声音和气息的关系，让我们能够返璞归真，用身体的本能去歌唱，并在此基础上不断的提升机能，做到随心所欲——既要有足够的机能，又要有足够的熟练度。
2、吸气是积极紧张的工作状态，呼吸是彻底的放松
放松是为了让身体有弹性，下一次快的吸气。
3、呼吸是有节奏的
在演唱过程中，并不是在乐句间有足够的气口，就可以随意换气。吸气过早，需要憋气等待乐句，过程中会让身体变得僵硬，使胸腔变紧，不利于演唱中气息的流动。呼吸练习中，发声练习中，都需要有节奏感。
呼吸的误区
1、气息不够用（气短）
对策：吸气完成后保持状态，身体放松，自然歌唱
2、吸气后身体僵硬（全身紧绷，四肢紧张）
对策： 吸气时用微笑放松的状态打开口腔，气要沉入丹田，保持住
3、太大口的换气（吸气过量后憋得难受）
对策：避免吸气时抬胸耸肩，改掉胸式呼吸法，克服紧张心情
易操作的日常呼吸训练
1、数数字
从零开始数，看能数到几。
2、吹纸片
把一张薄薄的纸放在面前或是墙上，吸气并均匀呼向纸片，保持纸片不落地。
3、发“嘶”
吸一口气，开始均匀地发出连贯的“si”音，直至一口气用完。
4、唇颤
其实呼吸就这几点需要学习和注意的
喜欢唱歌的朋友可以点击文章下面的“了解更多”进行系统的学习或使用手机摆肚一下“说话式唱法”进行系统的学习
世界名曲——古典音乐MIDI资源
世界名曲——古典音乐MIDI资源（新增·目前一共190首，更新完毕）
一共190首MIDI文件，今天上网比较猛，找到了就都拿来了……
1楼有125首MIDI，其中100首为分卷压缩包，三个附件全部下完才能解压，另外25首单独压缩~
其中的100首目录见下方，附件的文本文档也有这100首的目录可供下载~
后面的回帖中陆陆续续有60多首古典曲目，多为多乐器，有些甚至为某个乐章的完整版~很难得的~
里面有些可能是同一个曲目不同版本，有些可能有重复~
完全开放下载，谢谢浏览~
1楼MIDI档案—100首目录
001 Carinito 一首探戈，献给萨内蒂
002 水边的阿迪丽娜
003 土耳其进行曲
004 一部非常大气的作品
005 一首贝多芬的钢琴曲
006 一首非常好听的waltz
007 欢乐颂
008 饿狼传说，放这里似乎不合适，不过真的很好听
009 阿拉伯绮想曲
010 吉他泰雷加的作品，是许多吉他爱好者爱不释手的小品，前面的主题表现了儿童纯洁的泪水，中部有悲伤的感觉
011 魔笛主题变奏曲 古典吉他经典名曲，索尔的作品，依照莫扎特歌剧《魔笛》里的主题写成，洋溢着古典主义的馨香，很难弹
012 卡尔卡西练习曲第60号第三首，很，安静、温馨、纯洁
013 细碎而深沉，和声进行很有特色
014 维拉罗伯兹前奏曲 头尾深情，中间活泼，是吉他名曲
015 G大调前奏曲古典吉他曲，改编自巴赫无伴奏大提琴组曲的前奏曲。温暖得像阳光下的海水一样。
016 d小调前奏曲，巴赫的作品，古典吉他版。忧伤而深邃
017 忘却的悲伤,一首钢琴曲.还是很好听的
018 理查德*克莱德曼的作品，玫瑰色人生
019 致爱丽丝爵士版
020 不字的美曲
021 童年的回忆 瑞典作曲家班德瑞的作品
022 贝多芬“暴风雨”奏鸣曲之小快板片段，是偶现在用的铃声哦！
023 蓝色多瑙河
024 Tico Tico，非常的一首拉美舞曲，节奏感很美
025 布鲁赫的小提琴协奏曲（钢琴伴奏版）
026 李斯特 匈牙利狂想曲 1
027 命运
028 《夜莺》钢琴曲
029 Lascia Ch‘io Pianga
030 一个男人的梦 雅尼的音乐，雅俗共赏。
031 不字的美曲
032 较的“拉得斯基进行曲”
033 军队波兰舞曲 肖邦名作
034 这才是原版的星空，理查德的音乐大多数都经他本人改过的
035 爱情的故事 理查德的钢琴曲
036 塞维利亚理发师 罗西尼 虽然是歌剧，用MIDI表现出来也不错哦，和弦很值得研究
037 这个《梦中的婚礼》如何，这个比较舒缓一些
038 肖邦的第十号圆舞曲
039 西班牙斗牛士
040 贝多芬小步舞曲
041 维也纳森林的故事
042 Songs From A Secret Garden
043 意大利波尔卡
044 moon
045 X_JAPAN乐队经典曲目
046 胡桃夹子 芭蕾舞音乐片段
047 拉格兰之路 这是一首古老的爱尔兰民歌，曲风沉郁，抒情，从爱尔兰网站上下载
048 roland demo 这是roland合成器的示范曲，似乎曲风带有保罗.莫里亚乐队的味道，我个人很欣赏
049 圣桑作品。通常被世人认为是一首为了使小提琴能充分发挥其高度演奏技巧而写的作品。
050 致爱丽丝 贝多芬原作
051 心境，柔柔的
052 法国人圣-桑的“天鹅”
053 理查德·克莱德曼的成名曲
054 肖邦编号外圆舞曲
055 四小天鹅舞曲
056 作者：约翰.汤普森 苏格兰高地
057 ITALY.打过CS吗？那你一定很熟悉喽：）
058 巴赫 D小调赋格曲BWV.565 （NOKIA机器铃声）
059 柴可夫斯基钢琴协奏曲乐章 太太熟悉太好听了！
060 雨滴 肖邦的前奏曲，非常动人
061 大清帝国国歌 於斯万年,亚东大帝国!山岳纵横独立帜,江河漫延文明波;四百兆民神明胄,地大物产博.扬我黄龙帝国徽,唱我帝国歌!
062 西班牙女郎
063 creative_symphony
064 Prelude III
065 第二谐虐曲 可以排进肖邦较好的音乐前五名
066 谐虐曲 肖邦的作品，中间一段慢板简直美得说不出话：无奈和绝望的美
067 Liszta Campenella 精品哦！难度很高！
068 威廉泰而序曲(罗西尼) 欢快而且动听！你也一定很熟悉，不能错过！
069 李斯特匈牙利狂想曲II--钢琴版 当李斯特首演一部钢琴协奏曲时，他年仅12岁。乐队中一位中提琴演奏者惊讶地叫道：“大家快听那，他居然弹得像莫扎特一样好！）
070 tangamig 节奏实在太好了！
071 痛苦的心（经典）
072 abegg variations 舒曼的一首有名的变奏曲！
073 我听过的版本中较好的cannon，就是野蛮女友里的那首钢琴曲
074 美国巡逻兵(经典）
075 检阅进行曲（经典）
076 Piano Concerto #1- P.Tchaikovsky Tchaikovsky 的钢琴曲，一定很耳熟（经典！）
077 钢琴月光 好听！
078 Waltz from Swan Lake Tchaikovsky. Swan Lake 中较好听的一首曲子
079 军队进行曲 这是舒伯特的作品！经典！
080 月光（吉他曲）很的吉他曲
081 绿袖子（超动听吉他演绎）经典！
082 天鹅湖序曲 经典！
083 CANON IN D jahann pachelbel写的CANON IN D 17世纪，是一个古曲(guitar)
084 莫扎特交响乐作品第40号 经典！
085 德彪西的《月光》 与徐志摩的《再别康桥》绝配！！！
086 贝多芬第五交响乐（命运交响曲）经典！！
087 In the Hall of the Mountain King （7650中的Peer Gynt!!!)
088 莫扎特〈小步舞曲〉经典！
089 请欣赏巴哈的作品 好听！
090 吉卜赛风格的《匈牙利舞曲》 好听！
091 舒柏特这首<<降B大调谐谑曲>>是在逝世后出版的
092 贝多芬 欢乐颂 第九交响曲《合唱》较后乐章 经典！
093 单簧管波尔卡 经典！！
094 喷泉 悦耳！！
095 不知啥名，好听！
096 恩雅选集之三——咒语 enya的专辑cursum,有一种神秘的毒药的感觉
097 在射过树林的阳光下 西村由纪江的作品,非常优美
098 泰雷加 威尼斯狂欢节主题与变奏
099 Morglory——恩雅的音乐放在古典音乐栏目中可能有些不合适，但是好听！
100 门德尔松的婚礼进行曲，极经典，做收尾吧：）
音乐艺考知识延伸：中国歌剧的未来非常灿烂
普拉西多·多明戈、卢恰诺·帕瓦罗蒂、何塞·卡雷拉斯，“世界三大男高音”曾是一个时代的标签。今天，他们之中一位仍活跃在昔日舞台的卡雷拉斯将在大宁剧院登台亮嗓，这位享誉世界的男高音将携芬兰新人女歌手雪兰（SaaraAalto），为“上海之春”增添一抹的光彩。据本报全新取得的曲目单，将以意大利着名作曲家托斯蒂的《小夜曲》开场，相继带来《我那遥远的故乡》、《负心人》等十几首经典，而他与雪兰的老少合作曲目也已经敲定，二位将为上海观众带来歌剧《风流寡妇》选段《相对无言》。
唱遍经典无惧体力
尽管在世界各地的独唱音乐会数量逐年递减，年近七旬的卡雷拉斯却仍是一块金字招牌，此次在“上海之春”音乐节中举办自己的音乐会，这位从血癌中奇迹般康复的艺术家克服了身体上的体力考验，而42年的舞台生涯和丰富的人生阅历，令年近古稀的他像美酒佳酿越陈越香。“在我被病痛折磨时，我较大的梦想是重新回到舞台上唱歌，我也确实做到了这一点。放射治疗竟然没有损伤我的声带，这是上天对我的恩赐。”表示自己近来身体状况、声音状态都很好，对此次个人音乐会非常期待，他将挑战十多首经典名作的演绎，包括着名作曲家托斯蒂的《小夜曲》、《较后的歌》、莱翁卡瓦洛的《游戏小调》、加德尔的《我那遥远的故乡》、卡尔蒂洛的《负心人》等，丝毫不担心体力问题：“我平时都保持着经常锻炼的状态，保持每天有规律地练声。我在全世界范围都保持着一定的演出频率，虽然因为体力正在减少演出，但那大多是歌剧的部分，个人演唱会并没有什么问题。我也经常看其他人的演出，保持愉悦的心情和年轻的心态。”
自从那一年“三高”演出在上海引起轰动后，这是卡雷拉斯第五次来上海演出，上海的夜景令他沉醉，上海的小吃也叫他念念不忘，之前登上过东方明珠，这次他要求去周边古镇看一看。此次再回喜爱的老地方放歌，卡雷拉斯为上海观众带来了芬兰的女歌手雪兰，“虽然我和她次合作，但我在西班牙的电视里看到过她，知道她参加过不少有名的歌唱比赛。我专门听了她的CD和影像，觉得她很有潜力，她的演唱和舞台风格都很有活力，与以往和我合作过的人很不一样。希望这一次合作能够让上海观众感到惊喜。”据记者了解，雪兰曾主演过音乐剧《女巫前传》、《高中》，是位多才多艺的表演艺术家，此次除了与合作，她还将演出《安魂曲》以及音乐剧《歌剧魅影》选段《想想我》。
中国歌剧未来灿烂
67岁的卡雷拉斯在上海依然票房骄人，能容纳1110名观众的大宁剧院甚至考虑加座。事实上，卡雷拉斯也一直很关注中国音乐的发展，他在今年初和郎朗在晚会上合作了一曲，对于这位中国青年钢琴家赞不绝口：“我很高兴中国有那么棒且年轻的钢琴家。我也知道一些其他中国的钢琴演奏家，希望有更多机会合作。”他更表示，自己听过很多中国歌手的演出，比如和多明戈合作过的宋祖英，还有演唱过奥运会主题歌的刘欢，还有女高音黄英：“他们都很有实力，各有特色。”
多明戈去年来中国时曾预言，“歌剧的下一个巨大市场将是中国”。对此，卡雷拉斯很是赞同，数十年间多次访华演出，从演唱时台下观众的反馈中，他明显感受到中国观众艺术素养的提高，越来越多原创歌剧和经典歌剧在中国上演，中国的投资者也愿意为歌剧艺术投入资本：“当我们把歌剧带到中国后，聪明的中国人把自己的文化融合到歌剧中，让歌剧在这里重获生命力。我听说中国无论是原创的中文歌剧还是重演经典的次数都越来越多，中国的艺术机构对歌剧投入了更多的关注，也有一批优秀的歌唱家。我期待并相信中国歌剧的未来会非常灿烂。”
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