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中音阶梯怎么样：传统乐理：摇滚音乐的主题

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2019-12-30

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中音阶梯怎么样:传统乐理：摇滚音乐的主题中音阶梯怎么样传统乐理:摇滚音乐的主题传统乐理摇滚音乐的主题作曲家创作乐曲时，经过酝酿、构思，初步明确所要达到的目标后，共写作次序一般是：先写好音乐主题，把头开好；继而予以发展；较后通过合理的曲式而完成音乐形象。这三步往往是紧密联系在一起的。下面先从音乐主题谈起。概述音乐主题是一首乐曲较主要的乐思，常是作曲家在充满激情的精神状态下写出来的

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传统乐理:摇滚音乐的主题

传统乐理

摇滚音乐的主题

作曲家创作乐曲时，经过酝酿、构思，初步明确所要达到的目标后，共写作次序一般是：先写好音乐主题，把头开好；继而予以发展；较后通过合理的曲式而完成音乐形象。这三步往往是紧密联系在一起的。

下面先从音乐主题谈起。

概述

音乐主题是一首乐曲较主要的乐思，常是作曲家在充满激情的精神状态下写出来的。它具有鲜明的个性特点，富有较强的表现力，意义也比较完整。乐曲一开始往往就是音乐主题，也有经过引子才出现的。因它是形成全曲音乐形象的基础，很重要，因此创作音乐作品时，首先应把精力集中于此。

主题的构成，就乐句的句数来看，常由两个乐句构成，也有由一个、三个、四个或更多个乐句构成的。它常结束在调的主音上，或三音、五音上（即结束在主和弦上，大调是1、3、5，小调是6、1、3，徵调式是5、2，商调式是2、6等），有一结束感、段落感。

主题往往是一个乐段。

主题核心是主题的一部分，多在开始的地方，常见的是一或二小节（自成一个“单元”），有时是一个乐句。整个主题常由此核心延展而构成的。平时谈及音乐主题时，常不是指主题的全部，而是指主题的一部分，如主题核心。

这是由两个乐句（每句八小节）构成的音乐主题，终止在小调的主音上，开始两小节是主题核心（很有小草纯朴无华的特色），整个主题由此发展而成。

主题节奏

主题节奏是指主题或主题核心的节奏骨架，主题的个性特点以及主题的多样性常由此奠定。

主题节奏就歌曲来说，常与歌词朗诵的节奏有关。但无论是歌曲或是器乐曲的主题节奏，更重要更宽广的来源是作曲家对生活的深刻感受，是在自己内心深处的感情波涛上所进行的各样富有特色的"浮雕"。一种是主观心境的刻画，这是主要的，为数也较多。一种是客观人物、景色的刻画、描绘，虽然是客观的，但也绝离不开主观的作用。

主题节奏与歌词朗诵节奏的关系有些歌曲的主题节奏与歌词朗诵的节奏基本一致，如：不少歌曲的主题节奏与以上情况相似：

这类易在群众中传唱的歌曲，特点之一是音乐的主题节奏与语言的节奏相当吻合，音调也较通顺，因而感到自然，容易上口。应充分注意到，音乐的主题节奏要比歌词朗诵的节奏丰富得多。作曲家刻意追求的是音乐主题要富有个性特点，并与内容吻合。朗诵歌词时，肯定不会把节奏拖得如音乐主题的节奏那样悠长

主题音调

主题音调是指独立于主题节奏的高低的连续，常具有一定的特点。

主题音调的民族风格音调有相当强烈的民族范围内的继承性。音调与民族的语言及思想感情特有的表达方式等密切联系着，形成自己独特的风格。中外许多作曲家所创作的音乐主题，其音调大都一定程度具有自己的民族风格。俄罗斯作曲家格林卡曾说过，音乐是人民创造的，作曲家不过是加工改编而已。特别是从音调来看，这话是有根据的。有些器乐曲的主题本身就是民歌，如柴科夫斯基《D大调弦乐四重奏》第二乐章的主题：是一首俄罗斯民歌。我国沙汉昆《牧歌》（小提琴独奏）的音乐主题：来自内蒙古民歌。

我们有些革命群众歌曲，本身就是民歌，只是重新填了词，以新的时代的激情去演唱，从而有“出新”。原封不动地把民歌作为主题，总的来看终是很少数，更多的是在民族、民间音乐的基础上进行再创造。

音调与语言有密切的联系，这在歌曲创作中尤为显见，如音调的起伏尽可能与歌词朗诵的语调相一致，以使歌词内含的感情较自然地表达出来，歌词也让人听得清楚。

朗读句歌词时，“握”字要比“手”字自然地扬上去一些，“一杆”稍低下来一点，“钢枪”的“钢”字，明显地要更高地扬上去。这个音乐主题的音调起伏与歌词的语调基本一致，听起来很自然。应注意到这当终是以音乐形象的塑造为中心的，以上这一切与特定的宽广的主题节奏结合在一起展现战士的胸怀，含义才全面。

有时音调的进行与歌词字音的起伏有矛盾，一般来说，这时应着重音乐形象的塑造，因为音调自身的起伏还有它自己的规律，有一定的独立性。通常，好歌曲脱离了歌词，移植到乐器上演奏，仍很，说明了这一点。

音调与歌词朗诵的起伏从总的来看基本一致，大部分歌词都听清楚了，但其中的“滴阶前”听起来像是“滴解前”，不理想。但从音乐本身来看，音调起伏婉转，很有“春思”的意味，特别是前调小节的音调5123与后两小节的音调i6232是呼应的。若为了把“阶”字唱清楚，势必要改动整个主题音调，权衡利弊，还是像原曲这样为好。

自然，如将“你是灯塔”谱成3.1|63|听起来像是“你是等他”词意全变了，显然不可取。而赵元任作曲的《老天爷》其中的“老”字内含有由低往高的明显趋势，音调上配以35，听得很清楚。

聂耳、冼星海的歌曲，其音调的起伏与歌词朗诵的起伏多结合得相当，但并不全按字寻腔，而更多地着眼于整个音乐形象的塑造。

怎样区分蓝调与爵士

爵士（Jazz），藍調（blues）對於一般人來說，似乎是那麼難分出其不同

以致於版上三不五時就有人會問Jazz和Blues怎麼分這類的問題.

為何一般人會陷入混淆呢？因為這兩者在美國音樂史上是互相影響並融合的

而且一般人對於Jazz和Blues的定義都不夠清楚.再加上大部分的音樂都是

融合了兩種以上的音樂類型，以致於對於不熟悉者真是難以分辨.

如何分辨Jazz與Blues呢？

首先我們必須認知到：Jazz和Blues的音樂定義域是不同的.

以汽車做比喻，就像手排/自排與四輪驅動/前輪驅動是以不同的定義域來分賴的

所以一部車可以同時是自排/四輪驅動，也可以是自排/兩輪驅動，也可以是手排/兩輪驅動

照樣：一個音樂他可以是爵士而不是藍調

也可以是藍調而不是爵士

也可以是藍調也是爵士

更可以不是藍調也不是爵士

接下來為大家簡介爵士的認定：

A.廣義的爵士樂：较廣義的爵士樂認定，簡單兩個字：'自由'

一個音樂以很自由的方式展現出來，就是爵士

如果有聽流行音樂的人，一般歌曲中間偶爾會有一兩段Saxsolo

基本上那就是很爵士的表現了.

廣義的爵士，基本上可以包括的範圍很廣泛

即使是帕格尼尼的小提琴演奏，只要演奏家能很自由的展現出任何東西

（任何東西就是任何東西啦，可以是調性的自由運用，音樂要表達的內涵

或是演奏家自己要表現出的內涵...只要有東西被表現）

就可以是Jazz.重金屬樂團吉他手來段精彩的吉他solo，也是具有jazz

的本質.當然樂曲裡有一兩段爵士的表現不見得就可以叫做爵士樂.

廣義來說，爵士樂的定義是沒有特別的限制的.

所以當一首藍調音樂以很爵士的手法呈現時，就成為所謂的藍調爵士

在廣義的認定下，大概只有1.按譜演奏，正確

2.節奏固定，旋律重複無變化

這樣的音樂不是爵士了

不過大部分的古典樂屬1

大部分的流行樂屬2

B.廣義的藍調：藍調的認定和爵士的有很大的不同

爵士的廣義認定可以說是很自由心證的

但是即使是廣義的藍調，都是很技術性的認定

什麼是藍調呢？

簡單來說，當一首歌以1111-4411-5411這種所謂的12小節藍調進行

作曲，並以藍調音階或五聲音階中的音符做旋律，就可稱做藍調

當然除了12小節進行，還另外有8，16小節的藍調進行，同樣，也有很多人

會使用藍調音階外的音做代理.

看不懂的也沒關係，只要記得

所謂的藍調，必須有固定的作曲模式，而且能使用的音也只限於幾個音

符合這兩個條件的，就可稱做藍調

所以廣義的藍調認定一句話：以藍調音階內的音依照藍調進行做的曲子：p

（我覺得這句話講了跟沒講一樣.ccc）

C.狹義的爵士：狹義的爵士定義，很簡單

只要你能被歸類入任何一種爵士樂派，你就符合爵士樂的狹義定義了

當然自創一派不是不可以，但是前提是別人要接受你

就像連Fusion有些人都不把他當爵士呢：p

至於爵士樂派有哪些，請參閱精華區

D.狹義的藍調：狹義的藍調，跟狹義的爵士一樣簡單

只要你能被歸類到任何一種藍調樂派中，你就是狹義的藍調了

藍調樂派有哪些呢？

1.DeltaBlues：密西西比三角洲藍調

所謂的街頭藍調，這時期的藍調以空心吉他和口琴為主要樂器

以國內來看，有點像是地下道的老太婆手上拿著胡琴談著淒涼的曲調

國外就是一個老黑人拿著吉他坐在路邊：p

DeltaBlues的大師如RobertJohnson，對於後來的藍調發展的影響力

是非常大的

2.TexasBlues：德州藍調

德州藍調又分兩派，一派為countryblues，另一派則比較rock一點

countryblues等會在介紹

一般所謂的德州藍調就是很搖滾的藍調，如EricCaptain，BonnieRaitt

T-BoneWalker等等..

很多早期的RockMusic都是Blues

3.ChicagoBlues：

芝加哥藍調，與DeltaBlues的草根味，TexasBlues的火爆味比起來

ChicagoBlues是屬於舞臺上的Blues

與其他藍調樂派比較起來，ChicagoBlues顯得多樣化了點

當然這跟芝加哥的音樂非常興盛有關

這樣想想就知道分別了：DeltaBlues是一個哀傷的老人在路邊拿把吉他

想到什麼辛酸就唱什麼

TexasBlues是個小伙子在舞臺上大吼大叫，釋放

青春期的叛逆

ChicagoBlues則是一個藝人做好一首曲子，然後

做作廣告，宣傳，或者到pub表演

其實是跟neworleanjazz很像的立場

ChicagoBlues的大師如B.B.King號稱藍調之王，夠強吧

4.CountryBlues：鄉村藍調

音樂結合鄉村音樂的節奏+藍調音樂的進行=鄉村藍調

與一般的藍調的悲苦比較起來，CountryBlues是相當輕快明朗的

CountryBlues的大師有LightningHopkins

此外還有個團體叫CephasandWigins，我也非常的喜歡他們

5.RythmBlues：R&B節奏藍調

有聽過貓王嗎？

早期的Rock'nRoll跟R&B的不同在於，前者是白人唱的，後者是黑人唱的

所謂的節奏藍調就是藍調音樂和流行音樂的節奏結合的成果

56035565<-看的懂的就知道我在說啥了，ThisisR&B

看不懂的去聽聽貓王，LuckyPeterson，All4one，BoyIIMan吧

6.JazzBlues：簡單來說就是以爵士的方式演奏Blues

其實幾乎有一半左右的爵士經典曲目是藍調，由此就可以知道藍調對爵士的

重要性了.特別是早期的爵士，幾乎都是以藍調為主，直到Bebop後才稍有改變

當然一般人不會把他算到藍調樂派啦，不過這裡是爵士版咩

Anyway，LousisArmstrong可以唱藍調，也可以不唱藍調

B.B.King可以彈爵士，也可以不彈爵士

藍調是爵士的根，爵士卻在另一個天地大放異彩

怎样解决音准问题？(2)

特殊音值划分切分音

首先要明白：切分音只是一个音符！这个音符由于所处的节奏位置和时值的长短，而造成不同于其它音符的强弱关系。

我们知道，拍子有强弱、节奏也有强弱。如果有一个音符，由弱拍（或节奏中的弱位）开始，并且延续到下强拍（或节奏中的强位），从而改变了原有的强弱规律，这样便形成了切分音。切分音由于比它前后音符的时值长，所以一般要演奏得比较强些，成为切分重音。　

常见的切分音形式有两种：

1、一小节或单位拍之内的切分音，一般用一个比它前后音符时值长的音符来记写。有时也可用使用连线（延音线）来将两个相同时值的音符连结起来。（下例中带＞记号的音符）

2、跨小节或跨单位拍的切分音。一般用连线跨过小节线将两个相同时值的音符连结起来。（下例中带＞记号的音符）

切分音是有较强的重音的，由于它的切分重音的出现，就产生了两个连续的重音：一个是节奏和节拍中有规律的重音，一个是切分音所产生的切分重音。那么在音乐中这两个重音谁强谁弱，就要看具体的情况而定了。但一般来说，切分音的出现就是为了要达到切分（强弱变化的），所以没有特别的情况就要突出切分重音。

含有切分音的节奏叫做“切分节奏”。切分节奏包括切分音前面、后面的音符（如果有的话）、以及切分音本身。

有一些情况也会造成切分：　

1、反附点的节奏：反附点就是指由短音符（在前）与附点音符（在后）所组成的节奏。它与常见的附点音符在前、短音符在后所构成的节奏有所不同，由于该附点音符是从节拍或节奏的弱部分开始并占据了其后的强拍部分，所以就形成了切分的。这个附点音符也可以称之为切分音。

2、强拍休止的节奏：强拍休止指的是在正常的节拍或节奏的重音位置上，没有出现原有的强音，而是由休止符代替，从而使强音滞后，所形成的切分。特别是连续的强拍休止，更是突出了弱拍（或弱位节奏）上的音符。

3、前音延续并占后拍的部分时值：当前一个音符延续到后面的强拍或强位节奏时，就使原本在这个位置的强音不能发声，其后的音符就形成了节奏上的重音，从而形成切分的。

当代世界十大交响乐团

1、德累斯顿国立交响乐团（德国）

这是世界上较古老的交响乐团，成立于1548年。开始时只是室内乐队的小编制，后逐步扩大。该团在18世纪前以演奏意大利歌剧为主。从1817年开始，由作曲家韦伯担任指挥，进一步充实了乐队人员的编制。后又经音乐家瓦格纳和理查·施特劳斯的指挥排演，这样创造出了辉煌的历史。

德累斯顿交响乐团较擅长歌剧演奏；在交响作品方面，拥有跟西欧乐团所不同的独特音响，而且声部平衡很好。该团所演奏的德奥古典音乐格调高雅、音响丰满，具有美妙的德国古老传统色彩。

2、维也纳爱乐管弦乐团（奥地利）

维也纳爱乐乐团的历史可以追溯至1842年，该团是世界闻名的音乐之都——维也纳的象征性乐团。从1860年起，这个乐团由团员自主经营，在德索夫指挥下举办定期音乐会。1870年，里希特担任该团指挥后，该团声誉渐起。而后，马勒、理查·施特劳斯、勃拉姆斯和布鲁克纳等作曲家或指挥家，都曾指挥该团演出。这个乐团不设常任指挥。第二次世界大战后，贝姆、卡拉扬、慕蒂、伯恩斯坦、马泽尔等当代指挥家都经常被邀为客串指挥。据统计，指挥这个乐团灌制过唱片的指挥家竟达36位之多。

维也纳爱乐管弦乐团的演奏有一种独特的美感，多年来一直保持着鲜明的德奥音乐的传统风格，典雅而庄重，弦乐音色华丽优美。该团演奏的曲目比较保守，以传统的德奥作品为主。值得一提的是，这个乐团对于任何类型的指挥家都能作出灵敏的反应。有时，他们在严格的指挥家手下，白天举行定期演奏会，演奏布鲁克纳的交响乐作品，晚上却在意大利歌剧指挥家的手下，演奏意大利歌剧，足见该团的适应能力之强。

3、纽约爱乐管弦乐团（美国）

这是美国较早的交响乐团，由希尔创立于1842年。1922年，门格尔贝格接任指挥后，该团的演奏水平飞速发展。1928年，该团跟纽约交响乐协会合并，形成今天的规模。曾在该团任职的指挥家的名单中，可以看到马勒和达姆罗许等人的名字。从1928年到1936年间，托斯卡尼尼就任音乐监督，该团进入了黄金时代。1958年，当代指挥家伯恩斯坦开始指挥该团，使该团进入了第二个黄金时代。从1978年起，印度指挥家祖宾·梅塔就任该团的音乐指导与指挥。

纽约爱乐交响乐团共有团员106名，每年要演奏52周，其中有23周举办定期演奏会，演出场次大约为190次。该团是美国较古老的交响乐团，具有非凡的演奏水平，而且在历代指挥家统率下灌录了数量众多的唱片，其演奏成员中的演奏家比比皆是，不胜枚举。

4、波士顿交响乐团（美国）

波士顿交响乐团创立于1881年，由亨谢尔任指挥。该团从创立至1918年的历任指挥都是清一色的德国指挥家。1919年，法国作曲家拉波接任指挥。从1924年俄国指挥家库塞维兹基就任音乐监督后，波士顿交响乐团进入了黄金时代。1972年，乐团又进入小泽征尔时代，再度重振威风。

波士顿交响乐团是现今所有美国乐团中较具贵族气息的乐团。在美籍日本指挥家小泽征尔和英国指挥家戴维斯这两位人物的轮流指挥下，这个乐团灌录了无数张令人爱不释手的唱片杰作。该团的弦乐合奏具有特殊的感染力量，他们演奏的中国乐曲《二泉映月》（改编为弦乐合奏）深受中国观众的称赞。

5、柏林爱乐管弦乐团（德国）

柏林爱乐管弦乐团成立于1882年，指挥家尼基什曾任该团指挥达27年之久，他在任期间为乐团打下了牢固的基础，使之成为全世界首屈一指的交响乐团之一。1954年，福特万格勒担任该团指挥，此后乐团声誉更盛。1955年后由卡拉扬接任该团终身常任指挥，由此进入卡拉扬时代，此间该团的演奏活动和唱片录音更为频繁。在萨尔兹堡音乐节上，该团曾参与歌剧公演活动。

同欧洲许多传统的乐团相比，柏林爱乐管弦乐团的历史较短，但担任该团指挥职务的大多是较伟大的指挥家，这就使他们的演奏曲目无限扩大，合奏技能精彩绝伦，并具备了优异的反应能力，无论哪个指挥家统率该团，都能发挥其实力。可以这样说，柏林爱乐管弦乐团是当今世界上名符其实的各交响乐团之冠。

6、捷克爱乐管弦乐团（捷克）

该团是在1894年以布拉格国民剧院管弦乐团为中心组建的，两年后在捷克作曲家德沃夏克指挥下次举行演奏会。该团起初隶属于布拉格国民剧院，到1901年才独立出来。1918年，指挥家陶利希担任该团的音乐监督后，该团才成为前捷克和斯洛伐克首屈一指的乐团。到1950年后的安杰尔时代，该团终于拥有了世界性的实力与声誉。

捷克爱乐管弦乐团的演奏的曲目十分广泛。该团的弦乐部分特别优秀，有古雅的情调和捷克式的独特音响，尤其在演奏本民族的作品时情韵特别优美，其中以德沃夏克的音乐为其较高成就。

7、费城管弦乐团（美国）

费城管弦乐团创立于1900年，首任指挥是谢尔。1921年，斯托科夫斯基就任该团的第三任音乐监督，在他的训练下，这个年轻的乐团很快成为全美的“三大乐团”之一。该团在广播与唱片录音方面也极为活跃。此外，该团还积极介绍与首演现代音乐，为美国乐坛带了来欣欣向荣的景象。1938年后，奥曼蒂接任该团的音乐监督，他担任此职竟达41年之久。该团现由当代指挥家穆蒂担任常任指挥。

费城管弦乐团共有105名团员，每年工作52周，大约举行190多场音乐会。该团以辉煌的音响和多彩的音色闻名于世，被誉为“费城音响”；其各个乐器组内都有的演奏家。该团在美国冠盖群雄，堪称为20世纪世界性的“超级交响乐团”。

8、多伦多交响乐团（加拿大）

多伦多交响乐团创建于1908年。1923年，克尼兹担任该团的指挥。1931年，马克米兰就任该团的音乐监督后，乐团有了长足的进展。马克米兰功劳卓著，曾被英国皇室封为爵士。1936年，指挥家朱斯金特接棒，使这个乐团产生了辉煌的演奏。1965年，小泽征尔担任该团的音乐监督，使该团终于确立了世界第的地位，在这段时间内，该团曾灌录了不少唱片。

多伦多交响乐团共有团员95名，近年来由戴维斯接任音乐监督后，该团似乎返老还童，变得格外精神抖擞，演奏富有朝气，音色明亮、华丽。

9、列宁格勒爱乐交响乐团（前苏联）

这是俄国历史上较悠久、实力较强的管弦乐团。它的起源可以追溯到18世纪的圣彼得堡宫廷乐团，但是他们举行公开演出却是从本世纪才开始的。1917年，在俄国指挥家库塞维斯基担任指挥时，曾以“国立爱乐管弦乐团”之名开始活动。1938年，前苏联指挥家姆拉文斯基就任该团的音乐监督，此后的40多年，该团声誉渐高，成为“姆氏的亲兵”而进入黄金时代。

列宁格勒爱乐交响乐团的演奏风格充满激情、富有力度感，充分反映出彼得堡这个古老城市的文化特性，在合奏上显示了俄国式洗练的特色。该团较擅长演奏本民族音乐家如柴科夫斯基、肖斯塔科维奇等人的作品，其解释令人信服而表现生动。该团还特意配置了两套水平同样高超的人马，当乐团旅行演出时，必有一套人马留守在“大本营”中。

10、日本广播（NHK）交响乐团（日本）

这是1926年以近卫秀为中心而组建的乐团，当时称作“新交响乐团”，次年开始举办定期演奏会。1935年，近卫担任常任指挥，该团从此活跃于日本乐坛。后改称日本交响乐团后，由尾高尚忠和山田雄一任指挥。1951年隶属于日本广播协会（NHK），由此改称为目前的团名。

日本广播协会（NHK）交响乐团，是全日本较杰出的乐团，四管编制，全团人员共128名，每年平均演出140场左右（其中定期音乐会60场），听众达30万人次。该团的弦乐部分特别突出，合奏也十分，其充实的演奏能力，堪与欧美的乐团相媲美。特别是在演奏日本现代作品时，该团较能发挥他们的实力。

第四章各级变化和弦

接下来我们要为歌曲配置更优美的和弦，使音乐更流畅。这就要用到各种变化和弦。关于变化和弦在经典和声学里有复杂的一套理论，这些理论是有实际意义的，但是对于那些没有系统学习过和声学的人来说，如果一开始就被灌输有关离调的系列理论，恐怕没有多少人可以正确理解。所以在本教程中，我采用了一种比较直观的说法，关于离调和弦等内容的正确涵义会在以后写明。

注：所有和弦转位都沿用传统名称，转位称六和弦，第二转位称四六和弦。

1、主四六和弦（K46和弦）

这是一个在古典音乐中很常用的和弦，但它在流行音乐中仍然有很重要的作用。它的形式是主和弦的第二转位，以C大调举例就是C/G和弦，即5-1-3和弦。这种和弦的特点是，虽然算是主和弦，但因为它以SOL为根音，所以一点也不稳定，有着极强的向属和弦去的倾向。试验一下，如果一首大调歌曲结束时贝司手不弹DO音而弹SOL音，你肯定会感觉很奇怪，你会觉得这首歌曲根本就没有结束。这充分体现了主四六和弦的不稳定性。因此在编曲时我们可以充分利用这一点，如果有一首歌曲的结尾是C-G7-C（这可是很常用的结尾哦）我们就可以改为C/G-G7-C。由于C/G（主四六和弦）倾向与属和弦G7，而属和弦G7又倾向于主和弦，这样从C/G开始一系列的和弦都顺着它的倾向性行进，音乐就变得流畅了。在古典音乐中，C/G-G7-C的进行是较经典的终止式。

2、二级六和弦

二级六和弦是二级和弦的转位，在C大调中是Dm/F。它的构成音是FA，LA，RE。大家会发现它与F和弦（四级和弦）只差一个音，前者是FA，LA，RE，后者是FA，LA，DO。所以，二级六和弦实际上可以看成是四级和弦的一个替代品，也就是说某些地方本来用的是四级和弦，现在就可以用二级六和弦代替，C大调中就是用Dm/F代替F和弦。二级六和弦保持了二级和弦柔和的特性，不象四级和弦那么硬，也没有强烈的“飞”起来的感觉，所以如果你想要使1-4级的进行不要那么强硬，但又要有1-4级进行的和声，你就可以用二级六和弦代替四级和弦。如果大家听过电影《红河谷》的主题曲，它的第二个和弦就是二级六和弦，而这个地方的和弦功能和听上去的感觉实际上是四级的，这就对了！这就是二级六和弦要达到的。

3、大二级和弦

这实际上是一个离调和弦，不过在这里我不从这个角度去说明问题。大二级和弦就是升高三音的二级和弦，在C大调里是2，#4，6和弦。它的特点就是强烈倾向于属和弦（五级和弦），也就是在C大调里构成D-G的进行。在前面介绍二级和弦时我曾提到二级和弦较重要的用途是置于5级和弦前面，所以我们可以这样认为大二级和弦是增强了小二级和弦向属和弦的倾向性。在C大调中就是用D-G7代替Dm-G7。在歌曲的适当位置使用这种代替手段是十分好的。但是要注意，歌曲的旋律音如果是FA（首调）则不能这样代替，因为这会构成与和弦#4的小二度冲突，十分尖锐刺耳。邓丽君的许多歌曲及那个年代的许多歌曲（如《今宵多珍重》）都会在属和弦前使用大二级和弦，大家可以去仔细地分辨一下。另外，和所有的离调和弦一样，大二级和弦也可以扩展成七和弦，C大调里是D7和弦，2，#4，6，1。它的和弦性质和D和弦是一样的，只不过音响更丰富些。

4、大三级和弦

这也是一个离调和弦。在C大调里是E和弦，3-#5-7。是由三级和弦Em升高三音形成。它倾向于六级和弦Am.也就是在C大调里构成E-Am的进行。它实际上也是Em到Am进行的。和前面一样，我们可以用E-Am代替Em到Am，但仍要注意，如果旋律音是SOL，就不能这样代替，因为SOL会与和弦里的#5冲突。有一首老歌叫《我家在那里》就使用了大三级和弦。有首圣诞歌曲<WeWishyouaMerryChristmas>就连续使用了大二级和弦和大三级和弦。另外，和所有的离调和弦一样，大三级和弦也可以扩展成七和弦，C大调里是E7和弦，3-#5-7-2。它的和弦性质和E和弦是一样的。

5、大六级和弦

这也是一个离调和弦。而且这是一个很常用的和弦，它的“离调感”十分远，所以能制造出很动听的。在C大调中是A或A7和弦（和其他离调和弦一样，它可以扩展成七和弦）它强烈倾向于二级Dm和弦，这样就在C大调中形成A（A7）-Dm的进行。这可是一个非常漂亮的进行，它不仅可以代替Am到Dm的进行，还可以代替其他和弦到Dm的进行。只要你的旋律中带有6，#1，3，5中的任何一个或多个音，你就可以使用这个进行。它是用来强调和声在音乐中作用的较好例子。看一下：3-4|2--|这个例子，如果你想在第二小节配置Dm和弦，那么前一小节用什么好呢？Am可以，Em也可以，但它们都不是较好的，试过用A（A7）吗？那将会是一种新鲜的感觉。这种和弦手法在流行音乐中被广泛应用，邓丽君的歌曲《爱的箴言》就使用了该和弦，的圣诞歌曲<Hark！theheraldangelssing>全曲多次使用该和弦。这个和弦十分有色彩，恰当的使用肯定可以使你配置的歌曲和弦及伴奏比原来丰富得多。当然仍旧要注意，不要在旋律音为DO时使用该和弦，因为它会与和弦的#1音冲突。

6、一级七和弦

这也是一个离调和弦。一级七和弦在C大调里就是C7和弦，1-3-5-b7，看清楚了，这是一个大小七和弦，是降SI而不是还原SI，在其他调里可不要搞错了。它的用处就是置于四级和弦前面，一级七和弦有强烈的倾向于四级和弦的特性，又由于它本身属于主和弦系列，所以如果我们使用了一级到四级的和弦进行，就可以在这两个和弦当中插入一个一级七和弦，形成C-C7-F的自然进行。有一首英文老歌<ChangingPartner>就使用了该和弦。

7、小四级和弦

大调中，四级和弦应当是大三和弦，但有时侯我们也会使用它的降三音形式，就形成了小四级。它的较有效作用是置于四级和主和弦之间，也就是在C大调形成F-Fm-C的进行，小四级当然是一个小三和弦，它的加入会使音乐突然变得忧伤，所以它不但可以置于四级和主和弦之间，而且可以直接加在乐曲中的某个部分。的<Edelweiss>（雪绒花）在较后结尾时，就使用了小四级和弦。很多港台流行歌曲也使用小四级来表现忧伤与失落。

8、五级增三和弦

这个和弦不算很常用。它升高原来五级和弦的五音，变成增三和弦。在C大调中是Gaug（G+），这个和弦的用处是当一个乐句结束在属和弦上时，可以用五级增三和弦来代替五级和弦，增加意尤未尽的气氛，然后音乐稍作停留便又从主和弦开始，这种手段在爵士音乐中有着较多的应用。

9、降六级和弦

是一个常用的变化和弦，是大三和弦，在C大调中是bA和弦，b6-1-b3，降LA-DO-降MI。这个和弦看上去离C大调很远，确实如此，因为它只有一个音DO属于C大调自然音阶，嘻嘻，就是这个DO成为降六级较大的应用之处。因为绝大多数大调的歌曲都会结束在主音DO上（首调），我们可以利用降六级含有DO音，把降六级置于主和弦的前面，达到一种特殊的音响。在C大调中，如果本来是G7-C的终止，现在可以用G7-bA-C来替代，这样就能得到这样一种：旋律虽然保持是DO，但和弦是降六级-主和弦，非常有色彩。它可以烘托出那种宏伟，壮观的终止，不是属到主简单了事。

10、降七级和弦

相比降六级而言，降七级离原调好象近一点。在C大调中，降七级是bB和弦，b7-2-4，降SI-RE-FA，也是大三和弦。它含有RE，FA两个调内音，它可以被较自由地运用在歌曲中间部分，如果旋律中出现了这两个音就有可能使用降七级。在歌曲中如果在本来使用一般和弦的地方改用降七级，会有一种突然转调的感觉，降七级后面可以接1，4，5级和弦，C大调中，C-bB-C，C-bB-F等都是常见的。邓丽君的《千言万语》，TheBeatles乐队的<Hey，Jude>，<HelloGoodbye>，都使用了降七级和弦，取得了很好的。降七级还有一个用处就是对降六级作进一步扩展，把bA-C扩展为bA-bB-C，也就是在降六级与主和弦之间再插入一个降七级，得到一个连续上行大三和弦的，更适合于那些气魄很大，雄壮而有震撼力的终止。

11、降三级和弦

这也是一个用得不算太多的变化和弦，在C大调里是bE和弦，b3-5-b7，降MI-SOL-降SI，也是大三和弦。它离C大调也比较远，只有SOL是调内音，因此只有旋律出现SOL时，它才有考虑的可能。它适合在乐曲中起丰富色彩的作用，使用一下以后马上又回原调。这种和弦就一定要用得好，用得到位而不能滥用。有一首的英文老？lt；UnchainedMelody>（《奔放的旋律》——“人鬼情未了”的插曲）后半段就用了一个降三级。

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